miércoles, 23 de diciembre de 2009
La Navidad
La Navidad, es el nacimiento de Cristo.
Veamos porque y desde cuando se festeja el nacimiento de Jesús en el 25 de diciembre.
Actualmente, la Navidad es una fiesta más profana que religiosa. Es tiempo de gran actividad comercial e intercambio de regalos, reuniones y comidas familiares.
Fiesta Pagana?
En el siglo II de nuestra era (100 años después del nacimiento de Cristo), los cristianos sólo conmemoraban la Pascua de Resurrección, ya que consideraban irrelevante el momento del nacimiento de Jesús y, además, desconocían absolutamente cuándo pudo haber acontecido.
Durante los siglos siguientes, al comenzar a aflorar el deseo de celebrar el natalicio de Jesús de una forma clara y diferenciada, algunos teólogos, basándose en los textos de los Evangelios, propusieron datarlo en fechas tan dispares como el 6 y 10 de enero, el 25 de marzo, el 15 y 20 de abril, el 20 y 25 de mayo y algunas otras.
Pero el Papa Fabián (236-250) decidió cortar por lo sano tanta especulación y calificó de sacrílegos a quienes intentaron determinar la fecha del nacimiento del Nazareno. La Iglesia armenia fijo el nacimiento de Cristo el 6 de enero, mientras otras iglesias orientales, egipcios, griegos y etíopes propusieron fijar el natalicio en el día 8 de enero.
Finalmente, dado que en el concilio de Nicea (año 325) se declara oficialmente que Jesús es una divinidad, ya que el padre y el hijo son el mismo, se decidió fijar el natalicio de Cristo durante el solsticio de invierno (en el hemisferio norte) o sea, el 25 de diciembre, fecha en que se festejaba el nacimiento de variadas deidades romanas y germanas.
Natalis Solis Invicti
Se tomo por fecha inmutable, durante el pontificado de Liberio (352-366), la noche del 24 al 25 de diciembre, día en que los romanos celebraban el Natalis Solis Invicti, el nacimiento del Sol Invicto (un culto muy popular y extendido al que los cristianos no habían podido vencer o prescribir hasta entonces) y, claro está, la misma fecha en que todos los pueblos contemporáneos festejaban la llegada del solsticio de invierno.
Las iglesias orientales siguieron y siguen festejando la Navidad el 6 de enero.
Con la instauración de la Navidad también se recuperó en Occidente la celebración de los cumpleaños, aunque las parroquias europeas no comenzaron a registrar las fechas de nacimiento de sus feligreses hasta el siglo XII.
En un principio la Navidad tuvo un carácter humilde y campesino, pero a partir del siglo VIII comenzó a celebrarse con la pompa litúrgica que ha llegado hasta hoy, creando progresivamente la iluminación y decoración de los templos, los cantos, lecturas y escenas piadosas que dieron lugar a representaciones al aire libre del nacimiento en portal de Belén, el famoso Pesebre.
Donde y cuando nacio Jesus.
Aunque la tradición nos ha llevado a creer que Jesús nació en el primer año de nuestra era, lo cierto es que no fue así, ni mucho menos, si nos atenemos a los únicos datos conocidos sobre el particular, eso es a las informaciones vagas y contradictorias reseñadas por sus biógrafos, Mateo y Lucas, que, además, situaron el domicilio habitual de José y María en dos lugares diferentes y muy distantes entre S: Belén (Judea) y Nazaret (Galilea). El mismo Lucas relata en su texto el nacimiento de Jesús en dos fechas distintas, una en el año 6-7 d. C. y otra en el 4 a. C.
De esta forma un mismo evangelista, en las cuatro primeras paginas de su texto, dató el nacimiento de Cristo en dos fechas separadas entre S por un mínimo de 10 años. Mateo fijó el nacimiento de Jesús "en los días del rey Herodes" (Mt 2, 1) y, por tanto, antes del año 4 a. C., durante el cual murió el monarca judío.
Los principales expertos actuales fechan el nacimiento de Cristo entre el año 9 y 5 a. C., habiendo un gran consenso alrededor del año 7 o 6 a. C., lo sitúan en el contexto de la población judía de Palestina, y piensan que Jesús residió en Nazaret (Galilea), hasta la edad de cuarenta años, poco más o menos, trabajando en el oficio familiar de carpintero albañil hasta que lo dejo para ir al encuentro de Juan el Bautista, tras lo cual inició el corto período (alrededor de 2 años) de vida pública que relatan los Evangelios.
Si bien el lugar exacto del nacimiento de Jesús no se sabe, una tradición cristiana tardía dio por cierta la suposición de que el nacimiento tubo lugar en alguna de las muchas cuevas calizas que existen en las cercanías de Belén.
Habiendo sobrevenido el nacimiento de Jesús, según la tradición católica, mientras sus padres estaban refugiados en una cueva que contenía un pesebre por todo mobiliario, y estando aparentemente faltos de medios materiales y de calefacción (era invierno en esa zona), aparecen en escena los dos personajes infaltables en los pesebres, el buey y el asno, que con su aliento calentaron devotamente al niño recién nacido.
Esto es aceptado por la Iglesia, a pesar de que no figura en ninguno de los Evangelios, sino que figura en el evangelio apócrifo (no oficial) denominado Pseudo Mateo, del cuál proviene el relato en el que esta basado el pesebre que adorna todos nuestros arboles de Navidad.
Las Dudas De José
La concepción de Jesucristo, nueve meses antes, según lo cuenta Mateo (Mt 1. 18-25) fue así: María y José estaban desposados, pero todavía no convivían. María, que era virgen, se halló concebida del Espíritu Santo. José siendo un hombre justo no quiso denunciarla como adultera, sino que resolvió repudiarla en secreto.
Y, según cuenta Mateo, mientras reflexionaba sobre esto, se le apareció en sueños un ángel y le dijo que no temiera recibir en su casa a María, su esposa, ya que lo concebido en ella era obra del Espíritu Santo.
También le dijo, que daría a luz un hijo al que deberían ponerle de nombre Jesús, porque salvaría a todo su pueblo de sus pecados. Y José hizo todo lo que el ángel le mando.
José, el carpintero, fue uno de los hombres más injustamente tratados por la historia cristiana.
En las primitivas representaciones de la familia de Jesús, aparecía como un hombre joven, fuerte y sin barba, pero como consecuencia del inicio del culto a María, la figura del carpintero fue postergada y relegada al papel de encargado de aprovisionar de alimento a la familia.
Junto a este proceso también se le hizo envejecer hasta la senectud, de forma que, siendo ya nulo su vigor no fuese obstáculo ni sombra de sospecha que impidiese proclamar la virginidad perpetua de María.
El Nacimiento
Las diferencias que aparecen entre los relatos del nacimiento hechos por Mateo y Lucas (Marcos y Juan ni siquiera se ocupan de ello) pueden deberse a que ambos no se conocieron jamas y escribieron sus evangelios en tierras muy diferentes (Egipto y Roma respectivamente), por lo que adornaron su narración sobre Jesús inspirándose en leyendas ya existentes pero que gozaban de diferente prestigio en un lugar u otro; por eso Mateo tiño de orientalismo el nacimiento de Jesús mientras que Lucas se adaptó a tradiciones míticas que eran más creíbles a la capital del imperio Romano.
Las diferencias más notables son las omisiones en el relato de Lucas de la estrella de Belén, los reyes magos, etc., mientras que esto aparece en Mateo.
Por su lado Mateo omite el canto que los ángeles hacen a los pastores para que fueran a adorar a Cristo.
Kepler y La Estrella de Belén
El único, como ya se dijo, que menciona la estrella de Navidad o de Belén, es Mateo. Dice que la estrella precedía a los reyes magos hasta que se paro encima del lugar donde estaba el niño Jesús.
Ya en la antigüedad se defendía a la estrella como verdadera.
El teólogo Orígenes (c. 185-253) decía que estaba próxima a la naturaleza de los cometas.
Muchas hipótesis aparecieron para explicar el "milagro de la estrella de Belén", tratándolo como un fenómeno astronómico real.
Unas hipótesis apuntan al brillante planeta Venus, pero este planeta ya era conocido en aquellos tiempos, difícilmente pudo ser tomado como algo extraordinario.
Otros señalan el paso de un cometa, concretamente del Halley, pero éste ya había transitado por nuestro sistema solar el año 11 a.C., bastante antes del nacimiento de Cristo.
Los hay también que atribuyen la "estrella" a una supernova (explosión de un sol cuya brillante luz puede verse durante meses, incluso de día), pero no hay registros históricos de esa época al respecto pese a que si lo hay de novas observadas en el 135 a. C. y el 173 d. C.
La opinión más razonable y aceptada la propuso el astrónomo Johanes Kepler en 1606.
