Felices Pascuas
jueves, 20 de marzo de 2008
domingo, 9 de marzo de 2008
Delikatessen 8 , David Bowie - "Hearts Filthy Lesson"
"Hearts Filthy Lesson" es una canción de David Bowie, del album “Outside” de 1995. La falta de un apóstrofe en el título es deliberada.
Bowie utiliza un sonido industrial y un bajo machacante que marca el carácter tragico del tema.
La canción también tiene el propósito de enfrentarnos con la propia percepción que se tiene de la creación y la degradación del arte: a raíz de este tema, el video muestra a un montaje de estilo art-mutilaciones sangrientas y objetos de arte .
Curiosamente, el vídeo parece acentuar un cierto tópico sobre el Sida
La letra de la canción puede interpretarse que la "sucia lección " "en la sangre" "recae sobre oídos sordos", tomando nota de la progresión de la enfermedad a través del tiempo ( "Estoy ya cinco años mayor / Estoy Ya en mi tumba ") en la debilidad (" ¿Van a llevarme ? "), Y lamentando que" he perdido mi camino "en un" abismo de muerte, "la pérdida de la vida (" si sólo hay algún tipo de futuro "), E instando a los oyentes a" contarles a los demás ", en espera de aumento de la sensibilización.
El vídeo muestra imágenes: un hombre empujando agujas hipodérmicas a través de la piel de la frente, en referencia a los usuarios de drogas que comparten agujas; una mujer derramar la leche , pintura, (o algún otro líquido blanco) en sus labios y cara, simulando un facial
En vivo 1995
Se convirtió en tema de culto al aparecer en los titulos de cierre de la película Seven de David Fincher
Bowie utiliza un sonido industrial y un bajo machacante que marca el carácter tragico del tema.
La canción también tiene el propósito de enfrentarnos con la propia percepción que se tiene de la creación y la degradación del arte: a raíz de este tema, el video muestra a un montaje de estilo art-mutilaciones sangrientas y objetos de arte .
Curiosamente, el vídeo parece acentuar un cierto tópico sobre el Sida
La letra de la canción puede interpretarse que la "sucia lección " "en la sangre" "recae sobre oídos sordos", tomando nota de la progresión de la enfermedad a través del tiempo ( "Estoy ya cinco años mayor / Estoy Ya en mi tumba ") en la debilidad (" ¿Van a llevarme ? "), Y lamentando que" he perdido mi camino "en un" abismo de muerte, "la pérdida de la vida (" si sólo hay algún tipo de futuro "), E instando a los oyentes a" contarles a los demás ", en espera de aumento de la sensibilización.
El vídeo muestra imágenes: un hombre empujando agujas hipodérmicas a través de la piel de la frente, en referencia a los usuarios de drogas que comparten agujas; una mujer derramar la leche , pintura, (o algún otro líquido blanco) en sus labios y cara, simulando un facial
En vivo 1995
Se convirtió en tema de culto al aparecer en los titulos de cierre de la película Seven de David Fincher
Delikatessen 7,Genesis - Firth Of Fifth
Firth Of Fifth (en castellano "Quinto Fiordo") es una canción épica grabada en 1973 del grupo inglés Genesis, en el album Selling England By The Pound. .
Su título es un juego de palabras acerca del estuario en el río Forth en Escocia, comunmente llamado Firth Of Forth (en castellano el "Fiordo de Forth").
Genesis 1977
Aunque "Firth of Fifth" se le acredita a toda la banda, Tony Banks afirmaría posteriormente que la mayor parte de la música fue desarrollada a partir de sus propias ideas (la flauta y el solo de guitarra son interpretaciones de una melodía que Banks escribió en el piano).
Las primeras líneas de la canción dicen "El sendero está despejado, aunque ningún ojo pueda ver", lo que parece encarnar el contenido de la totalidad de las letras de la canción.
Se convirtió en favorita, principalmente por el solo de guitarra de Steve Hackett en la sección instrumental, posiblemente uno de los mejores que haya realizado utilizando el pedal de volumen. Este solo, acompañado por una batería potente, un bajo enérgico y el melotrón, le dieron a la canción su alma y constituyeron el climax emocional en muchos conciertos de Genesis.
Ese solo.....
Hackett también ha interpretado la misma sección en medleys a lo largo de su carrera como solista y grabo una versión en su álbum "Genesis Revisited", desplazando el climax musical al insertarle un interludio de guitarra clásica y un puente orquestal.
Peter Gabriel solía contar, en el escenario, una historia antes de la interpretación de la canción.
La historia hablaba de un grupo de viajeros quienes se están muriendo de sed y se encuentran con un grupo de cadáveres. Debido a que el cuerpo humano está compuesto del 75% de agua, comienzan a saltar sobre los cadáveres para tratar de extraerles el agua por la boca. Sin embargo, pronto se dan cuenta que gastaban más energía al intentar extraer el agua de los cuerpos de la que podrían recibir.
Un escoces que se encontraba en el grupo es el que se da cuenta de esto al dejar de saltar sobre el quinto cuerpo, y debido a que era escocés, llamaba "Fiordo" a la boca.
Entonces se trataba de "el Fiordo del Quinto cuerpo", aunque esta historia no parece tener relación con las letras de la canción.
Un hecho que puede resultar desconcertante es que la letra hace referencia a personajes mitológicos del agua, tales como Neptuno u Ondina.
Los integrantes del grupo que estudiaron en el colegio Charterhouse, tuvieron la mejor educación que se pueda tener en Inglaterra acerca de historia y mitología, y esto lo utilizaron ampliamente en sus canciones. A diferencia de otros grupos de rock progresivo de la época (como Yes o King Crimson) que basaban sus letras principalmente en el misticismo, Genesis las basaba en historia o mitología, creando las letras más complejas jamás escritas para una canción.
Esto, junto con las referencias mitológicas que posee hacen que se trate de una canción muy intrigante.
La última línea al final de las letras dicen "el río de constante cambio". Este es uno de los muchos acertijos mitológicos de Genesis, este en particular parece encajar muy bien en el álbum "Selling England By The pound".
Se refiere a Heráclito, quien pensaba que no puedes pararte en el mismo río dos veces. Su esposa dijo que por supuesto que puedes, suponiendo que corras a la misma velocidad de la corriente. Él intentó esto y se ahogó.
Su título es un juego de palabras acerca del estuario en el río Forth en Escocia, comunmente llamado Firth Of Forth (en castellano el "Fiordo de Forth").
Genesis 1977
Aunque "Firth of Fifth" se le acredita a toda la banda, Tony Banks afirmaría posteriormente que la mayor parte de la música fue desarrollada a partir de sus propias ideas (la flauta y el solo de guitarra son interpretaciones de una melodía que Banks escribió en el piano).
Las primeras líneas de la canción dicen "El sendero está despejado, aunque ningún ojo pueda ver", lo que parece encarnar el contenido de la totalidad de las letras de la canción.
Se convirtió en favorita, principalmente por el solo de guitarra de Steve Hackett en la sección instrumental, posiblemente uno de los mejores que haya realizado utilizando el pedal de volumen. Este solo, acompañado por una batería potente, un bajo enérgico y el melotrón, le dieron a la canción su alma y constituyeron el climax emocional en muchos conciertos de Genesis.
Ese solo.....
Hackett también ha interpretado la misma sección en medleys a lo largo de su carrera como solista y grabo una versión en su álbum "Genesis Revisited", desplazando el climax musical al insertarle un interludio de guitarra clásica y un puente orquestal.
Peter Gabriel solía contar, en el escenario, una historia antes de la interpretación de la canción.
La historia hablaba de un grupo de viajeros quienes se están muriendo de sed y se encuentran con un grupo de cadáveres. Debido a que el cuerpo humano está compuesto del 75% de agua, comienzan a saltar sobre los cadáveres para tratar de extraerles el agua por la boca. Sin embargo, pronto se dan cuenta que gastaban más energía al intentar extraer el agua de los cuerpos de la que podrían recibir.
