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La Navidad

2009-12-23T15:56:00.002-03:00

La Navidad, es el nacimiento de Cristo.

Veamos porque y desde cuando se festeja el nacimiento de Jesús en el 25 de diciembre.

Actualmente, la Navidad es una fiesta más profana que religiosa. Es tiempo de gran actividad comercial e intercambio de regalos, reuniones y comidas familiares.

Fiesta Pagana?

En el siglo II de nuestra era (100 años después del nacimiento de Cristo), los cristianos sólo conmemoraban la Pascua de Resurrección, ya que consideraban irrelevante el momento del nacimiento de Jesús y, además, desconocían absolutamente cuándo pudo haber acontecido.
Durante los siglos siguientes, al comenzar a aflorar el deseo de celebrar el natalicio de Jesús de una forma clara y diferenciada, algunos teólogos, basándose en los textos de los Evangelios, propusieron datarlo en fechas tan dispares como el 6 y 10 de enero, el 25 de marzo, el 15 y 20 de abril, el 20 y 25 de mayo y algunas otras.

Pero el Papa Fabián (236-250) decidió cortar por lo sano tanta especulación y calificó de sacrílegos a quienes intentaron determinar la fecha del nacimiento del Nazareno. La Iglesia armenia fijo el nacimiento de Cristo el 6 de enero, mientras otras iglesias orientales, egipcios, griegos y etíopes propusieron fijar el natalicio en el día 8 de enero.

Finalmente, dado que en el concilio de Nicea (año 325) se declara oficialmente que Jesús es una divinidad, ya que el padre y el hijo son el mismo, se decidió fijar el natalicio de Cristo durante el solsticio de invierno (en el hemisferio norte) o sea, el 25 de diciembre, fecha en que se festejaba el nacimiento de variadas deidades romanas y germanas.

Natalis Solis Invicti

Se tomo por fecha inmutable, durante el pontificado de Liberio (352-366), la noche del 24 al 25 de diciembre, día en que los romanos celebraban el Natalis Solis Invicti, el nacimiento del Sol Invicto (un culto muy popular y extendido al que los cristianos no habían podido vencer o prescribir hasta entonces) y, claro está, la misma fecha en que todos los pueblos contemporáneos festejaban la llegada del solsticio de invierno.

Las iglesias orientales siguieron y siguen festejando la Navidad el 6 de enero.

Con la instauración de la Navidad también se recuperó en Occidente la celebración de los cumpleaños, aunque las parroquias europeas no comenzaron a registrar las fechas de nacimiento de sus feligreses hasta el siglo XII.

En un principio la Navidad tuvo un carácter humilde y campesino, pero a partir del siglo VIII comenzó a celebrarse con la pompa litúrgica que ha llegado hasta hoy, creando progresivamente la iluminación y decoración de los templos, los cantos, lecturas y escenas piadosas que dieron lugar a representaciones al aire libre del nacimiento en portal de Belén, el famoso Pesebre.

Donde y cuando nacio Jesus.

Aunque la tradición nos ha llevado a creer que Jesús nació en el primer año de nuestra era, lo cierto es que no fue así, ni mucho menos, si nos atenemos a los únicos datos conocidos sobre el particular, eso es a las informaciones vagas y contradictorias reseñadas por sus biógrafos, Mateo y Lucas, que, además, situaron el domicilio habitual de José y María en dos lugares diferentes y muy distantes entre S: Belén (Judea) y Nazaret (Galilea). El mismo Lucas relata en su texto el nacimiento de Jesús en dos fechas distintas, una en el año 6-7 d. C. y otra en el 4 a. C.

De esta forma un mismo evangelista, en las cuatro primeras paginas de su texto, dató el nacimiento de Cristo en dos fechas separadas entre S por un mínimo de 10 años. Mateo fijó el nacimiento de Jesús "en los días del rey Herodes" (Mt 2, 1) y, por tanto, antes del año 4 a. C., durante el cual murió el monarca judío.