Para Kepler, la estrella de los magos no fue otra cosa que la rara triple conjunción de la Tierra con los planetas Júpiter y Saturno, estando el Sol pasando por Piscis.
En esta conjunción los planetas se ven como uno solo, los que los hace una luz muy brillante.
Los cálculos de Kepler determinaron que la conjunción se dio en el año 7 a. C., lo que resulta compatible con las fechas asignadas al nacimiento de Jesús esbozadas mas arriba.
Un evento como este se dio en 1940-41 y no se volverá a dar hasta el 2198. Kepler conocía los comentarios que sobre el profeta Daniel había escrito en 1497 Arbabanel, un sabio judío.
Según Arbabanel la conjunción de Saturno y Júpiter en la constelación de Pisis había tenido lugar cuando el nacimiento de Moisés, y tendría lugar otra vez cuando naciera el Mesías. Arbabanel creía que la liberación traída por el Mesías se efectuaría de acuerdo con el versículo (24, 17 Números) de la Biblia que dice "Y de Jacob se levantará una estrella y de Israel surgirá un cetro."
Tal vez el redactor del evangelio según Mateo no hizo más que aprovechar, con intención mítica, el suceso cósmico.
La explicación mas simple consiste naturalmente en creer que Dios creo una estrella que guiase a los Reyes Magos y una vez cumplida su misión desapareciera tan rápida y misteriosamente como había sido creada.
Pero Dios usa muchas veces para sus milagros las causas naturales, y el milagro consiste en que estas se realicen en el momento y lugar justos.
La Verdadera Historia De Papa Noel
San Nicolás - Papá Noél - Santa Claus
El proceso de metamorfosis que llevo al obispo Nicolás de Asia Menor al gordinflón barbudo vestido de rojo y blanco que le trae regalos a los niños, es tan o más fantástico y apasionante que su propia leyenda.
San Nicolás nació alrededor del año 280 en Patara, una ciudad del antiguo distrito de Licia, en Asia Menor, en el sudoeste de la actual Turquía.
Era hijo de una familia adinerada y gozo de una buena educación.
A la muerte de sus padres regaló todos sus bienes y se encamino hacia la vida religiosa, ingresando en el monasterio de Sión. Fue ordenado sacerdote a los 19 años por su tío, el arzobispo de Myra, al que muy pronto sustituyo en el cargo tras su deceso.
Gran defensor de los dogmas católicos, falleció siendo arzobispo de Myra cerca del año 350. Fue llamado obispo de los niños, por su amor a los pequeños, y se hizo muy popular por su gran generosidad y amabilidad para con los mas necesitados y los niños, a quienes hizo beneficiarios de su fortuna personal. Su fama se extendió mas allá de las fronteras de su región y comenzó a ser protagonista de gran cantidad de leyendas, atribuyéndosele desde salidas nocturnas para repartir regalos entre quienes lo necesitaban, hasta milagros como el de calmar una tempestad y resucitar a un marinero egipcio.
De entre todos los relatos legendarios acerca de San Nicolás destacan una, conocida como la de las tres hermanas, es la base sobre la que se construyó el mito que le convertirá en generoso repartidor de regalos
La leyenda cuenta lo siguiente: En la ciudad de San Nicolás, Patara, había tres niñas que no se podían casar, ya que su padre estaba arruinado y no tenia dinero para sus dotes, razón por la cual el hombre había decidido venderlas a medida que alcanzaran la edad de ser desposadas.
San Nicolás se entero de esto y corrió a darle una bolsa llena de monedas de oro en secreto a la mayor, para su dote. Otro tanto sucedió con la segunda y la tercera a medida que llegaron a la edad matrimonial.
Según la leyenda san Nicolás, para mantener el secreto, tiraba la bolsa con el oro a través de una ventana y la embocaba en uno de los calcetines que la niña en cuestión colgaba para que se secase en la chimenea. A la tercera de las niñas le reconocieron, con lo que se hizo famoso por ello.
Los vikingos lo adoptaron como santo patrono, y de ellos paso a Rusia donde se convirtió en santo nacional a principios del siglo X. Pero su fama se extendió cuando sus huesos fueron robados de Myra por unos marineros que lo llevaron a la ciudad italiana de Bari, y puesto en la Iglesia de San Esteban. Apenas llegado ya empezó a obrar milagros y su fama corrió como el viento por toda Europa.
Desde mediados del siglo XIII san Nicolás repartía los regalos y juguetes durante la noche del 5 al 6 de diciembre, pero tras la Contra Reforma católica (1545-1563), surgió otro personaje, Christkind, el niño Jesús, que repartía regalos en el día de Navidad.
El avance de la tradición de los regalos del niño Jesús forzó a que san Nicolás pasara a entregar sus regalos el día 25.
La adorable misión de repartir regalos a los niños en Navidad fue adoptada por toda Europa, y el personaje encargado de hacerlo fue desarrollándose a partir de la figura básica del san Nicolás medieval mezclada con diferentes leyendas locales (como los gnomos, el padre invierno nórdico, la bruja buena italiana, y otros mas).
Así nacieron, por ejemplo, los legendarios Kolya (Rusia), Niklas (Austria y Suiza), Pezel-Nichol (Baviera), Semiklaus (Tirol), Svaty Mikulas (ex Checoslovaquia), Sinter Klaas (Holanda), Father Christmas o padre Navidad (Gran Bretaña), Santa Claus (EE.UU.), Père Noël o padre Navidad (Francia)... y otras muchas variantes del mismo mito básico.
Pero al gordinflón de barba blanca y vestido con un traje rojo ribeteado de blanco, que conduce por el aire un trineo de ocho renos transportando un saco lleno de juguetes, se lo debemos a las tradiciones holandesas y a los escritores y dibujantes de Nueva York, EE.UU.
Por aquellos días se lo representaba vestido con ornamentos eclesiásticos, con barba blanca, montando en un burro, y llevando un saco o cesta con regalos para los niños buenos y un manojo de varas para los desobedientes.
Mas tarde, hacia el siglo XVII solía llegar en un barco que se llamaba Spanje (España), con un caballo blanco, siempre acompañado de su fiel sirviente moro Zwarte Piet (Pedro el Negro), un siempre sonriente personaje que lleva un saco lleno de golosinas que es lo suficientemente grande como para que, cuando se queda vacío, pueda meterse en el a todos los niños que se han portado mal durante el año y se los llevaba a España (un castigo horrible para la época, ya que estaban enemistados con España).
Esta tradición familiar de San Nicolás traspasó el Atlántico, en el siglo XVII, junto a los colonos holandeses que fueron a instalarse en la prometedora costa este de Norteamérica.
Los holandeses fundaron Nueva Amsterdam en la isla de Manhattan, que luego seria Nueva York. En este traspaso, Pedro en Negro se quedo en el continente, ya que desaparece de los festejos posteriores.
Washington Irving amante del folclore europeo, escribió su Historia de Nueva York en 1809, en la que describe la supuesta llegada del santo cada víspera de San Nicolás. Lo describe ya sin ropas de obispo y dejo de montar un caballo blanco para llegar en un corcel volador.
Fue tan popular a raíz de este relato que todos, incluso los colonos ingleses, festejaron la celebración holandesa.
El nombre fue derivando de san Nicolás, Sinterklaas o Sinter Klaas hasta acabar siendo pronunciado como Santa Claus por los angloparlantes. Había nacido un nuevo personaje, al que todavía le faltaba para convertirse en el actual gordo bonachón.
El siguiente paso en la transformación definitiva de San Nicolás en Santa Claus ocurrió el día 23 de diciembre de 1823, cuando apareció un poema en un diario de Nueva York, titulado Un relato sobre la visita de San Nicolás.
Recién en 1862 se supo que lo había escrito Clement C. Moore, profesor de estudios bíblicos en Nueva York.
En este poema se ensalzó el componente mágico del Nicolás de Irving y lo hizo más creíble.
Cambio el trineo tirado por un caballo volador por uno tirado por renos. Lo describió como un tipo alegre, gordo y de pequeña estatura, asimilándolo a un gnomo. Y lo mas decisivo fue que Moore situó la llegada de Santa en la vigilia de Navidad, en lugar de suceder el 6 de diciembre.
Gracias a este empuje, Washington Irving creo una sociedad literaria en honor al santo en 1835.
La imagen del gordo Santa Claus la detalló al máximo el dibujante Thomas Nast, que por Navidad publicó ilustraciones de Santa Claus en la revista Harper’s de 1860 a 1880. Nast añadió detalles como su taller en el polo norte y su vigilancia sobre los niños buenos y malos de todo el mundo. Él le dio el color rojo y su vestuario de pieles.