Un escoces que se encontraba en el grupo es el que se da cuenta de esto al dejar de saltar sobre el quinto cuerpo, y debido a que era escocés, llamaba "Fiordo" a la boca.
Entonces se trataba de "el Fiordo del Quinto cuerpo", aunque esta historia no parece tener relación con las letras de la canción.
Un hecho que puede resultar desconcertante es que la letra hace referencia a personajes mitológicos del agua, tales como Neptuno u Ondina.
Los integrantes del grupo que estudiaron en el colegio Charterhouse, tuvieron la mejor educación que se pueda tener en Inglaterra acerca de historia y mitología, y esto lo utilizaron ampliamente en sus canciones. A diferencia de otros grupos de rock progresivo de la época (como Yes o King Crimson) que basaban sus letras principalmente en el misticismo, Genesis las basaba en historia o mitología, creando las letras más complejas jamás escritas para una canción.
Esto, junto con las referencias mitológicas que posee hacen que se trate de una canción muy intrigante.
La última línea al final de las letras dicen "el río de constante cambio". Este es uno de los muchos acertijos mitológicos de Genesis, este en particular parece encajar muy bien en el álbum "Selling England By The pound".
Se refiere a Heráclito, quien pensaba que no puedes pararte en el mismo río dos veces. Su esposa dijo que por supuesto que puedes, suponiendo que corras a la misma velocidad de la corriente. Él intentó esto y se ahogó.
lunes, 7 de enero de 2008
J.L.Borges,Anécdotas
Durante la dictadura militar alguien le comenta a Borges que el general Galtieri, presidente de la República en ese momento, ha confesado que una de sus mayores ambiciones es seguir el camino de Perón y parecerse a él. "¡Caramba! -interrumpe Borges- es imposible imaginarse una aspiración más modesta".
Borges firma ejemplares en una librería del Centro. Un joven se acerca con Ficciones y le dice: "Maestro, usted es inmortal".
Borges le contesta: "Vamos, hombre. No hay por qué ser tan pesimista".
Roma, 1981. Conferencia de prensa en un hotel de la Via Veneto.
Además de periodistas, están presentes Bernardo Bertolucci y
Franco María Ricci. Borges, inspirado, destila ingenio. Llega la última pregunta. "¿A qué atribuye que todavía no le hayan otorgado el Premio Nobel de Literatura?"
- "A la sabiduría sueca".
En una entrevista, en Roma, un periodista trataba de poner en aprietos a Jorge Luis Borges. Como no lo lograba, finalmente probó con algo que le pareció más provocativo: "¿En su país todavía hay caníbales?"
- "Ya no - contestó aquél -, nos los comimos a todos."
En plena Guerra de las Malvinas, opinó que "la Argentina e Inglaterra parecen dos pelados peleándose por un peine" y que "las islas habría que regalárselas a Bolivia para que tenga salida al mar".
Sobre la situación de la literatura argentina, Córdoba Iturburu, que la presidía, inquirió a los gritos: "¿Y qué vamos a hacer por nuestros jóvenes poetas?" Desde el fondo llegó otro grito, éste de Borges: "¡Disuadirlos!"
En la pausa de un acto cultural, el novelista Oscar Hermes
Villordo acompañó a Borges al baño, situado en un primer piso al que se llegaba por una empinada escalera de madera. Cuando volvían, Villordo notó que Borges descendía los escalones demasiado rápido y, temiendo lo peor, le preguntó:"¿No deberíamos ir más despacio?" "Pero no soy yo - aclaró Borges -, es Newton."
Borges charla con Antonio Carrizo, en un bar. Por la radio del local se anuncia un tango con letra de León Benarós, amigo de Borges. El locutor propone escucharlo y el escritor acepta.
Cuando el tango termina, Carrizo le pregunta qué le pareció. Borges
mueve la cabeza y dictamina, muy preocupado: "Esto le pasa a Benarós por juntarse con peronistas".
El poeta Eduardo González Lanuza, uno de los introductores del ultraísmo en la Argentina y gran amigo de Borges, descubre a éste en Florida y Corrientes, solo, con su bastón, esperando para poder cruzar. Lo toca y le dice: "Borges, soy González Lanuza".
El vuelve la cabeza y, después de unos segundos, contesta: "Es probable".
En Maipú y Tucumán, un grupo de adictos a Isabel Perón descubre a Borges y lo sigue unos metros, insultándolo. Al ingresar en su casa, un periodista le pregunta cómo se siente. "Medio desorientado - manifiesta -. Se me acercó una mujer vociferando:
¡Inculto! ¡Ignorante! "
Un joven poeta se acerca a Borges en la calle. Deja en manos
del escritor su primer libro.Borges agradece y le pregunta cuál es el título. "Con la patria adentro", responde el joven. -"Pero qué incomodidad, amigo, qué incomodidad".
El escritor argentino Héctor Bianciotti recuerda una de las
tantas salidas elegantes de Borges, cuando le incomodaban los halagos de la gente: Ocurre en París, en un estudio de televisión.
-"¿Usted se da cuenta de que es uno de los grandes escritores del siglo?", lo interrogan.
-"Es que este", evalúa Borges, "ha sido un siglo muy mediocre".
Una mañana de octubre de 1967, Borges está al frente de su
clase de literatura inglesa. Un estudiante entra y lo interrumpe para anunciar la muerte del Che Guevara y la inmediata suspensión de las clases para rendirle un homenaje . Borges contesta que el
homenaje seguramente puede esperar. Clima tenso. El estudiante insiste: "Tiene que ser ahora y usted se va". Borges no se resigna ygrita: "No me voy nada. Y si usted es tan guapo, venga a sacarme del escritorio". El estudiante amenaza con cortar la luz. "He tomado la precaución", retruca Borges, "de ser ciego esperando este momento".
A principios de la década de los setenta, el escritor y
psicoanalista Germán García invita a la Argentina a Daniel Sibony,matemático y psicoanalista francés. Sibony quiere conocer a Borges.
Al encontrarse, el francés le pregunta en qué idioma desea hablar.
"Hablemos en francés", propone Borges, y justifica: "Dicen que la lengua francesa es tan perfecta que no necesita escritores.
A la inversa, dicen que el castellano es una lengua que se desespera de su propia debilidad y necesita producir cada tanto un Góngora, un Quevedo, un Cervantes".
Una revista de actualidad reúne a Borges con el director técnico César Luis Menotti. "Qué raro, ¿no? Un hombre inteligente y se empeña en hablar de fútbol todo el tiempo", comenta Borges más tarde.
En 1983, un periodista de La Nación pide a Borges su opinión
sobre la Guerra de Malvinas. "Absurda", define Borges. "Estoy triste, muy triste. Mandaron a esos pobres muchachos de veinte años a morir al sur. Tener veinte años y pelear contra soldados veteranos es algo atroz, inconcebible. Solamente en el crucero General Belgrano murieron cientos. Claro que los militares dirán que al lado de los desaparecidos esa cifra no es nada, pero no creo que
les convenga ese argumento. No, no les va a convenir..."
El 10 de marzo de 1978, en la Feria del Libro, Borges se cruza con un escritor al que quiere y respeta: Manuel Mujica Lainez.
Se abrazan e inician una conversación que es interrumpida una y otra vez por los cazadores compulsivos de firmas. "A veces", se queja Borges, "pienso que cuando me muera mis libros más cotizados serán aquellos que no lleven mi autógrafo."
En 1975, a los 99 años, muere Leonor Acevedo de Borges, madre del escritor. En el velorio, una mujer da el pésame a Borges y comenta: "Peeero... pobre Leonorcita, morirse tan poquito antes de cumplir los 100 años. Si hubiera esperado un poquito más...".
Borges le dice: "Veo, señora, que es usted devota del sistema decimal".