Los principales expertos actuales fechan el nacimiento de Cristo entre el año 9 y 5 a. C., habiendo un gran consenso alrededor del año 7 o 6 a. C., lo sitúan en el contexto de la población judía de Palestina, y piensan que Jesús residió en Nazaret (Galilea), hasta la edad de cuarenta años, poco más o menos, trabajando en el oficio familiar de carpintero albañil hasta que lo dejo para ir al encuentro de Juan el Bautista, tras lo cual inició el corto período (alrededor de 2 años) de vida pública que relatan los Evangelios.

Si bien el lugar exacto del nacimiento de Jesús no se sabe, una tradición cristiana tardía dio por cierta la suposición de que el nacimiento tubo lugar en alguna de las muchas cuevas calizas que existen en las cercanías de Belén.

Habiendo sobrevenido el nacimiento de Jesús, según la tradición católica, mientras sus padres estaban refugiados en una cueva que contenía un pesebre por todo mobiliario, y estando aparentemente faltos de medios materiales y de calefacción (era invierno en esa zona), aparecen en escena los dos personajes infaltables en los pesebres, el buey y el asno, que con su aliento calentaron devotamente al niño recién nacido.

Esto es aceptado por la Iglesia, a pesar de que no figura en ninguno de los Evangelios, sino que figura en el evangelio apócrifo (no oficial) denominado Pseudo Mateo, del cuál proviene el relato en el que esta basado el pesebre que adorna todos nuestros arboles de Navidad.

Las Dudas De José

La concepción de Jesucristo, nueve meses antes, según lo cuenta Mateo (Mt 1. 18-25) fue así: María y José estaban desposados, pero todavía no convivían. María, que era virgen, se halló concebida del Espíritu Santo. José siendo un hombre justo no quiso denunciarla como adultera, sino que resolvió repudiarla en secreto.

Y, según cuenta Mateo, mientras reflexionaba sobre esto, se le apareció en sueños un ángel y le dijo que no temiera recibir en su casa a María, su esposa, ya que lo concebido en ella era obra del Espíritu Santo.
También le dijo, que daría a luz un hijo al que deberían ponerle de nombre Jesús, porque salvaría a todo su pueblo de sus pecados. Y José hizo todo lo que el ángel le mando.

José, el carpintero, fue uno de los hombres más injustamente tratados por la historia cristiana.

En las primitivas representaciones de la familia de Jesús, aparecía como un hombre joven, fuerte y sin barba, pero como consecuencia del inicio del culto a María, la figura del carpintero fue postergada y relegada al papel de encargado de aprovisionar de alimento a la familia.

Junto a este proceso también se le hizo envejecer hasta la senectud, de forma que, siendo ya nulo su vigor no fuese obstáculo ni sombra de sospecha que impidiese proclamar la virginidad perpetua de María.

El Nacimiento

Las diferencias que aparecen entre los relatos del nacimiento hechos por Mateo y Lucas (Marcos y Juan ni siquiera se ocupan de ello) pueden deberse a que ambos no se conocieron jamas y escribieron sus evangelios en tierras muy diferentes (Egipto y Roma respectivamente), por lo que adornaron su narración sobre Jesús inspirándose en leyendas ya existentes pero que gozaban de diferente prestigio en un lugar u otro; por eso Mateo tiño de orientalismo el nacimiento de Jesús mientras que Lucas se adaptó a tradiciones míticas que eran más creíbles a la capital del imperio Romano.

Las diferencias más notables son las omisiones en el relato de Lucas de la estrella de Belén, los reyes magos, etc., mientras que esto aparece en Mateo.

Por su lado Mateo omite el canto que los ángeles hacen a los pastores para que fueran a adorar a Cristo.