A fines del siglo XIX y principios del XX la costumbre del san Nicolás reinventado en Nueva York, se fue extendiendo por casi toda Europa. Fundo sus bases en Gran Bretaña como Father Christmas o Padre Navidad, y de ahí pasaría a Francia bajo el nombre de Père Noël o Papa Navidad, del cual derivaría Papá Noél, como se lo conoce en España, Argentina y gran parte de América latina.
En realidad no hizo mas que readaptarse a las antiguas costumbres de San Nicolás u otros repartidores de regalos.
Pero finalmente fue la Coca-Cola la que le dio su actual aspecto en 1931. Para la campaña publicitaria de la Navidad de este año, la Coca-Cola le encargo a Habdon Sundblom que remodelara el Santa Claus de Nast.
Él creo un Santa Claus más alto, todavía más gordinflón, aunque más simpático, con un rostro bonachón, de ojos pícaros, chispeantes y amigables, con pelo cano y luenga barba y bigote, también blancos, sedosos y agradables.
La vestimenta mantuvo los colores rojo y blanco, que son los de la compañia, pero su traje se hizo más lujoso y atractivo.
Actualmente se lo hace oriundo de Hveragerdi, según los islandeses, los noruegos dicen que vive en la ciudad de Drammen, mientras que los finlandeses (la mas aceptada) juran que e nació y vive en Rovaniemi, todas estas son localidades turística.
Todos sabemos que vive en el Polo Norte con muchos duendes que lo ayudan a fabricar todos los regalos que le piden los niños del mundo, y que reparte los regalos en un trineo volador tirado por al menos 9 renos: Rudolph, Donner, Blitcher, Cometa, Cupido, Brillante, Danzante, Centella y Zorro.
Solo me queda decirles que Papa Noel son los padres.
martes, 18 de noviembre de 2008
NATACHA, "La Azafata de Vuelo”.
François Walthery, hizo aparecer por primera vez a su azafata de historieta desde las páginas de la revista SPIROU allá por el año 1967.
El primer albúm se llamó, como no podía ser de otra manera, “Natacha, Azafata de Vuelo” como se demuestra a través de 40 años de personaje y de 20 álbumes, la serie ha sido un éxito.
Es de suponer que gran parte de ese éxito, sea gracias al acierto de Walthery con su creación; la inspiración para dibujar a Natacha viene de algunas de las más conocidas cantantes de la época, en especial de France Gall.
Se narraban las aventuras en la mejor línea del thriller cinematográfico de Natacha, una azafata de líneas aéreas, a la que le sucedían aventuras variadas en el tiempo en que no estaba ejerciendo su profesión.
Acción, intriga, personajes buenos, personajes malos, tiros, persecuciones, escenarios exóticos…de todo un poco para enganchar al lector a través de una historieta ágil y dinámica que atraía inevitablemente todas las miradas gracias a un estilo de dibujo magnífico y, como no, al personaje principal.
¿Quién no se dejó atrapar por esa mirada de grandes ojos oscuros, por aquellos cabellos rubios y sobre todo, por ese cuerpazo de larguísimas piernas?
Si queres leer una historieta de Natacha seguí el Link
http://www.eslabondecristal.com/Natacha_13_apostol/Natacha_13_apostol.html
Azafatas
Sabés por qué llamamos AZAFATA a las auxiliares de vuelo?
Y también llamamos así a las empleadas que facilitan información o atienden al público en asambleas y congresos.
Tiene su origen en el vocablo azafate, que era una forma de denominar una ‘bandeja’ en el siglo XV.
Éste, a su vez, procede del árabe safat, ‘cestillo donde las mujeres ponían sus perfumes y otros objetos’.
Ocurre que las doncellas utilizaban este objeto mientras atendían a sus señoras, que se vestían o desnudaban en sus cámaras, sirviendo o recogiendo las alhajas y demás enseres.
Posteriormente el nombre del objeto pasó a nombrar a la persona que lo portaba.
Sabores Curvos
Vivimos en tiempos de Palermización ,guitarreo y degustación.
Donde Palermo en cualquier momento llega hasta La Boca y todo el mundo es sommelier ,con chantas que no dejan de revolear sus copas, para olisquear con aire experto y revelarnos astutamente : “sabores curvos con marcadas notas de frutos del bosque, en especial cassis y buen final en boca”.
Los tipos nunca agarran la copa por el cáliz, sino por el tallo. Y en la vida, eso mucho no pasa.
Te dan ganas de decirle al de la mesa del costado “Agarrá bien esa copa, pelotudo”.
Toda ese vocabulario de que “ese vino tiene memoria de almendras...” “final voluptuosa de cerezas”,”notas a chocolate ,humo y tabaco”, “presencia de mermelada y confituras” ,”notas de duraznos blandos” ,me suena a guitarreo... ¿grosellas? ¿flores blancas? ¿vainilla?.
Meses atras, los bebedores de vino estadounidenses han tenido su turno como objeto de ridículo de la cultura popular.
En dos estudios sobre la psicología del vino, los consumidores han sido representados como ingenuos, sujetos a manipulaciones de mercadotecnistas, críticos y productores charlatanes que han envuelto al vino en misterio y una falsa sofisticación .
Uno de esos estudios fue concebido por Robin Goldstein, crítico de comida, para intentar aislar a los consumidores de la influencia externa para que simplemente pudieran juzgar al vino de acuerdo con lo que hay en la copa.
Pidió a 500 voluntarios que cataran y calificaran 540 vinos no identificados, con precios que iban desde 1.50 hasta 150 dólares la botella.
Los resultados son descritos en el libro, “The Wine Trials” (Las pruebas del vino).
Una botella de champaña de 10 dólares del estado de Washington obtuvo una mejor calificación que un Dom Pérignon, que se vende en 150 dólares la botella, mientras que Two-Buck Chuck, el cabernet sauvignon más barato de Charles Shaw de California, superó a una botella de cabernet de 55 dólares del Valle de Napa.
“Cien vinos que cuestan menos de 15 dólares superaron consistentemente a sus primos finos”, señaló el artículo.
El libro demuestra que lo que les gusta a los bebedores novatos es diferente de lo que les agrada a los expertos en vino. Los expertos prefirieron el Dom Pérignon.
En un segundo experimento, del Instituto de Tecnología de California y la Escuela de Negocios de Stanford, en California, demostraron que entre más caro creen los consumidores que es un vino, más probable es que sientan placer al tomarlo.
Los investigadores escanearon los cerebros de 21 novatos del vino voluntarios mientras bebían pequeños sorbos de vino. A los participantes se les informó sólo el precio de las botellas. Sin saberlo, cataron un vino dos veces, y se les dio dos precios diferentes.
Invariablemente, prefirieron el que pensaban que era más caro.
La correlación entre precio y calidad es tan poderosa que afecta no sólo nuestra percepción del vino, sino de todos los bienes de consumo.
Michael Rolland, es el más brillante “consultor de vinos” que recorre viñedos del mundo. Dueño de un gran histrionismo, Rolland aconseja a todos con sus dotes de doctor y terapeuta (de vinos).
Otro gran personaje es el periodista norteamericano Robert Parker, la indiscutida voz de la crítica internacional de vinos, que con una olida de su nariz puede hundir o salvar cualquier bodega del mundo.
Parker vive en una mansión de Maryland (Estados Unidos), cuidando su nariz y su paladar asegurados por un millón de dólares.
El francés Rolland y el norteamericano Parker, son íntimos amigos desde hace más de ocho años .
La feliz amistad entre Rolland/Parker dice operar sólo guiado por el gusto propio (y ajenos al juicio del otro).
Sin embargo, es admirable cómo ese gusto termina resultando sorprendentemente coincidente. Haciendo cada uno su trabajo con intachable honradez, la tarea sumada puede lograr por ejemplo que una botella producida en una bodega cualquiera se dispare de 35 a 110 euros.
Sólo hace falta contar con el asesoramiento adecuado (materia en la que, casualmente, Rolland es el capo) y la máxima puntuación de la revista Wine Spectator (para la que, casualmente, escribe Parker).
Mientras tanto, los consumidores se enfrentan con la impenetrable jerga del vino: la revista Wine Spectator recientemente evaluó un tinto argentino como “oscuro y suntuoso, con muchas notas de pan de higo, moca, ganache, ciruela pasa y arcilla. Su textura se mantiene fina al final, con toques persistentes de salvia y de aromas tostados”.
Rolland asesora a 15 bodegas del pais y cuenta con la simpatía de Marina Beltrán, directora de la Escuela Argentina de Sommeliers por colocar a Argentina en el mapa del vino en el mundo.
Les recomiendo el documental Mondovino
Ah ¡¡¡¡¡¡y no se olviden de los taninos!!!!!!!!!!!!