Borges y un escritor joven debatiendo sobre literatura y otros temas. El escritor joven le dice: "Y bueno, en política no vamos a estar de acuerdo, maestro, porque yo soy peronista". Borges contestò: "Còmo que no? Yo tambièn soy ciego".
Borges firma ejemplares en una librería del Centro. Un joven se acerca con Ficciones y le dice: "Maestro, usted es inmortal".
Borges le contesta: "Vamos, hombre. No hay por qué ser tan pesimista".
Roma, 1981. Conferencia de prensa en un hotel de la Via Veneto.
Además de periodistas, están presentes Bernardo Bertolucci y
Franco María Ricci. Borges, inspirado, destila ingenio. Llega la última pregunta. "¿A qué atribuye que todavía no le hayan otorgado el Premio Nobel de Literatura?"
- "A la sabiduría sueca".
En una entrevista, en Roma, un periodista trataba de poner en aprietos a Jorge Luis Borges. Como no lo lograba, finalmente probó con algo que le pareció más provocativo: "¿En su país todavía hay caníbales?"
- "Ya no - contestó aquél -, nos los comimos a todos."
En plena Guerra de las Malvinas, opinó que "la Argentina e Inglaterra parecen dos pelados peleándose por un peine" y que "las islas habría que regalárselas a Bolivia para que tenga salida al mar".
Sobre la situación de la literatura argentina, Córdoba Iturburu, que la presidía, inquirió a los gritos: "¿Y qué vamos a hacer por nuestros jóvenes poetas?" Desde el fondo llegó otro grito, éste de Borges: "¡Disuadirlos!"
En la pausa de un acto cultural, el novelista Oscar Hermes
Villordo acompañó a Borges al baño, situado en un primer piso al que se llegaba por una empinada escalera de madera. Cuando volvían, Villordo notó que Borges descendía los escalones demasiado rápido y, temiendo lo peor, le preguntó:"¿No deberíamos ir más despacio?" "Pero no soy yo - aclaró Borges -, es Newton."
Borges charla con Antonio Carrizo, en un bar. Por la radio del local se anuncia un tango con letra de León Benarós, amigo de Borges. El locutor propone escucharlo y el escritor acepta.
Cuando el tango termina, Carrizo le pregunta qué le pareció. Borges
mueve la cabeza y dictamina, muy preocupado: "Esto le pasa a Benarós por juntarse con peronistas".
El poeta Eduardo González Lanuza, uno de los introductores del ultraísmo en la Argentina y gran amigo de Borges, descubre a éste en Florida y Corrientes, solo, con su bastón, esperando para poder cruzar. Lo toca y le dice: "Borges, soy González Lanuza".
El vuelve la cabeza y, después de unos segundos, contesta: "Es probable".
En Maipú y Tucumán, un grupo de adictos a Isabel Perón descubre a Borges y lo sigue unos metros, insultándolo. Al ingresar en su casa, un periodista le pregunta cómo se siente. "Medio desorientado - manifiesta -. Se me acercó una mujer vociferando:
¡Inculto! ¡Ignorante! "
Un joven poeta se acerca a Borges en la calle. Deja en manos
del escritor su primer libro.Borges agradece y le pregunta cuál es el título. "Con la patria adentro", responde el joven. -"Pero qué incomodidad, amigo, qué incomodidad".
El escritor argentino Héctor Bianciotti recuerda una de las
tantas salidas elegantes de Borges, cuando le incomodaban los halagos de la gente: Ocurre en París, en un estudio de televisión.
-"¿Usted se da cuenta de que es uno de los grandes escritores del siglo?", lo interrogan.
-"Es que este", evalúa Borges, "ha sido un siglo muy mediocre".
Una mañana de octubre de 1967, Borges está al frente de su
clase de literatura inglesa. Un estudiante entra y lo interrumpe para anunciar la muerte del Che Guevara y la inmediata suspensión de las clases para rendirle un homenaje . Borges contesta que el
homenaje seguramente puede esperar. Clima tenso. El estudiante insiste: "Tiene que ser ahora y usted se va". Borges no se resigna ygrita: "No me voy nada. Y si usted es tan guapo, venga a sacarme del escritorio". El estudiante amenaza con cortar la luz. "He tomado la precaución", retruca Borges, "de ser ciego esperando este momento".
A principios de la década de los setenta, el escritor y
psicoanalista Germán García invita a la Argentina a Daniel Sibony,matemático y psicoanalista francés. Sibony quiere conocer a Borges.
Al encontrarse, el francés le pregunta en qué idioma desea hablar.
"Hablemos en francés", propone Borges, y justifica: "Dicen que la lengua francesa es tan perfecta que no necesita escritores.
A la inversa, dicen que el castellano es una lengua que se desespera de su propia debilidad y necesita producir cada tanto un Góngora, un Quevedo, un Cervantes".
Una revista de actualidad reúne a Borges con el director técnico César Luis Menotti. "Qué raro, ¿no? Un hombre inteligente y se empeña en hablar de fútbol todo el tiempo", comenta Borges más tarde.
En 1983, un periodista de La Nación pide a Borges su opinión
sobre la Guerra de Malvinas. "Absurda", define Borges. "Estoy triste, muy triste. Mandaron a esos pobres muchachos de veinte años a morir al sur. Tener veinte años y pelear contra soldados veteranos es algo atroz, inconcebible. Solamente en el crucero General Belgrano murieron cientos. Claro que los militares dirán que al lado de los desaparecidos esa cifra no es nada, pero no creo que
les convenga ese argumento. No, no les va a convenir..."
El 10 de marzo de 1978, en la Feria del Libro, Borges se cruza con un escritor al que quiere y respeta: Manuel Mujica Lainez.
Se abrazan e inician una conversación que es interrumpida una y otra vez por los cazadores compulsivos de firmas. "A veces", se queja Borges, "pienso que cuando me muera mis libros más cotizados serán aquellos que no lleven mi autógrafo."
En 1975, a los 99 años, muere Leonor Acevedo de Borges, madre del escritor. En el velorio, una mujer da el pésame a Borges y comenta: "Peeero... pobre Leonorcita, morirse tan poquito antes de cumplir los 100 años. Si hubiera esperado un poquito más...".
Borges le dice: "Veo, señora, que es usted devota del sistema decimal".
Borges y un escritor joven debatiendo sobre literatura y otros temas. El escritor joven le dice: "Y bueno, en política no vamos a estar de acuerdo, maestro, porque yo soy peronista". Borges contestò: "Còmo que no? Yo tambièn soy ciego".
viernes, 21 de diciembre de 2007
domingo, 9 de diciembre de 2007
Theremin
Lev Sergeievitch Termen el inventor del Theremin , nació en Leningrado (actual San Petersburgo) en 1896.
La mayor parte de los theremines consisten en un gabinete del cual salen dos antenas, una hacia arriba y una hacia la izquierda (desde el punto de vista del ejecutante).
La música se produce cuando el intérprete mueve las manos en las proximidades de las antenas, pero sin tocarlas. Una de las antenas controla el tono del sonido, mientras que la otra maneja el volumen.
El funcionamiento del theremin es tan simple que parece una broma.
Termen lo describe de la siguiente manera: "Se obtienen fácilmente sonidos de tono variable utilizando una corriente alterna de frecuencia también variable.
Se coloca una pequeña varilla vertical a modo de antena, lo que genera ondas electromagnéticas de muy débil intensidad alrededor de la misma. Estas ondas tienen una longitud y una frecuencia definidas: la aproximación de una mano, que es un conductor eléctrico, altera la configuración del campo electromagnético que rodea a la antena, cambia su capacitancia y, por lo tanto, afecta la frecuencia de la corriente alterna generada en el instrumento.
De esta manera, se produce una suerte de ´toque invisible´ en el espacio que circunda la antena, y, de la misma manera en que en un cello la presión de un dedo sobre la cuerda produce un sonido tanto más agudo cuanto más se acerca el dedo al puente, en el theremin el tono se incrementa cuanto más se acerca la mano a la antena.