Kepler y La Estrella de Belén

El único, como ya se dijo, que menciona la estrella de Navidad o de Belén, es Mateo. Dice que la estrella precedía a los reyes magos hasta que se paro encima del lugar donde estaba el niño Jesús.
Ya en la antigüedad se defendía a la estrella como verdadera.
El teólogo Orígenes (c. 185-253) decía que estaba próxima a la naturaleza de los cometas.
Muchas hipótesis aparecieron para explicar el "milagro de la estrella de Belén", tratándolo como un fenómeno astronómico real.
Unas hipótesis apuntan al brillante planeta Venus, pero este planeta ya era conocido en aquellos tiempos, difícilmente pudo ser tomado como algo extraordinario.
Otros señalan el paso de un cometa, concretamente del Halley, pero éste ya había transitado por nuestro sistema solar el año 11 a.C., bastante antes del nacimiento de Cristo.
Los hay también que atribuyen la "estrella" a una supernova (explosión de un sol cuya brillante luz puede verse durante meses, incluso de día), pero no hay registros históricos de esa época al respecto pese a que si lo hay de novas observadas en el 135 a. C. y el 173 d. C.
La opinión más razonable y aceptada la propuso el astrónomo Johanes Kepler en 1606.
Para Kepler, la estrella de los magos no fue otra cosa que la rara triple conjunción de la Tierra con los planetas Júpiter y Saturno, estando el Sol pasando por Piscis.
En esta conjunción los planetas se ven como uno solo, los que los hace una luz muy brillante.
Los cálculos de Kepler determinaron que la conjunción se dio en el año 7 a. C., lo que resulta compatible con las fechas asignadas al nacimiento de Jesús esbozadas mas arriba.
Un evento como este se dio en 1940-41 y no se volverá a dar hasta el 2198. Kepler conocía los comentarios que sobre el profeta Daniel había escrito en 1497 Arbabanel, un sabio judío.

Según Arbabanel la conjunción de Saturno y Júpiter en la constelación de Pisis había tenido lugar cuando el nacimiento de Moisés, y tendría lugar otra vez cuando naciera el Mesías. Arbabanel creía que la liberación traída por el Mesías se efectuaría de acuerdo con el versículo (24, 17 Números) de la Biblia que dice "Y de Jacob se levantará una estrella y de Israel surgirá un cetro."

Tal vez el redactor del evangelio según Mateo no hizo más que aprovechar, con intención mítica, el suceso cósmico.

La explicación mas simple consiste naturalmente en creer que Dios creo una estrella que guiase a los Reyes Magos y una vez cumplida su misión desapareciera tan rápida y misteriosamente como había sido creada.

Pero Dios usa muchas veces para sus milagros las causas naturales, y el milagro consiste en que estas se realicen en el momento y lugar justos.

La Verdadera Historia De Papa Noel

2009-12-23T15:18:00.003-03:00

San Nicolás - Papá Noél - Santa Claus

El proceso de metamorfosis que llevo al obispo Nicolás de Asia Menor al gordinflón barbudo vestido de rojo y blanco que le trae regalos a los niños, es tan o más fantástico y apasionante que su propia leyenda.
San Nicolás nació alrededor del año 280 en Patara, una ciudad del antiguo distrito de Licia, en Asia Menor, en el sudoeste de la actual Turquía.

Era hijo de una familia adinerada y gozo de una buena educación.
A la muerte de sus padres regaló todos sus bienes y se encamino hacia la vida religiosa, ingresando en el monasterio de Sión. Fue ordenado sacerdote a los 19 años por su tío, el arzobispo de Myra, al que muy pronto sustituyo en el cargo tras su deceso.

Gran defensor de los dogmas católicos, falleció siendo arzobispo de Myra cerca del año 350. Fue llamado obispo de los niños, por su amor a los pequeños, y se hizo muy popular por su gran generosidad y amabilidad para con los mas necesitados y los niños, a quienes hizo beneficiarios de su fortuna personal. Su fama se extendió mas allá de las fronteras de su región y comenzó a ser protagonista de gran cantidad de leyendas, atribuyéndosele desde salidas nocturnas para repartir regalos entre quienes lo necesitaban, hasta milagros como el de calmar una tempestad y resucitar a un marinero egipcio.