Fuentes:Eric Asimov,Newsweek
martes, 5 de agosto de 2008
Juegos Olimpicos - Beijing 2008
Rémi Gaillard Es un bromista francés que ahora se la agarro con los Juegos Olimpicos,que a decir verdad sacados de su contexto(estadios,pistas,canchas)quedan bastantes ridículos.
http://es.youtube.com/watch?v=S4ZO2FD4pNA
http://es.youtube.com/watch?v=S4ZO2FD4pNA
domingo, 3 de agosto de 2008
Salvador Dalí
... Es el buen gusto y solamente el buen gusto, lo que tiene el poder de esterilizar y es siempre, el principal impedimento para la creatividad ...
... El termómetro del éxito no es más que la envidia de los descontentos ...
... El primer hombre que comparó las mejillas de una muchacha con una rosa, era obviamente un poeta, el primer hombre que lo repitió, posiblemente era un idiota ...
... A la edad de seis años quería ser cocinera y a los siete quería ser Napoleón, desde entonces, mi vanidad no ha dejado de crecer ...
... El termómetro del éxito no es más que la envidia de los descontentos ...
... El primer hombre que comparó las mejillas de una muchacha con una rosa, era obviamente un poeta, el primer hombre que lo repitió, posiblemente era un idiota ...
... A la edad de seis años quería ser cocinera y a los siete quería ser Napoleón, desde entonces, mi vanidad no ha dejado de crecer ...
"Olvidando a Velázquez", Las Meninas de Picasso
Las Meninas de Picasso
A mediados de los años 50 Pablo Picasso comienza a realizar estudios de algunos pintores clásicos y realiza "series" de grandes cuadros de la historia del arte.
Entre otras obras famosas elige "Las Meninas" de Velázquez realizando una serie con más de 50 versiones.
Al comparar "Las Meninas" de Velázquez y Picasso constatamos múltiples cambios. De primera vista nos llama la atención que Picasso cambió el formato del cuadro.
El pintó "Las Meninas" en formato horizontal y no en vertical como el original. Así consigue incluir más elementos narrativos y nuevos personajes, retratos de Jacqueline Roque, su mujer en aquellos momentos, y también unas palomas. Lo que queda obvio en el cuadro es su admiración por Velázquez. La figura del pintor en el cuadro de Picasso es enorme, va desde el suelo hasta el techo.
El pintor resulta ser el tema principal de "Las Meninas" de Picasso para quien es más importante el pintor que su obra por muy excepcional que sea.
Michel Leiris, en el catálogo de la primera exposición de la serie de "Las Meninas" observa que Picasso "se ha instalado" en el cuadro de Velázquez, que él mismo vive en el ambiente del palacio real y lo llena con sus objetos domésticos.
Las Meninas de Velázquez
El cuadro "Las Meninas" es uno de los cuadros más famosos de la pintura española y la obra cumbre del pintor Diego Velázquez.
Lo pintó en el año 1656 y durante 200 años se llamó "La familia de Felipe IV". En 1843 fue designado con el término "Las Meninas". Con el nombre portugués de "menina" (muchachita) se denominaba en la Corte a las "doncellas de honor". La fama del cuadro se debe a la sensación de profundidad que transmite.
Esta profundidad está determinada por la luz y por las íntimas conexiones de los personajes con el ambiente que les rodea. En el cuadro se cruzan tres niveles interdependientes: lo real, lo pintado y lo reflejado. En la realidad los Reyes (Felipe IV y Mariana Austria) se encuentran delante de la escena y miran como Velázquez está pintando el cuadro. Sus imágenes se reflejan en el espejo iluminado en el fondo de la obra. El cuadro mismo reproduce el acto de la pintura ya que Velázquez figura con su paleta delante del lienzo.
Los personajes de "Las Meninas"
En el centro del cuadro se encuentra la Infanta Margarita, hija del rey Felipe IV y de su segunda mujer Mariana de Austria.
Cuando Velázquez pintó "Las Meninas", la Infanta Margarita tenía cinco años. A pesar de su corta edad ya iba vestida con la moda típica de la corte española del siglo XVII. Bajo el vestido, la Infanta llevaba un armazón de mimbre llamado guardainfantes que ahuecaba las faldas abultando las caderas.
Ante la Infanta se arrodilla la menina María Agustina Sarmiento ofreciéndole una jarrita de agua. Ella es hija del Conde de Salvatierra y se casará con el Conde de Aguilar. La segunda menina a la derecha es Isabel de Velasco, hija del Conde de Fuensalida que morirá soltera.
A su lado se encuentran la enana Mari Bárbola (quiza apellidada Asquín) de origen alemán y el enano Nicolás Pertusato que pisa un perro, un mastín cuyo nombre desconocemos. La presencia de enanos era frecuente en la Corte ya que se les atribuía el don de la profecía.
Más atrás se encuentran Marcela de Ulloa, viuda de Diego de Peralta, señora de honor y guardadamas así como un guardamujer que se ha identificado con Diego Ruiz de Ancona, albacea testamentario de Velázquez. En los peldaños de la escalera está José Nieto y Velázquez, aposentador como Velázquez pero no emparentado con él.
A la izquierda aparece Diego Velázquez, como pintor de la casa del rey, trabajando ante un gran lienzo. La figura de Velázquez tiene una extraordinaria importancia en el cuadro. Se alza sobre los demás sosteniendo el pincel en la mano izquierda y la paleta en la mano derecha. Velázquez había adquirido en 1652 el más alto cargo que podía conseguir un hombre no noble de Palacio.
Se ha subrayado que él ennoblece el oficio de pintor no sólo al autorretratarse, sino al representarse directa e indirectamente junto a la familia real. De su cintura cuelga una llave, atributo del aposentador de palacio, como una insignia más. Así muestra Velázquez su ascenso social que tanto deseaba.
miércoles, 2 de julio de 2008
Pablo Picasso - Guernica
El Gobierno de la República Española encargó a Picasso un cuadro que decorara el Pabellón Español durante la Exposición Internacional de 1937 en París.
El contexto histórico del encargo es la guerra civil española, y la participación en la Exposición da la oportunidad de mostrar al mundo esa guerra.
Sin embargo, Picasso no tiene claro el cuadro, el tema…. Pero se producirá un hecho que se convertirá en el detonante de esta obra maestra:
El 27 de abril de 1937 se informó de que la ciudad de Guernica había sido arrasada por diversas bombas de hasta media tonelada y que la gente había muerto por las ametralladoras de los cazas.
“ La aviación alemana – la legión Cóndor – colaborando con el ejército de los nacionales bombardea a las tres de la tarde, en un día de mercado, la ciudad vasca de Guernica. Es el primer experimento de constatar los efectos de la guerra entre la población civil….”
Picasso, al enterarse, decide tomarlo como tema de un cuadro, empezó el 1 de mayo de 1937, el 8 de mayo se introdujo la madre y el caballo y el 11 de mayo empezó en el lienzo definitivo hasta el 4 de junio.
En poco más de un mes, realizando cientos de bocetos, dibujos etc., lleva a cabo esta obra al óleo de casi 8 metros por 3,5 m ( 3,57 x 7,82).
Ha pasado a ser una obra fundamental.
Breve Analisis
La austeridad cromática conviene al tema del cuadro. La primera imagen que Picasso recibió del bombardeo fue a través de los periódicos franceses, lo que propicia la teoría de que interiorizó el horror que ello supuso, reflejándolo con tonos negros y blancos.
Con un estilo personal, sus figuras, símbolos de la tradición colectiva española, deformadas y reinterpretadas por Picasso se convierten en símbolos del dolor, la fuerza, el sufrimiento, el pánico.
Al ver el cuadro lo primero que nos impresiona es su tamaño, es inmenso y ante esa amalgama de figuras, la falta de color, el protagonismo del negro nos sentimos un poco perdidos y buscamos la única referencia que tenemos del cuadro, “ Guernica”, pero por más que buscamos no hay nada, ningún elemento identificativo que haga referencia a ese pueblo concreto, al árbol de Guernica, a la guerra civil, a España…. Puede ser cualquier pueblo o ciudad de cualquier parte del mundo.
Pero en ese andar de nuestra mirada por el lienzo hemos ido descubriendo un orden en la composición, esta concebido como un gran tríptico: a la derecha la mujer que grita entre las llamas, en el centro el caballo, a la izquierda la maternidad doliente, además en la parte central hay un a estructura triangular marcada a la izquierda, por los perfiles de las figuras y a la derecha, por la luz que viene desde esa especie de fachada puerta que hay debajo del tejado.