Del mismo modo, la intensidad del tono cambia al aproximar una mano a la otra antena, de forma circular, alrededor de la cual se forman ondas electromagnéticas siguiendo el mismo principio. La aproximación de una mano produce un cambio en la intensidad de la corriente alterna que produce el tono.
Así, levantando la mano por encima de la antena horizontal en forma de anillo la nota crece en volumen, mientras que bajando la mano por debajo de ella se hace más débil, hasta morir en el medio del más suave pianissimo".
El theremin fue mostrado al público en general en la Feria Industrial de Moscú de 1920 y, poco más tarde, se fabricaron 600 instrumentos por orden de Lenin, que, para esa época, ya estaba tomando clases de theremin con el propio Termen.
El theremin es el primer instrumento musical electrónico del mundo, décadas antes de que a Moog se lo ocurriera fabricar un sintetizador.
Bandas que usan y han usado theremines en sus discos: Gary Numan, Radiohead, Alice Cooper, Rolling Stones, Beach Boys, Kitaro , Blur, Marillion (en "Cannibal surf babe"), Elvis Costello, King, Talking Heads, el mismísimo Led Zeppelin (en su tema "Whole lotta love"), Marilyn Manson, Nine Inch Nails, Pink Floyd (en su disco "Meddle"), Jean-Michel Jarre y Babasónicos.
Jean Michel Jarre - Oxygene 10 en Moscú
La mayor parte de los theremines consisten en un gabinete del cual salen dos antenas, una hacia arriba y una hacia la izquierda (desde el punto de vista del ejecutante).
La música se produce cuando el intérprete mueve las manos en las proximidades de las antenas, pero sin tocarlas. Una de las antenas controla el tono del sonido, mientras que la otra maneja el volumen.
El funcionamiento del theremin es tan simple que parece una broma.
Termen lo describe de la siguiente manera: "Se obtienen fácilmente sonidos de tono variable utilizando una corriente alterna de frecuencia también variable.
Se coloca una pequeña varilla vertical a modo de antena, lo que genera ondas electromagnéticas de muy débil intensidad alrededor de la misma. Estas ondas tienen una longitud y una frecuencia definidas: la aproximación de una mano, que es un conductor eléctrico, altera la configuración del campo electromagnético que rodea a la antena, cambia su capacitancia y, por lo tanto, afecta la frecuencia de la corriente alterna generada en el instrumento.
De esta manera, se produce una suerte de ´toque invisible´ en el espacio que circunda la antena, y, de la misma manera en que en un cello la presión de un dedo sobre la cuerda produce un sonido tanto más agudo cuanto más se acerca el dedo al puente, en el theremin el tono se incrementa cuanto más se acerca la mano a la antena.
Del mismo modo, la intensidad del tono cambia al aproximar una mano a la otra antena, de forma circular, alrededor de la cual se forman ondas electromagnéticas siguiendo el mismo principio. La aproximación de una mano produce un cambio en la intensidad de la corriente alterna que produce el tono.
Así, levantando la mano por encima de la antena horizontal en forma de anillo la nota crece en volumen, mientras que bajando la mano por debajo de ella se hace más débil, hasta morir en el medio del más suave pianissimo".
El theremin fue mostrado al público en general en la Feria Industrial de Moscú de 1920 y, poco más tarde, se fabricaron 600 instrumentos por orden de Lenin, que, para esa época, ya estaba tomando clases de theremin con el propio Termen.
El theremin es el primer instrumento musical electrónico del mundo, décadas antes de que a Moog se lo ocurriera fabricar un sintetizador.
Bandas que usan y han usado theremines en sus discos: Gary Numan, Radiohead, Alice Cooper, Rolling Stones, Beach Boys, Kitaro , Blur, Marillion (en "Cannibal surf babe"), Elvis Costello, King, Talking Heads, el mismísimo Led Zeppelin (en su tema "Whole lotta love"), Marilyn Manson, Nine Inch Nails, Pink Floyd (en su disco "Meddle"), Jean-Michel Jarre y Babasónicos.
Jean Michel Jarre - Oxygene 10 en Moscú
ReacTable
Las nuevas tecnologías nos traen nuevos instrumentos para crear música.
Es este el caso de Reactable, un nuevo instrumento musical electrónico, diseñado por un grupo de investigadores de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona.
Básicamente Reactable es una mesa que funciona como una pantalla touchscreen multipunto, en la cual interactúan varias fichas (movidas por uno o varios operadores locales o remotos, de ahí lo “colaborativo”) las cuales simulan los distintos módulos de un sintetizador.
Sobre la mesa se proyectan la estructura y características básicas del sonido, de un modo intuitivo, lo que permite que este instrumento sea facilmente aprendible, incluso por niños.
El software sobre el cúal trabaja Reactable, es open source.
Una de las primeras artistas que han tenido acceso a la Reactable, ha sido la islandesa Björk, la cual ha incluido este nuevo aparato dentro de sus presentaciones del disco Volta.
ReacTable
Demostración
Bjork
Hyperballad,Glastonbury,2007
Es este el caso de Reactable, un nuevo instrumento musical electrónico, diseñado por un grupo de investigadores de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona.
Básicamente Reactable es una mesa que funciona como una pantalla touchscreen multipunto, en la cual interactúan varias fichas (movidas por uno o varios operadores locales o remotos, de ahí lo “colaborativo”) las cuales simulan los distintos módulos de un sintetizador.
Sobre la mesa se proyectan la estructura y características básicas del sonido, de un modo intuitivo, lo que permite que este instrumento sea facilmente aprendible, incluso por niños.
El software sobre el cúal trabaja Reactable, es open source.
Una de las primeras artistas que han tenido acceso a la Reactable, ha sido la islandesa Björk, la cual ha incluido este nuevo aparato dentro de sus presentaciones del disco Volta.
ReacTable
Demostración
Bjork
Hyperballad,Glastonbury,2007
sábado, 8 de diciembre de 2007
Des Femmes Fatales - Carla Bruni
Carla Bruni, (Turín, 23 de diciembre de 1968),a los 5 años fue por primera vez a París y se crió en Francia y Suiza.
Comenzó a estudiar arquitectura, pero lo dejó a los 19 años para convertirse en modelo, a pesar de que no le hacía falta por ser la heredera de una gran fortuna.
Desfiló para las firmas más importantes de Alta costura y puso fin a su carrera de modelo en 1997.
Su primer disco Quelqu'un m'a dit fue editado, en 2002, sin campaña de promoción.
Cuatro años después del gran éxito de Quelqu'un m'a dit, que vendió dos millones de ejemplares en todo el mundo, Bruni regresa con No Promises, una colección de canciones en inglés cuyas letras son poemas de poetas del Siglo XX como William Butler Yeats, Wystan Hugh Auden, Emily Dickinson, Christina Rossetti, Walter de la Mare y Dorothy Parker.
"Nunca tuve la intención de adaptar poesía pero cuando leí esas obras me dije ¡tengo que cantarlos!".
¿Por qué una italiana que creció en Francia saca un disco en inglés? Ella explicó que no quería que se la encasillara en la "chanson francesa".
"Estoy influenciada por las canciones tradicionales francesas pero también por el pop anglosajón . Pasé mucho tiempo de mi vida escuchando tanto a Brassens como a The Beatles. En mi adolescencia estaba totalmente hipnotizada por Bob Dylan y Leonard Cohen. Entonces cuando me siento a componer mis influencias están mezcladas, hay francés, inglés e italiano".
Carla Bruni - Quelqu'un m'a dit
Comenzó a estudiar arquitectura, pero lo dejó a los 19 años para convertirse en modelo, a pesar de que no le hacía falta por ser la heredera de una gran fortuna.
Desfiló para las firmas más importantes de Alta costura y puso fin a su carrera de modelo en 1997.