De entre todos los relatos legendarios acerca de San Nicolás destacan una, conocida como la de las tres hermanas, es la base sobre la que se construyó el mito que le convertirá en generoso repartidor de regalos

La leyenda cuenta lo siguiente: En la ciudad de San Nicolás, Patara, había tres niñas que no se podían casar, ya que su padre estaba arruinado y no tenia dinero para sus dotes, razón por la cual el hombre había decidido venderlas a medida que alcanzaran la edad de ser desposadas.

San Nicolás se entero de esto y corrió a darle una bolsa llena de monedas de oro en secreto a la mayor, para su dote. Otro tanto sucedió con la segunda y la tercera a medida que llegaron a la edad matrimonial.

Según la leyenda san Nicolás, para mantener el secreto, tiraba la bolsa con el oro a través de una ventana y la embocaba en uno de los calcetines que la niña en cuestión colgaba para que se secase en la chimenea. A la tercera de las niñas le reconocieron, con lo que se hizo famoso por ello.

Los vikingos lo adoptaron como santo patrono, y de ellos paso a Rusia donde se convirtió en santo nacional a principios del siglo X. Pero su fama se extendió cuando sus huesos fueron robados de Myra por unos marineros que lo llevaron a la ciudad italiana de Bari, y puesto en la Iglesia de San Esteban. Apenas llegado ya empezó a obrar milagros y su fama corrió como el viento por toda Europa.

Desde mediados del siglo XIII san Nicolás repartía los regalos y juguetes durante la noche del 5 al 6 de diciembre, pero tras la Contra Reforma católica (1545-1563), surgió otro personaje, Christkind, el niño Jesús, que repartía regalos en el día de Navidad.

El avance de la tradición de los regalos del niño Jesús forzó a que san Nicolás pasara a entregar sus regalos el día 25.

La adorable misión de repartir regalos a los niños en Navidad fue adoptada por toda Europa, y el personaje encargado de hacerlo fue desarrollándose a partir de la figura básica del san Nicolás medieval mezclada con diferentes leyendas locales (como los gnomos, el padre invierno nórdico, la bruja buena italiana, y otros mas).
Así nacieron, por ejemplo, los legendarios Kolya (Rusia), Niklas (Austria y Suiza), Pezel-Nichol (Baviera), Semiklaus (Tirol), Svaty Mikulas (ex Checoslovaquia), Sinter Klaas (Holanda), Father Christmas o padre Navidad (Gran Bretaña), Santa Claus (EE.UU.), Père Noël o padre Navidad (Francia)... y otras muchas variantes del mismo mito básico.

Pero al gordinflón de barba blanca y vestido con un traje rojo ribeteado de blanco, que conduce por el aire un trineo de ocho renos transportando un saco lleno de juguetes, se lo debemos a las tradiciones holandesas y a los escritores y dibujantes de Nueva York, EE.UU.

Por aquellos días se lo representaba vestido con ornamentos eclesiásticos, con barba blanca, montando en un burro, y llevando un saco o cesta con regalos para los niños buenos y un manojo de varas para los desobedientes.

Mas tarde, hacia el siglo XVII solía llegar en un barco que se llamaba Spanje (España), con un caballo blanco, siempre acompañado de su fiel sirviente moro Zwarte Piet (Pedro el Negro), un siempre sonriente personaje que lleva un saco lleno de golosinas que es lo suficientemente grande como para que, cuando se queda vacío, pueda meterse en el a todos los niños que se han portado mal durante el año y se los llevaba a España (un castigo horrible para la época, ya que estaban enemistados con España).

Esta tradición familiar de San Nicolás traspasó el Atlántico, en el siglo XVII, junto a los colonos holandeses que fueron a instalarse en la prometedora costa este de Norteamérica.

Los holandeses fundaron Nueva Amsterdam en la isla de Manhattan, que luego seria Nueva York. En este traspaso, Pedro en Negro se quedo en el continente, ya que desaparece de los festejos posteriores.

Washington Irving amante del folclore europeo, escribió su Historia de Nueva York en 1809, en la que describe la supuesta llegada del santo cada víspera de San Nicolás. Lo describe ya sin ropas de obispo y dejo de montar un caballo blanco para llegar en un corcel volador.