La compartimentación, las deformaciones en piernas, pies, manos, cuellos, rostros… no hacen mas que acentuar la expresión de terror y caos
Imagenes en 3D
Una Mirada
Iniciando la lectura del cuadro por la derecha:
La mujer que levanta los brazos y se estira intentando escapar de las llamas que la consumen, del incendio provocado por el bombardeo, su rostro se convierte en un grito de espanto, de pánico, por debajo de ella, la pierna deforme de otra mujer que se arrastra y torsiona su cuerpo hacia otra mujer, una figura fantasmal que se está incorporando a la escena desde fuera, a través de esa ventana estrecha que le aprisiona los pechos, ya en la parte central, el candil compite con la bombilla - ojo, la luz que ilumina los acontecimientos, pero en este caso es una luz que no ilumina la escena, sino que queda encerrada en una elipse que esta rematada por cuchillos finamente afilados, la bombilla es una “bomb….”
En línea con la bombilla el toro, enérgico y monumental, torsionado hacia delante, puede ser símbolo de muchas cosas: la piel de toro símbolo de España y del pueblo español, o de la agresividad y del fascismo, independientemente de su significado el toro mira al espectador, puede ser el elemento acusador, nosotros espectadores formamos parte de ese género humano racional que ha provocado este caos y destrucción.
Por debajo del toro, la maternidad doliente, sus pechos caen fláccidos, ya no tienen razón de ser, su cara se ha convertido en un grito, sus ojos en dos lágrimas, su lengua en un punzón acerado, no es sólo una mujer de Guernica que ha perdido a su hijo sino que se convierte en símbolo de todas las madres que pierden a sus hijos en las guerras, puede ser una madre Palestina, hebrea, iraquí, madre de los vencidos y también de los vencedores muertos.
Detrás, sobre una mesa una paloma, también herida de muerte, que pía.
Por debajo de la maternidad, el guerrero, que sirve de nexo con la parte central y de base de todo el lienzo, despedazado, con el brazo seccionado, pero, a pesar de ello su mano sigue agarrando firmemente la espada, un arma de otra época, que también está rota.
Y encima el caballo que destripado, lanza un relincho brutal y sus ojos se convierten en dos tachuelas, es como si nos quisiese mostrar que ni siquiera los seres irracionales pueden comprender lo que ocurre a su alrededor
En medio de todo el caos, junto a la espada rota aparece una flor, ¿ todavía queda la esperanza? De la muerte surge la vida, la flor es pequeña, pero nace casi de la espada, es como si nos dijese que esas armas rotas deberían convertirse en arados.
Hay otro elemento que despierta la esperanza: la luz del candil de aceite, el mundo tradicional traído por una mujer que rompe el ámbito tenebroso del cuadro, es la luz tradicional frente a la luz industrial, la otra mujer ha visto la luz y se dirige hacia ella con un gesto concentrado y expectante.
El Guernica no es sólo un testimonio del bombardeo, ni de la guerra civil española, es algo más, es un alegato contra la barbarie, contra cualquier guerra. La ausencia de color, el negro subraya la muerte y la destrucción de los seres vivos, incluso de la civilización.
Fue voluntad del autor que esta obra suya estuviera en el Museo del Prado, pero nunca se llevó a cabo tal petición. Actualmente se encuentra en exposición permanente en el Museo Reina Sofía en Madrid, España.
jueves, 22 de mayo de 2008
jueves, 3 de abril de 2008
Bateria
La batería nace a principios del siglo XX originalmente con el nacimiento del Jazz, pese a que algunos de sus componentes ya existían por separado con anterioridad, ya sea en el uso de orquestas o en desfiles militares.
A lo que denominamos batería, dio a luz por primera vez en Estados Unidos, lo curioso de esto es que ningún componente es originario de este país.
La caja y el bombo nacieron en Europa, los platillos de Turquía y China y los toms de África.
El primer bombo de pie fue comercializado por Ludwig en 1910. En sus comienzos los parches eran de piel de animal.
En 1920 aparecen los primeros tones afinables.
Entre 1930 y 1950 aparece el pie de hit hat que hace variar el rumbo de la interpretación del instrumento.
En 1960 se le agrega un tom mas y el doble pedal de bombo fue inventado.
En la actualidad existen diversos tipos de platillos, diferentes medidas de bombo, toms, etc.
Despues de esta breve introduccion de historia,debo confesar que mis favoritos son los bateristas de jazz y rock progresivo(cosas de la edad).
Dave Weckl, Vinnie Colaiuta, Steve Gadd
King Crimson con Bill Bruford - Waiting Man
Version de Squonk de Genesis
Version de Something Got Me Started de Simply Red
A lo que denominamos batería, dio a luz por primera vez en Estados Unidos, lo curioso de esto es que ningún componente es originario de este país.
La caja y el bombo nacieron en Europa, los platillos de Turquía y China y los toms de África.
El primer bombo de pie fue comercializado por Ludwig en 1910. En sus comienzos los parches eran de piel de animal.
En 1920 aparecen los primeros tones afinables.
Entre 1930 y 1950 aparece el pie de hit hat que hace variar el rumbo de la interpretación del instrumento.
En 1960 se le agrega un tom mas y el doble pedal de bombo fue inventado.
En la actualidad existen diversos tipos de platillos, diferentes medidas de bombo, toms, etc.
Despues de esta breve introduccion de historia,debo confesar que mis favoritos son los bateristas de jazz y rock progresivo(cosas de la edad).
Dave Weckl, Vinnie Colaiuta, Steve Gadd
King Crimson con Bill Bruford - Waiting Man
Version de Squonk de Genesis
Version de Something Got Me Started de Simply Red
jueves, 20 de marzo de 2008
domingo, 9 de marzo de 2008
Delikatessen 8 , David Bowie - "Hearts Filthy Lesson"
"Hearts Filthy Lesson" es una canción de David Bowie, del album “Outside” de 1995. La falta de un apóstrofe en el título es deliberada.
Bowie utiliza un sonido industrial y un bajo machacante que marca el carácter tragico del tema.
La canción también tiene el propósito de enfrentarnos con la propia percepción que se tiene de la creación y la degradación del arte: a raíz de este tema, el video muestra a un montaje de estilo art-mutilaciones sangrientas y objetos de arte .
Curiosamente, el vídeo parece acentuar un cierto tópico sobre el Sida
La letra de la canción puede interpretarse que la "sucia lección " "en la sangre" "recae sobre oídos sordos", tomando nota de la progresión de la enfermedad a través del tiempo ( "Estoy ya cinco años mayor / Estoy Ya en mi tumba ") en la debilidad (" ¿Van a llevarme ? "), Y lamentando que" he perdido mi camino "en un" abismo de muerte, "la pérdida de la vida (" si sólo hay algún tipo de futuro "), E instando a los oyentes a" contarles a los demás ", en espera de aumento de la sensibilización.
El vídeo muestra imágenes: un hombre empujando agujas hipodérmicas a través de la piel de la frente, en referencia a los usuarios de drogas que comparten agujas; una mujer derramar la leche , pintura, (o algún otro líquido blanco) en sus labios y cara, simulando un facial
En vivo 1995
Se convirtió en tema de culto al aparecer en los titulos de cierre de la película Seven de David Fincher
Bowie utiliza un sonido industrial y un bajo machacante que marca el carácter tragico del tema.
La canción también tiene el propósito de enfrentarnos con la propia percepción que se tiene de la creación y la degradación del arte: a raíz de este tema, el video muestra a un montaje de estilo art-mutilaciones sangrientas y objetos de arte .
Curiosamente, el vídeo parece acentuar un cierto tópico sobre el Sida
La letra de la canción puede interpretarse que la "sucia lección " "en la sangre" "recae sobre oídos sordos", tomando nota de la progresión de la enfermedad a través del tiempo ( "Estoy ya cinco años mayor / Estoy Ya en mi tumba ") en la debilidad (" ¿Van a llevarme ? "), Y lamentando que" he perdido mi camino "en un" abismo de muerte, "la pérdida de la vida (" si sólo hay algún tipo de futuro "), E instando a los oyentes a" contarles a los demás ", en espera de aumento de la sensibilización.
El vídeo muestra imágenes: un hombre empujando agujas hipodérmicas a través de la piel de la frente, en referencia a los usuarios de drogas que comparten agujas; una mujer derramar la leche , pintura, (o algún otro líquido blanco) en sus labios y cara, simulando un facial
En vivo 1995
Se convirtió en tema de culto al aparecer en los titulos de cierre de la película Seven de David Fincher
Delikatessen 7,Genesis - Firth Of Fifth
Firth Of Fifth (en castellano "Quinto Fiordo") es una canción épica grabada en 1973 del grupo inglés Genesis, en el album Selling England By The Pound. .
Su título es un juego de palabras acerca del estuario en el río Forth en Escocia, comunmente llamado Firth Of Forth (en castellano el "Fiordo de Forth").