Su primer disco Quelqu'un m'a dit fue editado, en 2002, sin campaña de promoción.
Cuatro años después del gran éxito de Quelqu'un m'a dit, que vendió dos millones de ejemplares en todo el mundo, Bruni regresa con No Promises, una colección de canciones en inglés cuyas letras son poemas de poetas del Siglo XX como William Butler Yeats, Wystan Hugh Auden, Emily Dickinson, Christina Rossetti, Walter de la Mare y Dorothy Parker.
"Nunca tuve la intención de adaptar poesía pero cuando leí esas obras me dije ¡tengo que cantarlos!".
¿Por qué una italiana que creció en Francia saca un disco en inglés? Ella explicó que no quería que se la encasillara en la "chanson francesa".
"Estoy influenciada por las canciones tradicionales francesas pero también por el pop anglosajón . Pasé mucho tiempo de mi vida escuchando tanto a Brassens como a The Beatles. En mi adolescencia estaba totalmente hipnotizada por Bob Dylan y Leonard Cohen. Entonces cuando me siento a componer mis influencias están mezcladas, hay francés, inglés e italiano".
Carla Bruni - Quelqu'un m'a dit
Des Femmes Fatales - Charlotte Gainsbourg "5:55"
Charlotte Gainsbourg, (Londres, 21 de julio de 1971), actriz y cantante francesa, hija de Serge Gainsbourg y Jane Birkin.
Su primera interpretación aparece en el disco de Serge Gainsbourg, Love on the beat, en 1983, donde cantan el dueto Lemon incest.
En 1986, saca el álbum Charlotte for Ever en el que asumiendo una adolescencia difícil , canta canciones para provocar.
No vuelve a cantar en 8 años hasta que se embarca en la aventura de Enfoirés, cantores de les Restos du Cœur.
Vuelve en 2001 con les Restos du Cœur en 2001 : L'odyssée des Enfoirés, y en 1996, participa en la banda sonora de Love, etc.
En 2000, aparece en Music de Madonna al principio de What it feels like for a girl, que contienen parte de lo que dijo en la película The Cement Garden.
Hizo un dúo en If con Étienne Daho, en su álbum Réévolution (2003).
En 2005, participó en la banda sonora de L'un reste, l'autre part, con una canción con el mismo título.
En 2006 sale "5:55" en colaboración con el grupo Air, Jarvis Cocker, Nigel Godrich, Tony Allen, David Campbell y Neil Hannon de The Divine Comedy.
Su primera interpretación aparece en el disco de Serge Gainsbourg, Love on the beat, en 1983, donde cantan el dueto Lemon incest.
En 1986, saca el álbum Charlotte for Ever en el que asumiendo una adolescencia difícil , canta canciones para provocar.
No vuelve a cantar en 8 años hasta que se embarca en la aventura de Enfoirés, cantores de les Restos du Cœur.
Vuelve en 2001 con les Restos du Cœur en 2001 : L'odyssée des Enfoirés, y en 1996, participa en la banda sonora de Love, etc.
En 2000, aparece en Music de Madonna al principio de What it feels like for a girl, que contienen parte de lo que dijo en la película The Cement Garden.
Hizo un dúo en If con Étienne Daho, en su álbum Réévolution (2003).
En 2005, participó en la banda sonora de L'un reste, l'autre part, con una canción con el mismo título.
En 2006 sale "5:55" en colaboración con el grupo Air, Jarvis Cocker, Nigel Godrich, Tony Allen, David Campbell y Neil Hannon de The Divine Comedy.
viernes, 30 de noviembre de 2007
Aviones,Mentiras y Video.
Desde los trágicos sucesos del 11S de 2001, Internet ha sido un hervidero de noticias, reportajes, leyendas urbanas o artículos de opinión que ponían en duda la versión oficial de los ataques a Washington y Nueva York.
En cualquier caso, cuestionar el modus operandi y la propia autoría de un hecho que prácticamente todo el mundo vio por televisión más o menos en directo parece arriesgado.
Los medios son cada día más incapaces del análisis profundo de los hechos y se han convertido en meras correas de transmisión de los gabinetes de prensa de las administraciones o las grandes corporaciones.
Así las cosas todos vimos con nuestros propios ojos lo que sucedió y casi simultáneamente oimos miles de declaraciones oficiales de condena, repulsa y “explicación” de los hechos que nos han hecho asociar en nuestra mente ambos aspectos de un mismo hecho noticiable que, a priori, pueden o no estar directamente relacionados.
Como explicitaba Fromm en su ensayo “El miedo a la libertad”, luchar contra la opinión imperante, interiorizada cual dogma de fe es, cuando menos,dificil.
Exige grandes dosis de esfuerzo y tiempo para recopilar, seleccionar, leer y analizar información que pueda ayudar a formarnos una sólida opinión.
Pero sobre todo, exige una actitud mental que, usando la duda continuamente como método de trabajo, modifique nuestro acercamiento a la realidad de una manera abierta, liberándonos de los prejuicios y ataduras del modelo de propaganda imperante en los media.
Sabemos que dos aviones chocaron contra las Torres Gemelas del WTC.
También sabemos que, presumiblemente, otro avión impactó contra un ala del Pentágono y que otro cayó en Pensilvania en extrañas y contradictorias circunstancias.
Parece igualmente demostrado que una serie de ciudadanos árabes tomaron clases de vuelo y dejaron una serie de ineludibles pruebas de su fiiación e intenciones.
Sólo la red Al-Qaeda de Bin Laden tenía suficiente infraestructura para perpetrar unos atentados de esta naturaleza, por lo que las sospechas se dirigieron desde las primeras horas contra esta organización y Afganistán.
El desenlace final es de sobra conocido. Este país es destruido por enésima vez, las víctimas civiles de esta desigual guerra sobrepasan con creces las del World Trade Center… pero el Mullah Omar y Osama Bin Laden siguen vivos y dirigiendo sus odios hacia el occidente cristiano.
Norteamérica vive aterrada por la posibilidad de réplicas del 11S.
Cuando el miedo decae, las autoridades se encargan de recordar la amenaza o la inminencia de nuevos ataques a edificios de viviendas, a centros financieros, etc.
Los estadounidenses aceptan gustosos recortes a sus derechos civiles a cambio de seguridad.
Pero detrás de tanta evidencia subyacen multitud de preguntas, dudas y cuestiones insatisfechas.
Este video tal vez sea la respuesta que estábamos esperando.
En cualquier caso, cuestionar el modus operandi y la propia autoría de un hecho que prácticamente todo el mundo vio por televisión más o menos en directo parece arriesgado.
Los medios son cada día más incapaces del análisis profundo de los hechos y se han convertido en meras correas de transmisión de los gabinetes de prensa de las administraciones o las grandes corporaciones.
Así las cosas todos vimos con nuestros propios ojos lo que sucedió y casi simultáneamente oimos miles de declaraciones oficiales de condena, repulsa y “explicación” de los hechos que nos han hecho asociar en nuestra mente ambos aspectos de un mismo hecho noticiable que, a priori, pueden o no estar directamente relacionados.
Como explicitaba Fromm en su ensayo “El miedo a la libertad”, luchar contra la opinión imperante, interiorizada cual dogma de fe es, cuando menos,dificil.
Exige grandes dosis de esfuerzo y tiempo para recopilar, seleccionar, leer y analizar información que pueda ayudar a formarnos una sólida opinión.
Pero sobre todo, exige una actitud mental que, usando la duda continuamente como método de trabajo, modifique nuestro acercamiento a la realidad de una manera abierta, liberándonos de los prejuicios y ataduras del modelo de propaganda imperante en los media.
Sabemos que dos aviones chocaron contra las Torres Gemelas del WTC.
También sabemos que, presumiblemente, otro avión impactó contra un ala del Pentágono y que otro cayó en Pensilvania en extrañas y contradictorias circunstancias.