Fue tan popular a raíz de este relato que todos, incluso los colonos ingleses, festejaron la celebración holandesa.

El nombre fue derivando de san Nicolás, Sinterklaas o Sinter Klaas hasta acabar siendo pronunciado como Santa Claus por los angloparlantes. Había nacido un nuevo personaje, al que todavía le faltaba para convertirse en el actual gordo bonachón.

El siguiente paso en la transformación definitiva de San Nicolás en Santa Claus ocurrió el día 23 de diciembre de 1823, cuando apareció un poema en un diario de Nueva York, titulado Un relato sobre la visita de San Nicolás.
Recién en 1862 se supo que lo había escrito Clement C. Moore, profesor de estudios bíblicos en Nueva York.
En este poema se ensalzó el componente mágico del Nicolás de Irving y lo hizo más creíble.
Cambio el trineo tirado por un caballo volador por uno tirado por renos. Lo describió como un tipo alegre, gordo y de pequeña estatura, asimilándolo a un gnomo. Y lo mas decisivo fue que Moore situó la llegada de Santa en la vigilia de Navidad, en lugar de suceder el 6 de diciembre.

Gracias a este empuje, Washington Irving creo una sociedad literaria en honor al santo en 1835.

La imagen del gordo Santa Claus la detalló al máximo el dibujante Thomas Nast, que por Navidad publicó ilustraciones de Santa Claus en la revista Harper’s de 1860 a 1880. Nast añadió detalles como su taller en el polo norte y su vigilancia sobre los niños buenos y malos de todo el mundo. Él le dio el color rojo y su vestuario de pieles.
A fines del siglo XIX y principios del XX la costumbre del san Nicolás reinventado en Nueva York, se fue extendiendo por casi toda Europa. Fundo sus bases en Gran Bretaña como Father Christmas o Padre Navidad, y de ahí pasaría a Francia bajo el nombre de Père Noël o Papa Navidad, del cual derivaría Papá Noél, como se lo conoce en España, Argentina y gran parte de América latina.
En realidad no hizo mas que readaptarse a las antiguas costumbres de San Nicolás u otros repartidores de regalos.

Pero finalmente fue la Coca-Cola la que le dio su actual aspecto en 1931. Para la campaña publicitaria de la Navidad de este año, la Coca-Cola le encargo a Habdon Sundblom que remodelara el Santa Claus de Nast.
Él creo un Santa Claus más alto, todavía más gordinflón, aunque más simpático, con un rostro bonachón, de ojos pícaros, chispeantes y amigables, con pelo cano y luenga barba y bigote, también blancos, sedosos y agradables.
La vestimenta mantuvo los colores rojo y blanco, que son los de la compañia, pero su traje se hizo más lujoso y atractivo.

Actualmente se lo hace oriundo de Hveragerdi, según los islandeses, los noruegos dicen que vive en la ciudad de Drammen, mientras que los finlandeses (la mas aceptada) juran que e nació y vive en Rovaniemi, todas estas son localidades turística.

Todos sabemos que vive en el Polo Norte con muchos duendes que lo ayudan a fabricar todos los regalos que le piden los niños del mundo, y que reparte los regalos en un trineo volador tirado por al menos 9 renos: Rudolph, Donner, Blitcher, Cometa, Cupido, Brillante, Danzante, Centella y Zorro.
Solo me queda decirles que Papa Noel son los padres.

NATACHA, "La Azafata de Vuelo”.

2008-11-18T16:36:00.003-02:00

François Walthery, hizo aparecer por primera vez a su azafata de historieta desde las páginas de la revista SPIROU allá por el año 1967.

El primer albúm se llamó, como no podía ser de otra manera, “Natacha, Azafata de Vuelo” como se demuestra a través de 40 años de personaje y de 20 álbumes, la serie ha sido un éxito.

Es de suponer que gran parte de ese éxito, sea gracias al acierto de Walthery con su creación; la inspiración para dibujar a Natacha viene de algunas de las más conocidas cantantes de la época, en especial de France Gall.