Genesis 1977
Aunque "Firth of Fifth" se le acredita a toda la banda, Tony Banks afirmaría posteriormente que la mayor parte de la música fue desarrollada a partir de sus propias ideas (la flauta y el solo de guitarra son interpretaciones de una melodía que Banks escribió en el piano).
Las primeras líneas de la canción dicen "El sendero está despejado, aunque ningún ojo pueda ver", lo que parece encarnar el contenido de la totalidad de las letras de la canción.
Se convirtió en favorita, principalmente por el solo de guitarra de Steve Hackett en la sección instrumental, posiblemente uno de los mejores que haya realizado utilizando el pedal de volumen. Este solo, acompañado por una batería potente, un bajo enérgico y el melotrón, le dieron a la canción su alma y constituyeron el climax emocional en muchos conciertos de Genesis.
Ese solo.....
Hackett también ha interpretado la misma sección en medleys a lo largo de su carrera como solista y grabo una versión en su álbum "Genesis Revisited", desplazando el climax musical al insertarle un interludio de guitarra clásica y un puente orquestal.
Peter Gabriel solía contar, en el escenario, una historia antes de la interpretación de la canción.
La historia hablaba de un grupo de viajeros quienes se están muriendo de sed y se encuentran con un grupo de cadáveres. Debido a que el cuerpo humano está compuesto del 75% de agua, comienzan a saltar sobre los cadáveres para tratar de extraerles el agua por la boca. Sin embargo, pronto se dan cuenta que gastaban más energía al intentar extraer el agua de los cuerpos de la que podrían recibir.
Un escoces que se encontraba en el grupo es el que se da cuenta de esto al dejar de saltar sobre el quinto cuerpo, y debido a que era escocés, llamaba "Fiordo" a la boca.
Entonces se trataba de "el Fiordo del Quinto cuerpo", aunque esta historia no parece tener relación con las letras de la canción.
Un hecho que puede resultar desconcertante es que la letra hace referencia a personajes mitológicos del agua, tales como Neptuno u Ondina.
Los integrantes del grupo que estudiaron en el colegio Charterhouse, tuvieron la mejor educación que se pueda tener en Inglaterra acerca de historia y mitología, y esto lo utilizaron ampliamente en sus canciones. A diferencia de otros grupos de rock progresivo de la época (como Yes o King Crimson) que basaban sus letras principalmente en el misticismo, Genesis las basaba en historia o mitología, creando las letras más complejas jamás escritas para una canción.
Esto, junto con las referencias mitológicas que posee hacen que se trate de una canción muy intrigante.
La última línea al final de las letras dicen "el río de constante cambio". Este es uno de los muchos acertijos mitológicos de Genesis, este en particular parece encajar muy bien en el álbum "Selling England By The pound".
Se refiere a Heráclito, quien pensaba que no puedes pararte en el mismo río dos veces. Su esposa dijo que por supuesto que puedes, suponiendo que corras a la misma velocidad de la corriente. Él intentó esto y se ahogó.
Su título es un juego de palabras acerca del estuario en el río Forth en Escocia, comunmente llamado Firth Of Forth (en castellano el "Fiordo de Forth").
Genesis 1977
Aunque "Firth of Fifth" se le acredita a toda la banda, Tony Banks afirmaría posteriormente que la mayor parte de la música fue desarrollada a partir de sus propias ideas (la flauta y el solo de guitarra son interpretaciones de una melodía que Banks escribió en el piano).
Las primeras líneas de la canción dicen "El sendero está despejado, aunque ningún ojo pueda ver", lo que parece encarnar el contenido de la totalidad de las letras de la canción.
Se convirtió en favorita, principalmente por el solo de guitarra de Steve Hackett en la sección instrumental, posiblemente uno de los mejores que haya realizado utilizando el pedal de volumen. Este solo, acompañado por una batería potente, un bajo enérgico y el melotrón, le dieron a la canción su alma y constituyeron el climax emocional en muchos conciertos de Genesis.
Ese solo.....
Hackett también ha interpretado la misma sección en medleys a lo largo de su carrera como solista y grabo una versión en su álbum "Genesis Revisited", desplazando el climax musical al insertarle un interludio de guitarra clásica y un puente orquestal.
Peter Gabriel solía contar, en el escenario, una historia antes de la interpretación de la canción.
La historia hablaba de un grupo de viajeros quienes se están muriendo de sed y se encuentran con un grupo de cadáveres. Debido a que el cuerpo humano está compuesto del 75% de agua, comienzan a saltar sobre los cadáveres para tratar de extraerles el agua por la boca. Sin embargo, pronto se dan cuenta que gastaban más energía al intentar extraer el agua de los cuerpos de la que podrían recibir.
Un escoces que se encontraba en el grupo es el que se da cuenta de esto al dejar de saltar sobre el quinto cuerpo, y debido a que era escocés, llamaba "Fiordo" a la boca.
Entonces se trataba de "el Fiordo del Quinto cuerpo", aunque esta historia no parece tener relación con las letras de la canción.
Un hecho que puede resultar desconcertante es que la letra hace referencia a personajes mitológicos del agua, tales como Neptuno u Ondina.
Los integrantes del grupo que estudiaron en el colegio Charterhouse, tuvieron la mejor educación que se pueda tener en Inglaterra acerca de historia y mitología, y esto lo utilizaron ampliamente en sus canciones. A diferencia de otros grupos de rock progresivo de la época (como Yes o King Crimson) que basaban sus letras principalmente en el misticismo, Genesis las basaba en historia o mitología, creando las letras más complejas jamás escritas para una canción.
Esto, junto con las referencias mitológicas que posee hacen que se trate de una canción muy intrigante.
La última línea al final de las letras dicen "el río de constante cambio". Este es uno de los muchos acertijos mitológicos de Genesis, este en particular parece encajar muy bien en el álbum "Selling England By The pound".
Se refiere a Heráclito, quien pensaba que no puedes pararte en el mismo río dos veces. Su esposa dijo que por supuesto que puedes, suponiendo que corras a la misma velocidad de la corriente. Él intentó esto y se ahogó.
lunes, 7 de enero de 2008
J.L.Borges,Anécdotas
Durante la dictadura militar alguien le comenta a Borges que el general Galtieri, presidente de la República en ese momento, ha confesado que una de sus mayores ambiciones es seguir el camino de Perón y parecerse a él. "¡Caramba! -interrumpe Borges- es imposible imaginarse una aspiración más modesta".
Borges firma ejemplares en una librería del Centro. Un joven se acerca con Ficciones y le dice: "Maestro, usted es inmortal".
Borges le contesta: "Vamos, hombre. No hay por qué ser tan pesimista".
Roma, 1981. Conferencia de prensa en un hotel de la Via Veneto.
Además de periodistas, están presentes Bernardo Bertolucci y
Franco María Ricci. Borges, inspirado, destila ingenio. Llega la última pregunta. "¿A qué atribuye que todavía no le hayan otorgado el Premio Nobel de Literatura?"
- "A la sabiduría sueca".
En una entrevista, en Roma, un periodista trataba de poner en aprietos a Jorge Luis Borges. Como no lo lograba, finalmente probó con algo que le pareció más provocativo: "¿En su país todavía hay caníbales?"
- "Ya no - contestó aquél -, nos los comimos a todos."
En plena Guerra de las Malvinas, opinó que "la Argentina e Inglaterra parecen dos pelados peleándose por un peine" y que "las islas habría que regalárselas a Bolivia para que tenga salida al mar".
Sobre la situación de la literatura argentina, Córdoba Iturburu, que la presidía, inquirió a los gritos: "¿Y qué vamos a hacer por nuestros jóvenes poetas?" Desde el fondo llegó otro grito, éste de Borges: "¡Disuadirlos!"
En la pausa de un acto cultural, el novelista Oscar Hermes
Villordo acompañó a Borges al baño, situado en un primer piso al que se llegaba por una empinada escalera de madera. Cuando volvían, Villordo notó que Borges descendía los escalones demasiado rápido y, temiendo lo peor, le preguntó:"¿No deberíamos ir más despacio?" "Pero no soy yo - aclaró Borges -, es Newton."
Borges charla con Antonio Carrizo, en un bar. Por la radio del local se anuncia un tango con letra de León Benarós, amigo de Borges. El locutor propone escucharlo y el escritor acepta.
Cuando el tango termina, Carrizo le pregunta qué le pareció. Borges
mueve la cabeza y dictamina, muy preocupado: "Esto le pasa a Benarós por juntarse con peronistas".
El poeta Eduardo González Lanuza, uno de los introductores del ultraísmo en la Argentina y gran amigo de Borges, descubre a éste en Florida y Corrientes, solo, con su bastón, esperando para poder cruzar. Lo toca y le dice: "Borges, soy González Lanuza".