Parece igualmente demostrado que una serie de ciudadanos árabes tomaron clases de vuelo y dejaron una serie de ineludibles pruebas de su fiiación e intenciones.
Sólo la red Al-Qaeda de Bin Laden tenía suficiente infraestructura para perpetrar unos atentados de esta naturaleza, por lo que las sospechas se dirigieron desde las primeras horas contra esta organización y Afganistán.
El desenlace final es de sobra conocido. Este país es destruido por enésima vez, las víctimas civiles de esta desigual guerra sobrepasan con creces las del World Trade Center… pero el Mullah Omar y Osama Bin Laden siguen vivos y dirigiendo sus odios hacia el occidente cristiano.
Norteamérica vive aterrada por la posibilidad de réplicas del 11S.
Cuando el miedo decae, las autoridades se encargan de recordar la amenaza o la inminencia de nuevos ataques a edificios de viviendas, a centros financieros, etc.
Los estadounidenses aceptan gustosos recortes a sus derechos civiles a cambio de seguridad.
Pero detrás de tanta evidencia subyacen multitud de preguntas, dudas y cuestiones insatisfechas.
Este video tal vez sea la respuesta que estábamos esperando.
jueves, 22 de noviembre de 2007
Delikatessen 6,Mozart
Mitsuko Uchida
Mozart,Piano Concerto #20- Romanza
Erika Miklosa
Como La Reina de la Noche,"Der Hölle Rache",La Flauta Magica
Mozart " Eine kleine Nachtmusik" Allegro
Mozart,Piano Concerto #20- Romanza
Erika Miklosa
Como La Reina de la Noche,"Der Hölle Rache",La Flauta Magica
Mozart " Eine kleine Nachtmusik" Allegro
Flaneur
Walter Benjamin, define la figura del flaneur: el viajero contemplador y reflexivo que disfruta a su manera del paisaje, el sujeto que erra lentamente por las calles, que se entrega ociosa, imaginativamente, sin un plan prefijado, a lo que le ofrece el destino.
Tengo para mí que es una buena forma de viajar esta vida , lanzarse azarosamente a la promesa de ese destino sin las tiranías de los horarios, las rutinas, abandonarse a la posibilidad de una revelación —espiritual, sensorial, educativa— que quizás aparezca o quizás no, pero siempre con la consigna de dejarse llevar por lo que los sueños le han dicho a ese viajero.
Existe otra forma de viajar la vida que tiene lo suyo y no es desdeñable: son los que odian la imprevisión, la falta de un orden, el viaje caótico; algunos de ellos se convierten en esos aficionados a los mapas cuya alegría consiste, muchas veces, en dedicar más atención a las páginas de las guías que a los paisajes por donde pasan.
Entre esos dos modelos extremos se viaja. Para unos —el flaneur—, la curiosidad aparece como una mujer a la que hay que satisfacer a cómo dé lugar y siempre tienen la ilusión de un principio.
Son los buscadores de lugares secretos, los que persiguen cosas que están más en su cerebro que en el lugar que pisan.
Para otros, esa caminata al azar sin ningún plan es casi un pecado que no lleva a ningún lado o, en el peor de lo casos, a sitios riesgosos de los cuales no es tan fácil salir.
O sea, están los aventureros lanzados a un paseo impredecible, al placer de la incertidumbre, la posibilidad de no verlo todo y, por lo tanto, poder volar con la imaginación hasta aquello que no se ve; el flaneur sabe que ese andar puede convertir al viaje en algo diferente.
Y existen los que exigen saber dónde están en cada momento como si hubiera una suerte de seguridad en ello, aquellos que eligen una rutina a la que volverían una y mil veces, como se vuelve a los lugares de la infancia.
Tengo para mí que es una buena forma de viajar esta vida , lanzarse azarosamente a la promesa de ese destino sin las tiranías de los horarios, las rutinas, abandonarse a la posibilidad de una revelación —espiritual, sensorial, educativa— que quizás aparezca o quizás no, pero siempre con la consigna de dejarse llevar por lo que los sueños le han dicho a ese viajero.
Existe otra forma de viajar la vida que tiene lo suyo y no es desdeñable: son los que odian la imprevisión, la falta de un orden, el viaje caótico; algunos de ellos se convierten en esos aficionados a los mapas cuya alegría consiste, muchas veces, en dedicar más atención a las páginas de las guías que a los paisajes por donde pasan.
Entre esos dos modelos extremos se viaja. Para unos —el flaneur—, la curiosidad aparece como una mujer a la que hay que satisfacer a cómo dé lugar y siempre tienen la ilusión de un principio.
Son los buscadores de lugares secretos, los que persiguen cosas que están más en su cerebro que en el lugar que pisan.
Para otros, esa caminata al azar sin ningún plan es casi un pecado que no lleva a ningún lado o, en el peor de lo casos, a sitios riesgosos de los cuales no es tan fácil salir.
O sea, están los aventureros lanzados a un paseo impredecible, al placer de la incertidumbre, la posibilidad de no verlo todo y, por lo tanto, poder volar con la imaginación hasta aquello que no se ve; el flaneur sabe que ese andar puede convertir al viaje en algo diferente.
Y existen los que exigen saber dónde están en cada momento como si hubiera una suerte de seguridad en ello, aquellos que eligen una rutina a la que volverían una y mil veces, como se vuelve a los lugares de la infancia.
jueves, 15 de noviembre de 2007
El Corazón de la Tinieblas
El corazón de la tinieblas, escrito entre 1898 y 1899, de Joseph Conrad.
Es, un relato de marinero,una historia que recupera además la experiencia personal de un viaje al Congo que no iba a olvidar fácilmente,«antes del Congo yo no era más que un simple animal».
En la desembocadura del Támesis,Marlow cuenta a unos compañeros su viaje a África, en busca de Kurtz, agente comercial que está enviando a su compañía ingentes cantidades de marfil.
El viaje de Marlow es una odisea: el barco en el que navegan es viejo, el río peligroso, acechado de nativos que atacan en los recodos, el calor insoportable... Marlow avanza obsesionado por Kurtz, del cual se va formando una imagen contradictoria y mitificada.
Otros empleados le van describiendo los rasgos y atributos del agente: voz profunda y potentísima, elevada estatura, ojos fulminantes, mente lúcida y voluntad indomable que le permite recolectar más marfil que todos los demas agentes juntos...
Por fin lo encontrará enfermo, en una choza cercada de cabezas humanas empaladas, adorado por tribus indígenas a las que subyuga con el terror.
El extraordinario personaje que ha ido modelando la imaginación de Marlow se erige ahora en símbolo de la corrupción y la entrega a la barbarie ancestral, impulsado por un ansia ilimitada de poder y riqueza, enfrentado consigo mismo en la soledad y vencido por la influencia de lo salvaje:
«La selva había logrado poseerlo pronto y se había vengado en él de la fantástica invasión de que había sido objeto. Me imagino que le había susurrado cosas sobre él mismo que él no conocía, cosas de las que no tenía idea. Al quedarse solo en la selva había mirado a su interior y había enloquecido. El denso y mudo hechizo de la selva parecía atraerle hacia su seno despiadado despertando en él olvidados y brutales instintos, recuerdos de pasiones monstruosas».
Kurtz ha rendido su humanidad y se ha convertido en un depredador que somete a castigos brutales a los nativos rebeldes («no había poder sobre la tierra que pudiera impedirle matar a quien se le antojara») y cuyo mundo solo conoce ya «el horror» (palabras finales que pronunciará en su agonía).
El universo que rodea a Kurtz es igualmente terrible y absurdo:
«Veía la estación y aquellos hombres que caminaban sin objeto por el patio bajo los rayos del sol. Caminaban de un lado para otro con sus absurdos palos en la mano, como peregrinos embrujados en el interior de una cerca podrida. La palabra marfil permanecía en el aire, en los murmullos, en los supiros. Un tinte de imbécil rapacidad coloreaba todo aquello, como si fuera la emanación de un cadáver».