Se narraban las aventuras en la mejor línea del thriller cinematográfico de Natacha, una azafata de líneas aéreas, a la que le sucedían aventuras variadas en el tiempo en que no estaba ejerciendo su profesión.

Acción, intriga, personajes buenos, personajes malos, tiros, persecuciones, escenarios exóticos…de todo un poco para enganchar al lector a través de una historieta ágil y dinámica que atraía inevitablemente todas las miradas gracias a un estilo de dibujo magnífico y, como no, al personaje principal.

¿Quién no se dejó atrapar por esa mirada de grandes ojos oscuros, por aquellos cabellos rubios y sobre todo, por ese cuerpazo de larguísimas piernas?

Si queres leer una historieta de Natacha seguí el Link

http://www.eslabondecristal.com/Natacha_13_apostol/Natacha_13_apostol.html

Azafatas

2008-11-18T16:31:00.002-02:00

Sabés por qué llamamos AZAFATA a las auxiliares de vuelo?

Y también llamamos así a las empleadas que facilitan información o atienden al público en asambleas y congresos.

Tiene su origen en el vocablo azafate, que era una forma de denominar una ‘bandeja’ en el siglo XV.

Éste, a su vez, procede del árabe safat, ‘cestillo donde las mujeres ponían sus perfumes y otros objetos’.

Ocurre que las doncellas utilizaban este objeto mientras atendían a sus señoras, que se vestían o desnudaban en sus cámaras, sirviendo o recogiendo las alhajas y demás enseres.

Posteriormente el nombre del objeto pasó a nombrar a la persona que lo portaba.

Sabores Curvos

2008-11-18T15:27:00.004-02:00

Vivimos en tiempos de Palermización ,guitarreo y degustación.

Donde Palermo en cualquier momento llega hasta La Boca y todo el mundo es sommelier ,con chantas que no dejan de revolear sus copas, para olisquear con aire experto y revelarnos astutamente : “sabores curvos con marcadas notas de frutos del bosque, en especial cassis y buen final en boca”.

Los tipos nunca agarran la copa por el cáliz, sino por el tallo. Y en la vida, eso mucho no pasa.
Te dan ganas de decirle al de la mesa del costado “Agarrá bien esa copa, pelotudo”.

Toda ese vocabulario de que “ese vino tiene memoria de almendras...” “final voluptuosa de cerezas”,”notas a chocolate ,humo y tabaco”, “presencia de mermelada y confituras” ,”notas de duraznos blandos” ,me suena a guitarreo... ¿grosellas? ¿flores blancas? ¿vainilla?.

Meses atras, los bebedores de vino estadounidenses han tenido su turno como objeto de ridículo de la cultura popular.

En dos estudios sobre la psicología del vino, los consumidores han sido representados como ingenuos, sujetos a manipulaciones de mercadotecnistas, críticos y productores charlatanes que han envuelto al vino en misterio y una falsa sofisticación .

Uno de esos estudios fue concebido por Robin Goldstein, crítico de comida, para intentar aislar a los consumidores de la influencia externa para que simplemente pudieran juzgar al vino de acuerdo con lo que hay en la copa.

Pidió a 500 voluntarios que cataran y calificaran 540 vinos no identificados, con precios que iban desde 1.50 hasta 150 dólares la botella.

Los resultados son descritos en el libro, “The Wine Trials” (Las pruebas del vino).

Una botella de champaña de 10 dólares del estado de Washington obtuvo una mejor calificación que un Dom Pérignon, que se vende en 150 dólares la botella, mientras que Two-Buck Chuck, el cabernet sauvignon más barato de Charles Shaw de California, superó a una botella de cabernet de 55 dólares del Valle de Napa.

“Cien vinos que cuestan menos de 15 dólares superaron consistentemente a sus primos finos”, señaló el artículo.

El libro demuestra que lo que les gusta a los bebedores novatos es diferente de lo que les agrada a los expertos en vino. Los expertos prefirieron el Dom Pérignon.