El vuelve la cabeza y, después de unos segundos, contesta: "Es probable".
En Maipú y Tucumán, un grupo de adictos a Isabel Perón descubre a Borges y lo sigue unos metros, insultándolo. Al ingresar en su casa, un periodista le pregunta cómo se siente. "Medio desorientado - manifiesta -. Se me acercó una mujer vociferando:
¡Inculto! ¡Ignorante! "
Un joven poeta se acerca a Borges en la calle. Deja en manos
del escritor su primer libro.Borges agradece y le pregunta cuál es el título. "Con la patria adentro", responde el joven. -"Pero qué incomodidad, amigo, qué incomodidad".
El escritor argentino Héctor Bianciotti recuerda una de las
tantas salidas elegantes de Borges, cuando le incomodaban los halagos de la gente: Ocurre en París, en un estudio de televisión.
-"¿Usted se da cuenta de que es uno de los grandes escritores del siglo?", lo interrogan.
-"Es que este", evalúa Borges, "ha sido un siglo muy mediocre".
Una mañana de octubre de 1967, Borges está al frente de su
clase de literatura inglesa. Un estudiante entra y lo interrumpe para anunciar la muerte del Che Guevara y la inmediata suspensión de las clases para rendirle un homenaje . Borges contesta que el
homenaje seguramente puede esperar. Clima tenso. El estudiante insiste: "Tiene que ser ahora y usted se va". Borges no se resigna ygrita: "No me voy nada. Y si usted es tan guapo, venga a sacarme del escritorio". El estudiante amenaza con cortar la luz. "He tomado la precaución", retruca Borges, "de ser ciego esperando este momento".
A principios de la década de los setenta, el escritor y
psicoanalista Germán García invita a la Argentina a Daniel Sibony,matemático y psicoanalista francés. Sibony quiere conocer a Borges.
Al encontrarse, el francés le pregunta en qué idioma desea hablar.
"Hablemos en francés", propone Borges, y justifica: "Dicen que la lengua francesa es tan perfecta que no necesita escritores.
A la inversa, dicen que el castellano es una lengua que se desespera de su propia debilidad y necesita producir cada tanto un Góngora, un Quevedo, un Cervantes".
Una revista de actualidad reúne a Borges con el director técnico César Luis Menotti. "Qué raro, ¿no? Un hombre inteligente y se empeña en hablar de fútbol todo el tiempo", comenta Borges más tarde.
En 1983, un periodista de La Nación pide a Borges su opinión
sobre la Guerra de Malvinas. "Absurda", define Borges. "Estoy triste, muy triste. Mandaron a esos pobres muchachos de veinte años a morir al sur. Tener veinte años y pelear contra soldados veteranos es algo atroz, inconcebible. Solamente en el crucero General Belgrano murieron cientos. Claro que los militares dirán que al lado de los desaparecidos esa cifra no es nada, pero no creo que
les convenga ese argumento. No, no les va a convenir..."
El 10 de marzo de 1978, en la Feria del Libro, Borges se cruza con un escritor al que quiere y respeta: Manuel Mujica Lainez.
Se abrazan e inician una conversación que es interrumpida una y otra vez por los cazadores compulsivos de firmas. "A veces", se queja Borges, "pienso que cuando me muera mis libros más cotizados serán aquellos que no lleven mi autógrafo."
En 1975, a los 99 años, muere Leonor Acevedo de Borges, madre del escritor. En el velorio, una mujer da el pésame a Borges y comenta: "Peeero... pobre Leonorcita, morirse tan poquito antes de cumplir los 100 años. Si hubiera esperado un poquito más...".
Borges le dice: "Veo, señora, que es usted devota del sistema decimal".
Borges y un escritor joven debatiendo sobre literatura y otros temas. El escritor joven le dice: "Y bueno, en política no vamos a estar de acuerdo, maestro, porque yo soy peronista". Borges contestò: "Còmo que no? Yo tambièn soy ciego".
Borges firma ejemplares en una librería del Centro. Un joven se acerca con Ficciones y le dice: "Maestro, usted es inmortal".
Borges le contesta: "Vamos, hombre. No hay por qué ser tan pesimista".
Roma, 1981. Conferencia de prensa en un hotel de la Via Veneto.
Además de periodistas, están presentes Bernardo Bertolucci y
Franco María Ricci. Borges, inspirado, destila ingenio. Llega la última pregunta. "¿A qué atribuye que todavía no le hayan otorgado el Premio Nobel de Literatura?"
- "A la sabiduría sueca".
En una entrevista, en Roma, un periodista trataba de poner en aprietos a Jorge Luis Borges. Como no lo lograba, finalmente probó con algo que le pareció más provocativo: "¿En su país todavía hay caníbales?"
- "Ya no - contestó aquél -, nos los comimos a todos."
En plena Guerra de las Malvinas, opinó que "la Argentina e Inglaterra parecen dos pelados peleándose por un peine" y que "las islas habría que regalárselas a Bolivia para que tenga salida al mar".
Sobre la situación de la literatura argentina, Córdoba Iturburu, que la presidía, inquirió a los gritos: "¿Y qué vamos a hacer por nuestros jóvenes poetas?" Desde el fondo llegó otro grito, éste de Borges: "¡Disuadirlos!"
En la pausa de un acto cultural, el novelista Oscar Hermes
Villordo acompañó a Borges al baño, situado en un primer piso al que se llegaba por una empinada escalera de madera. Cuando volvían, Villordo notó que Borges descendía los escalones demasiado rápido y, temiendo lo peor, le preguntó:"¿No deberíamos ir más despacio?" "Pero no soy yo - aclaró Borges -, es Newton."
Borges charla con Antonio Carrizo, en un bar. Por la radio del local se anuncia un tango con letra de León Benarós, amigo de Borges. El locutor propone escucharlo y el escritor acepta.
Cuando el tango termina, Carrizo le pregunta qué le pareció. Borges
mueve la cabeza y dictamina, muy preocupado: "Esto le pasa a Benarós por juntarse con peronistas".
El poeta Eduardo González Lanuza, uno de los introductores del ultraísmo en la Argentina y gran amigo de Borges, descubre a éste en Florida y Corrientes, solo, con su bastón, esperando para poder cruzar. Lo toca y le dice: "Borges, soy González Lanuza".
El vuelve la cabeza y, después de unos segundos, contesta: "Es probable".
En Maipú y Tucumán, un grupo de adictos a Isabel Perón descubre a Borges y lo sigue unos metros, insultándolo. Al ingresar en su casa, un periodista le pregunta cómo se siente. "Medio desorientado - manifiesta -. Se me acercó una mujer vociferando:
¡Inculto! ¡Ignorante! "
Un joven poeta se acerca a Borges en la calle. Deja en manos
del escritor su primer libro.Borges agradece y le pregunta cuál es el título. "Con la patria adentro", responde el joven. -"Pero qué incomodidad, amigo, qué incomodidad".
El escritor argentino Héctor Bianciotti recuerda una de las
tantas salidas elegantes de Borges, cuando le incomodaban los halagos de la gente: Ocurre en París, en un estudio de televisión.
-"¿Usted se da cuenta de que es uno de los grandes escritores del siglo?", lo interrogan.
-"Es que este", evalúa Borges, "ha sido un siglo muy mediocre".
Una mañana de octubre de 1967, Borges está al frente de su
clase de literatura inglesa. Un estudiante entra y lo interrumpe para anunciar la muerte del Che Guevara y la inmediata suspensión de las clases para rendirle un homenaje . Borges contesta que el
homenaje seguramente puede esperar. Clima tenso. El estudiante insiste: "Tiene que ser ahora y usted se va". Borges no se resigna ygrita: "No me voy nada. Y si usted es tan guapo, venga a sacarme del escritorio". El estudiante amenaza con cortar la luz. "He tomado la precaución", retruca Borges, "de ser ciego esperando este momento".
A principios de la década de los setenta, el escritor y
psicoanalista Germán García invita a la Argentina a Daniel Sibony,matemático y psicoanalista francés. Sibony quiere conocer a Borges.
Al encontrarse, el francés le pregunta en qué idioma desea hablar.
"Hablemos en francés", propone Borges, y justifica: "Dicen que la lengua francesa es tan perfecta que no necesita escritores.
A la inversa, dicen que el castellano es una lengua que se desespera de su propia debilidad y necesita producir cada tanto un Góngora, un Quevedo, un Cervantes".
Una revista de actualidad reúne a Borges con el director técnico César Luis Menotti. "Qué raro, ¿no? Un hombre inteligente y se empeña en hablar de fútbol todo el tiempo", comenta Borges más tarde.