La novela puede leerse como alegato contra la colonización del Congo, pero su reflexión moral va más allá.
Kurtz llega a África iluminado de ideales de progreso. Redacta una guía para orientar el recto diseño del comercio y la tarea civilizadora:
«Cada estación de la compañía debería ser como un faro en medio del camino, que iluminara la senda hacia cosas mejores».
Sin embargo la luz sucumbe ante las tinieblas: el hombre «civilizado» oculta bajo una frágil superficie bestiales instintos que salen a flote en contacto con ese mundo fuera del tiempo, sumergido en la penumbra de la floresta primitiva.
El viaje de Kurtz (que Marlow reproduce) es un viaje a los infiernos, un descenso por el río del olvido:
«Remontar aquel río era como volver a los inicios de la creación cuando la vegetación estalló sobre la faz de la tierra. Una corriente vacía, un gran silencio, una selva impenetrable. El aire era caliente, denso, embriagador. No había ninguna alegría en el resplandor del sol. Aquel camino de agua corría desierto en la penumbra de las grandes extensiones. Uno llegaba a tener la sensación de estar embrujado, lejos de todas las cosas una vez conocidas. Penetramos más y más espesamente en el corazón de las tinieblas. A veces, por la noche, un redoble de tambores, detrás de la cortina vegetal, corría por el río. Tuve la sensación de haber puesto el pie en algún tenebroso círculo del infierno».
Marlow,consigue salir entero de este infierno, pero no sucede lo mismo con Kurtz. Pero la tiniebla no está solo en la selva hostil.
La fuente última de la oscuridad es otra, es «el mal escondido en las profundas tinieblas del corazón humano».
Kurtz no ha sido capaz conservar su conciencia moral, su entidad humana, y en su búsqueda de la luz ha llegado a un territorio en el que late sin cesar,el verdadero corazón de las tinieblas, el oscuro corazón del hombre.
miércoles, 14 de noviembre de 2007
Delikatessen 5,King Crimson
King Crimson
Elephant Talk
King Crimson
Three of a Perfect Pair
King Crimson
Matte Kudasai
Elephant Talk
King Crimson
Three of a Perfect Pair
King Crimson
Matte Kudasai
Dadaísmo
El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte.
Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.
Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.
Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda de medios de expresión irónico-satíricos. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano.
El origen del término Dadaísmo es confuso. La versión más aceptada dice que al abrir un diccionario al azar apareció la palabra dada, que significa caballito de juguete, y fue adoptada por el grupo.
El movimiento dada nació en un café cantante de Zurich en 1916, donde se recitaban poemas. Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que querían escapar de la guerra. Allí se reunieron representantes de diversas escuelas como el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el cubismo francés. Esto da al dadaísmo la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra una escuela anterior, sino que cuestiona el concepto del arte antes de la Primera Guerra Mundial.
Hugo Ball, director de teatro y su mujer, concibieron el proyecto de crear un café literario que acogiera a todos estos artistas exiliados, el Cabaret Voltaire, que abrió sus puertas el 1 de Febrero de 1916. Allí se congregaron Tristan Tzara (poeta, líder y fundador del movimiento), Jean Arp, Marcel Janko, Hans Richter y Richard Huelsenbeck entre otros.
La difusión del dadaísmo se debió a la publicación de la revista Dada, que gracias a ella, sus ideas se extendieron por Berlín, Colonia, París y Nueva York.
Jean Arp
Realizó relieves,collages y bordados donde combina las técnicas del automatismo y las imágenes oníricas, desarrollando una iconografía muy personal de formas orgánicas que él mismo llamó escultura biomórfica.
Un día, al mirar un dibujo que había roto en muchos pedacitos y tirado al suelo porque no le gustaba, se dio cuenta de que la disposición que les había dado la caída reflejaba mucho mejor la novedad plástica que trataba de obtener. Reunió los fragmentos y los pegó, yuxtaponiéndolos en la forma que dictaba la casualidad
Raul Hausmann
Su aportación más importante es el fotomontaje, que consiste, en el montaje, sin plan definido, de recortes de fotografía, periódicos y dibujos, con la intención de obtener una obra plásticamente nueva que asumiera un mensaje político, moral o poético.
En El crítico de arte ofrece la visión de un experto de arte y lo representa desdentado y con un zapato en la cabeza para denunciar la vaciedad y la inutilidad de sus pensamientos.
Kurt Schwitter
Creó ensamblajes de cartón, madera, alambre y objetos rotos, así como collages con diversos objetos, billetes de autobús, envolturas de quesos, suelas desgastadas, colillas, etc.
En su casa elaboró una obra a la que llamó Merz-Säule. Se trataba de una escultura hecha de bultos y concavidades con hallazgos cotidianos o con objetos tomados a sus visitantes como mechones de cabello o uñas cortadas, y que tenía la propiedad de crecer como si fuera un organismo vivo. Cada día le agregaba algo y llegó a crecer tanto que ocupó dos pisos.
Max Ernst
Max Ernst, junto con Baargeld, organizaron una exposición que obligaba al publico a pasar entre unos urinarios, mientras una niña vestida para primera comunión recitaba poemas obscenos.
En medio de la sala se levantaba un gran bloque de madera que sostenía una hacha enganchada por una cadena y se invitaba al público a que destruyera aquel objeto a hachazos. En las paredes colgaban collages de diversos artistas cuyo contenido provocaban malestar entre los espectadores. La exposición fue prohibida.
La Primera Guerra Mundial también llevó a Nueva York a grupos de artistas refugiados como Duchamp o Picabia, que junto con los americanos como Man Ray dan vida al dada neoyorquino.
Marcel Duchamp
Su principal aportación es el ready-made, que consiste en sacar un objeto de su contexto para situarlo en el ámbito de lo artístico. Solo con el hecho de titularlos y firmarlos confería a los objetos la categoría de obra de arte.
En 1913 concibió una obra a partir de una rueda de bicicleta colocada sobre un taburete de cocina. En 1915 presentó un urinario de loza puesto al revés y lo tituló Fontaine.
Man Ray
Realizó un conjunto de obras que llamó "objetos de mi afecto". Entre ellas está Cadeau, que consiste en una plancha de cuya base salen algunos clavos, o la obra llamada La puericultura II, que es una base cilíndrica de bronce en cuya parte superior sobresale una mano color verde.
martes, 13 de noviembre de 2007
Delikatessen 4.Franz Marc
Franz Marc.Pinturas
1910 - Horse In The Country...
1911 - The Bull...
1911 - Blue Horse I...
1911 - The Yellow Cow...
1911 - The Large Blue Horses...
1912 - The Small Yellow Horses...
1911 - Blue-Black Fox...
1912 - Red Deer II...
1912 - Three Animals (Dog, Fox and Cat)...
1912 - Deer In The Woods II...
1912 - The Little Monkey...
1912 - The Dream...
1912 - Two Cats, Blue and Yellow...
1912 - Tiger...
1913 - Foxes...
1913 - Three Cats...
1913 - The Three Horses...
1912 - Playing Dogs...
1913 - Long Yellow Horse...
1913 - The Wolves...
1913 - Dreaming Horse...
1914 - Animals In Landscape
1913 - The Fate Of The Animals...
La Cancion "Mercy" ,Alanis Morissette y Salif Keita
1910 - Horse In The Country...
1911 - The Bull...
1911 - Blue Horse I...
1911 - The Yellow Cow...
1911 - The Large Blue Horses...
1912 - The Small Yellow Horses...
1911 - Blue-Black Fox...
1912 - Red Deer II...
1912 - Three Animals (Dog, Fox and Cat)...
1912 - Deer In The Woods II...
1912 - The Little Monkey...
1912 - The Dream...
1912 - Two Cats, Blue and Yellow...
1912 - Tiger...