En un segundo experimento, del Instituto de Tecnología de California y la Escuela de Negocios de Stanford, en California, demostraron que entre más caro creen los consumidores que es un vino, más probable es que sientan placer al tomarlo.

Los investigadores escanearon los cerebros de 21 novatos del vino voluntarios mientras bebían pequeños sorbos de vino. A los participantes se les informó sólo el precio de las botellas. Sin saberlo, cataron un vino dos veces, y se les dio dos precios diferentes.

Invariablemente, prefirieron el que pensaban que era más caro.

La correlación entre precio y calidad es tan poderosa que afecta no sólo nuestra percepción del vino, sino de todos los bienes de consumo.

Michael Rolland, es el más brillante “consultor de vinos” que recorre viñedos del mundo. Dueño de un gran histrionismo, Rolland aconseja a todos con sus dotes de doctor y terapeuta (de vinos).
Otro gran personaje es el periodista norteamericano Robert Parker, la indiscutida voz de la crítica internacional de vinos, que con una olida de su nariz puede hundir o salvar cualquier bodega del mundo.

Parker vive en una mansión de Maryland (Estados Unidos), cuidando su nariz y su paladar asegurados por un millón de dólares.
El francés Rolland y el norteamericano Parker, son íntimos amigos desde hace más de ocho años .
La feliz amistad entre Rolland/Parker dice operar sólo guiado por el gusto propio (y ajenos al juicio del otro).

Sin embargo, es admirable cómo ese gusto termina resultando sorprendentemente coincidente. Haciendo cada uno su trabajo con intachable honradez, la tarea sumada puede lograr por ejemplo que una botella producida en una bodega cualquiera se dispare de 35 a 110 euros.

Sólo hace falta contar con el asesoramiento adecuado (materia en la que, casualmente, Rolland es el capo) y la máxima puntuación de la revista Wine Spectator (para la que, casualmente, escribe Parker).

Mientras tanto, los consumidores se enfrentan con la impenetrable jerga del vino: la revista Wine Spectator recientemente evaluó un tinto argentino como “oscuro y suntuoso, con muchas notas de pan de higo, moca, ganache, ciruela pasa y arcilla. Su textura se mantiene fina al final, con toques persistentes de salvia y de aromas tostados”.

Rolland asesora a 15 bodegas del pais y cuenta con la simpatía de Marina Beltrán, directora de la Escuela Argentina de Sommeliers por colocar a Argentina en el mapa del vino en el mundo.

Les recomiendo el documental Mondovino
Ah ¡¡¡¡¡¡y no se olviden de los taninos!!!!!!!!!!!!

Fuentes:Eric Asimov,Newsweek

Juegos Olimpicos - Beijing 2008

2008-08-05T15:52:00.002-03:00

Rémi Gaillard Es un bromista francés que ahora se la agarro con los Juegos Olimpicos,que a decir verdad sacados de su contexto(estadios,pistas,canchas)quedan bastantes ridículos.

http://es.youtube.com/watch?v=S4ZO2FD4pNA

Salvador Dalí

2008-08-03T01:44:00.002-03:00

... Es el buen gusto y solamente el buen gusto, lo que tiene el poder de esterilizar y es siempre, el principal impedimento para la creatividad ...

... El termómetro del éxito no es más que la envidia de los descontentos ...

... El primer hombre que comparó las mejillas de una muchacha con una rosa, era obviamente un poeta, el primer hombre que lo repitió, posiblemente era un idiota ...

... A la edad de seis años quería ser cocinera y a los siete quería ser Napoleón, desde entonces, mi vanidad no ha dejado de crecer ...

"Olvidando a Velázquez", Las Meninas de Picasso

2008-08-03T01:09:00.003-03:00

Las Meninas de Picasso

A mediados de los años 50 Pablo Picasso comienza a realizar estudios de algunos pintores clásicos y realiza "series" de grandes cuadros de la historia del arte.

Entre otras obras famosas elige "Las Meninas" de Velázquez realizando una serie con más de 50 versiones.

Al comparar "Las Meninas" de Velázquez y Picasso constatamos múltiples cambios. De primera vista nos llama la atención que Picasso cambió el formato del cuadro.