En 1983, un periodista de La Nación pide a Borges su opinión
sobre la Guerra de Malvinas. "Absurda", define Borges. "Estoy triste, muy triste. Mandaron a esos pobres muchachos de veinte años a morir al sur. Tener veinte años y pelear contra soldados veteranos es algo atroz, inconcebible. Solamente en el crucero General Belgrano murieron cientos. Claro que los militares dirán que al lado de los desaparecidos esa cifra no es nada, pero no creo que
les convenga ese argumento. No, no les va a convenir..."
El 10 de marzo de 1978, en la Feria del Libro, Borges se cruza con un escritor al que quiere y respeta: Manuel Mujica Lainez.
Se abrazan e inician una conversación que es interrumpida una y otra vez por los cazadores compulsivos de firmas. "A veces", se queja Borges, "pienso que cuando me muera mis libros más cotizados serán aquellos que no lleven mi autógrafo."
En 1975, a los 99 años, muere Leonor Acevedo de Borges, madre del escritor. En el velorio, una mujer da el pésame a Borges y comenta: "Peeero... pobre Leonorcita, morirse tan poquito antes de cumplir los 100 años. Si hubiera esperado un poquito más...".
Borges le dice: "Veo, señora, que es usted devota del sistema decimal".
Borges y un escritor joven debatiendo sobre literatura y otros temas. El escritor joven le dice: "Y bueno, en política no vamos a estar de acuerdo, maestro, porque yo soy peronista". Borges contestò: "Còmo que no? Yo tambièn soy ciego".
viernes, 21 de diciembre de 2007
domingo, 9 de diciembre de 2007
Theremin
Lev Sergeievitch Termen el inventor del Theremin , nació en Leningrado (actual San Petersburgo) en 1896.
La mayor parte de los theremines consisten en un gabinete del cual salen dos antenas, una hacia arriba y una hacia la izquierda (desde el punto de vista del ejecutante).
La música se produce cuando el intérprete mueve las manos en las proximidades de las antenas, pero sin tocarlas. Una de las antenas controla el tono del sonido, mientras que la otra maneja el volumen.
El funcionamiento del theremin es tan simple que parece una broma.
Termen lo describe de la siguiente manera: "Se obtienen fácilmente sonidos de tono variable utilizando una corriente alterna de frecuencia también variable.
Se coloca una pequeña varilla vertical a modo de antena, lo que genera ondas electromagnéticas de muy débil intensidad alrededor de la misma. Estas ondas tienen una longitud y una frecuencia definidas: la aproximación de una mano, que es un conductor eléctrico, altera la configuración del campo electromagnético que rodea a la antena, cambia su capacitancia y, por lo tanto, afecta la frecuencia de la corriente alterna generada en el instrumento.
De esta manera, se produce una suerte de ´toque invisible´ en el espacio que circunda la antena, y, de la misma manera en que en un cello la presión de un dedo sobre la cuerda produce un sonido tanto más agudo cuanto más se acerca el dedo al puente, en el theremin el tono se incrementa cuanto más se acerca la mano a la antena.
Del mismo modo, la intensidad del tono cambia al aproximar una mano a la otra antena, de forma circular, alrededor de la cual se forman ondas electromagnéticas siguiendo el mismo principio. La aproximación de una mano produce un cambio en la intensidad de la corriente alterna que produce el tono.
Así, levantando la mano por encima de la antena horizontal en forma de anillo la nota crece en volumen, mientras que bajando la mano por debajo de ella se hace más débil, hasta morir en el medio del más suave pianissimo".
El theremin fue mostrado al público en general en la Feria Industrial de Moscú de 1920 y, poco más tarde, se fabricaron 600 instrumentos por orden de Lenin, que, para esa época, ya estaba tomando clases de theremin con el propio Termen.
El theremin es el primer instrumento musical electrónico del mundo, décadas antes de que a Moog se lo ocurriera fabricar un sintetizador.
Bandas que usan y han usado theremines en sus discos: Gary Numan, Radiohead, Alice Cooper, Rolling Stones, Beach Boys, Kitaro , Blur, Marillion (en "Cannibal surf babe"), Elvis Costello, King, Talking Heads, el mismísimo Led Zeppelin (en su tema "Whole lotta love"), Marilyn Manson, Nine Inch Nails, Pink Floyd (en su disco "Meddle"), Jean-Michel Jarre y Babasónicos.
Jean Michel Jarre - Oxygene 10 en Moscú
La mayor parte de los theremines consisten en un gabinete del cual salen dos antenas, una hacia arriba y una hacia la izquierda (desde el punto de vista del ejecutante).
La música se produce cuando el intérprete mueve las manos en las proximidades de las antenas, pero sin tocarlas. Una de las antenas controla el tono del sonido, mientras que la otra maneja el volumen.
El funcionamiento del theremin es tan simple que parece una broma.
Termen lo describe de la siguiente manera: "Se obtienen fácilmente sonidos de tono variable utilizando una corriente alterna de frecuencia también variable.
Se coloca una pequeña varilla vertical a modo de antena, lo que genera ondas electromagnéticas de muy débil intensidad alrededor de la misma. Estas ondas tienen una longitud y una frecuencia definidas: la aproximación de una mano, que es un conductor eléctrico, altera la configuración del campo electromagnético que rodea a la antena, cambia su capacitancia y, por lo tanto, afecta la frecuencia de la corriente alterna generada en el instrumento.
De esta manera, se produce una suerte de ´toque invisible´ en el espacio que circunda la antena, y, de la misma manera en que en un cello la presión de un dedo sobre la cuerda produce un sonido tanto más agudo cuanto más se acerca el dedo al puente, en el theremin el tono se incrementa cuanto más se acerca la mano a la antena.
Del mismo modo, la intensidad del tono cambia al aproximar una mano a la otra antena, de forma circular, alrededor de la cual se forman ondas electromagnéticas siguiendo el mismo principio. La aproximación de una mano produce un cambio en la intensidad de la corriente alterna que produce el tono.
Así, levantando la mano por encima de la antena horizontal en forma de anillo la nota crece en volumen, mientras que bajando la mano por debajo de ella se hace más débil, hasta morir en el medio del más suave pianissimo".
El theremin fue mostrado al público en general en la Feria Industrial de Moscú de 1920 y, poco más tarde, se fabricaron 600 instrumentos por orden de Lenin, que, para esa época, ya estaba tomando clases de theremin con el propio Termen.
El theremin es el primer instrumento musical electrónico del mundo, décadas antes de que a Moog se lo ocurriera fabricar un sintetizador.
Bandas que usan y han usado theremines en sus discos: Gary Numan, Radiohead, Alice Cooper, Rolling Stones, Beach Boys, Kitaro , Blur, Marillion (en "Cannibal surf babe"), Elvis Costello, King, Talking Heads, el mismísimo Led Zeppelin (en su tema "Whole lotta love"), Marilyn Manson, Nine Inch Nails, Pink Floyd (en su disco "Meddle"), Jean-Michel Jarre y Babasónicos.
Jean Michel Jarre - Oxygene 10 en Moscú
ReacTable
Las nuevas tecnologías nos traen nuevos instrumentos para crear música.
Es este el caso de Reactable, un nuevo instrumento musical electrónico, diseñado por un grupo de investigadores de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona.
Básicamente Reactable es una mesa que funciona como una pantalla touchscreen multipunto, en la cual interactúan varias fichas (movidas por uno o varios operadores locales o remotos, de ahí lo “colaborativo”) las cuales simulan los distintos módulos de un sintetizador.
Sobre la mesa se proyectan la estructura y características básicas del sonido, de un modo intuitivo, lo que permite que este instrumento sea facilmente aprendible, incluso por niños.
El software sobre el cúal trabaja Reactable, es open source.
Una de las primeras artistas que han tenido acceso a la Reactable, ha sido la islandesa Björk, la cual ha incluido este nuevo aparato dentro de sus presentaciones del disco Volta.
ReacTable
Demostración
Bjork
Hyperballad,Glastonbury,2007
Es este el caso de Reactable, un nuevo instrumento musical electrónico, diseñado por un grupo de investigadores de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona.
Básicamente Reactable es una mesa que funciona como una pantalla touchscreen multipunto, en la cual interactúan varias fichas (movidas por uno o varios operadores locales o remotos, de ahí lo “colaborativo”) las cuales simulan los distintos módulos de un sintetizador.
Sobre la mesa se proyectan la estructura y características básicas del sonido, de un modo intuitivo, lo que permite que este instrumento sea facilmente aprendible, incluso por niños.
El software sobre el cúal trabaja Reactable, es open source.
Una de las primeras artistas que han tenido acceso a la Reactable, ha sido la islandesa Björk, la cual ha incluido este nuevo aparato dentro de sus presentaciones del disco Volta.
ReacTable
Demostración
Bjork
Hyperballad,Glastonbury,2007
Suscribirse a:
Entradas (Atom)