1913 - Foxes...
1913 - Three Cats...
1913 - The Three Horses...
1912 - Playing Dogs...
1913 - Long Yellow Horse...
1913 - The Wolves...
1913 - Dreaming Horse...
1914 - Animals In Landscape
1913 - The Fate Of The Animals...
La Cancion "Mercy" ,Alanis Morissette y Salif Keita
Franz Marc
FRANZ MARC (1880-1916)
El pintor alemán que quiso captar el alma animal
Si por algo es famoso Franz Marc (1880-1916), un pintor expresionista alemán, es por sus cuadros de animales. Aunque Marc no se conformaba con retratarlos sin más, ya que a cada uno le daba un significado; por ejemplo, las vacas representaban la alegría de vivir. Franz quiso pintar el mundo tal como un caballo o un venado podrían verlo. Y es que adoraba a los animales.
Franz Marc nació en 1880 en Múnich, Alemania. Vivió una infancia y adolescencia normales y, cuando tenía 17 años, no sabía muy bien qué hacer con su vida, si estudiar Teología, Filosofía o dedicarse a la pintura.
Al final Franz se matriculó en Filosofía, pero antes decidió hacer la milicia. Trascendental paso porque en el cuartel vio que lo que deseaba, por encima de todo, era ser pintor. Así que se matriculó en la Academia muniquesa.
Los primeros cuadros de Marc son naturalistas, hasta que viaja a París y queda deslumbrado por la pintura impresionista, especialmente por Van Gogh.
A partir de 1907, Marc centró su trabajo en los animales, y, después de 1914, probó a pintar cuadros abstractos porque los animales ya no le servían para representar sus sentimientos.
Marc ya no pretende imitar lo que ve, sino indagar en la naturaleza oculta del mundo, en el fondo de las cosas. Y para lograrlo no dudó en utilizar esos colores intensos que tanto le gustaban.
Marc y la pintura abstracta
Franz fundó, junto con el pintor Kandinsky, el grupo expresionista El jinete azul. Fue en septiembre de 1911 cuando estos dos pintores lograron reunir un montón de cuadros de artistas europeos de diversas tendencias para ver por dónde iban los tiros de la nueva pintura. Más tarde comprobaron, en futuras exposiciones, cómo la pintura internacional iba evolucionando hacia la composición abstracta.
Marc creía en la nueva pintura y la defendió con vehemencia. Poco a poco fue pintando de forma más abstracta hasta que la Primera Guerra Mundial se interpuso en su vida. A principios de 1916, mientras Marc patrullaba una zona de guerra, una granada lo alcanzó y murió.
Marc y los colores
Franz Marc decía que “el azul es el principio masculino, áspero y espiritual. El amarillo es el principio femenino, suave, alegre y sensual. El rojo, la materia, bruta y pesada, el color que siempre deben combatir y superar los otros”.
Marc se casó con Marie Schnür para que ésta pudiera quedarse con su hijo ilegítimo. Divorciado poco después, rehace su vida junto a la pintora Maria Franck, con la que se casa en 1913. Al año siguiente se presentó voluntario a la I Guerra Mundial, junto con su amigo Macke, y los dos cayeron en el frente.
Franz y el sueño de Animalizar el arte
El “Perro tendido en la nieve”, pintado entre los años 1910 y 1911, es un ejemplo de los muchos cuadros que Franz Marc dedicó al reino animal. “No encuentro ningún medio más feliz para animalizar el arte que el cuadro de animales”, dijo. Como si fuera un chamán, a Marc le gustaría transformarse, al menos cuando pinta, en la mirada animal.
El pintor alemán que quiso captar el alma animal
Si por algo es famoso Franz Marc (1880-1916), un pintor expresionista alemán, es por sus cuadros de animales. Aunque Marc no se conformaba con retratarlos sin más, ya que a cada uno le daba un significado; por ejemplo, las vacas representaban la alegría de vivir. Franz quiso pintar el mundo tal como un caballo o un venado podrían verlo. Y es que adoraba a los animales.
Franz Marc nació en 1880 en Múnich, Alemania. Vivió una infancia y adolescencia normales y, cuando tenía 17 años, no sabía muy bien qué hacer con su vida, si estudiar Teología, Filosofía o dedicarse a la pintura.
Al final Franz se matriculó en Filosofía, pero antes decidió hacer la milicia. Trascendental paso porque en el cuartel vio que lo que deseaba, por encima de todo, era ser pintor. Así que se matriculó en la Academia muniquesa.
Los primeros cuadros de Marc son naturalistas, hasta que viaja a París y queda deslumbrado por la pintura impresionista, especialmente por Van Gogh.
A partir de 1907, Marc centró su trabajo en los animales, y, después de 1914, probó a pintar cuadros abstractos porque los animales ya no le servían para representar sus sentimientos.
Marc ya no pretende imitar lo que ve, sino indagar en la naturaleza oculta del mundo, en el fondo de las cosas. Y para lograrlo no dudó en utilizar esos colores intensos que tanto le gustaban.
Marc y la pintura abstracta
Franz fundó, junto con el pintor Kandinsky, el grupo expresionista El jinete azul. Fue en septiembre de 1911 cuando estos dos pintores lograron reunir un montón de cuadros de artistas europeos de diversas tendencias para ver por dónde iban los tiros de la nueva pintura. Más tarde comprobaron, en futuras exposiciones, cómo la pintura internacional iba evolucionando hacia la composición abstracta.
Marc creía en la nueva pintura y la defendió con vehemencia. Poco a poco fue pintando de forma más abstracta hasta que la Primera Guerra Mundial se interpuso en su vida. A principios de 1916, mientras Marc patrullaba una zona de guerra, una granada lo alcanzó y murió.
Marc y los colores
Franz Marc decía que “el azul es el principio masculino, áspero y espiritual. El amarillo es el principio femenino, suave, alegre y sensual. El rojo, la materia, bruta y pesada, el color que siempre deben combatir y superar los otros”.
Marc se casó con Marie Schnür para que ésta pudiera quedarse con su hijo ilegítimo. Divorciado poco después, rehace su vida junto a la pintora Maria Franck, con la que se casa en 1913. Al año siguiente se presentó voluntario a la I Guerra Mundial, junto con su amigo Macke, y los dos cayeron en el frente.
Franz y el sueño de Animalizar el arte
El “Perro tendido en la nieve”, pintado entre los años 1910 y 1911, es un ejemplo de los muchos cuadros que Franz Marc dedicó al reino animal. “No encuentro ningún medio más feliz para animalizar el arte que el cuadro de animales”, dijo. Como si fuera un chamán, a Marc le gustaría transformarse, al menos cuando pinta, en la mirada animal.
viernes, 9 de noviembre de 2007
Delikatessen 3,Sylvian
David Sylvian,Featuring Robert Fripp
Wave
David Sylvian
Orpheus
David Sylvian
Silver Moon
Wave
David Sylvian
Orpheus
David Sylvian
Silver Moon
Delikatessen 2,Bjork
Bjork
Earth Intruders
Bjork
Army Of Me,Glastonbury,2007
Bjork
Isobel,live at the Royal Opera House.
Bjork
Isobel,Telegram Version
Earth Intruders
Bjork
Army Of Me,Glastonbury,2007
Bjork
Isobel,live at the Royal Opera House.
Bjork
Isobel,Telegram Version
jueves, 8 de noviembre de 2007
Delikatessen 1,Sakamoto
Ryuichi Sakamoto & David Sylvian Featuring Ingrid Chavez
Heartbeat -Tainai Kaiki
Ryuichi Sakamoto
Neo Geo, Live in New York 1988
Ryuichi Sakamoto
Merry Christmas Mr. Lawrence (Live)
Heartbeat -Tainai Kaiki
Ryuichi Sakamoto
Neo Geo, Live in New York 1988
Ryuichi Sakamoto
Merry Christmas Mr. Lawrence (Live)
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