El pintó "Las Meninas" en formato horizontal y no en vertical como el original. Así consigue incluir más elementos narrativos y nuevos personajes, retratos de Jacqueline Roque, su mujer en aquellos momentos, y también unas palomas. Lo que queda obvio en el cuadro es su admiración por Velázquez. La figura del pintor en el cuadro de Picasso es enorme, va desde el suelo hasta el techo.

El pintor resulta ser el tema principal de "Las Meninas" de Picasso para quien es más importante el pintor que su obra por muy excepcional que sea.

Michel Leiris, en el catálogo de la primera exposición de la serie de "Las Meninas" observa que Picasso "se ha instalado" en el cuadro de Velázquez, que él mismo vive en el ambiente del palacio real y lo llena con sus objetos domésticos.

Las Meninas de Velázquez

2008-08-03T00:52:00.002-03:00

El cuadro "Las Meninas" es uno de los cuadros más famosos de la pintura española y la obra cumbre del pintor Diego Velázquez.

Lo pintó en el año 1656 y durante 200 años se llamó "La familia de Felipe IV". En 1843 fue designado con el término "Las Meninas". Con el nombre portugués de "menina" (muchachita) se denominaba en la Corte a las "doncellas de honor". La fama del cuadro se debe a la sensación de profundidad que transmite.

Esta profundidad está determinada por la luz y por las íntimas conexiones de los personajes con el ambiente que les rodea. En el cuadro se cruzan tres niveles interdependientes: lo real, lo pintado y lo reflejado. En la realidad los Reyes (Felipe IV y Mariana Austria) se encuentran delante de la escena y miran como Velázquez está pintando el cuadro. Sus imágenes se reflejan en el espejo iluminado en el fondo de la obra. El cuadro mismo reproduce el acto de la pintura ya que Velázquez figura con su paleta delante del lienzo.

Los personajes de "Las Meninas"

En el centro del cuadro se encuentra la Infanta Margarita, hija del rey Felipe IV y de su segunda mujer Mariana de Austria.

Cuando Velázquez pintó "Las Meninas", la Infanta Margarita tenía cinco años. A pesar de su corta edad ya iba vestida con la moda típica de la corte española del siglo XVII. Bajo el vestido, la Infanta llevaba un armazón de mimbre llamado guardainfantes que ahuecaba las faldas abultando las caderas.

Ante la Infanta se arrodilla la menina María Agustina Sarmiento ofreciéndole una jarrita de agua. Ella es hija del Conde de Salvatierra y se casará con el Conde de Aguilar. La segunda menina a la derecha es Isabel de Velasco, hija del Conde de Fuensalida que morirá soltera.

A su lado se encuentran la enana Mari Bárbola (quiza apellidada Asquín) de origen alemán y el enano Nicolás Pertusato que pisa un perro, un mastín cuyo nombre desconocemos. La presencia de enanos era frecuente en la Corte ya que se les atribuía el don de la profecía.

Más atrás se encuentran Marcela de Ulloa, viuda de Diego de Peralta, señora de honor y guardadamas así como un guardamujer que se ha identificado con Diego Ruiz de Ancona, albacea testamentario de Velázquez. En los peldaños de la escalera está José Nieto y Velázquez, aposentador como Velázquez pero no emparentado con él.

A la izquierda aparece Diego Velázquez, como pintor de la casa del rey, trabajando ante un gran lienzo. La figura de Velázquez tiene una extraordinaria importancia en el cuadro. Se alza sobre los demás sosteniendo el pincel en la mano izquierda y la paleta en la mano derecha. Velázquez había adquirido en 1652 el más alto cargo que podía conseguir un hombre no noble de Palacio.

Se ha subrayado que él ennoblece el oficio de pintor no sólo al autorretratarse, sino al representarse directa e indirectamente junto a la familia real. De su cintura cuelga una llave, atributo del aposentador de palacio, como una insignia más. Así muestra Velázquez su ascenso social que tanto deseaba.

Guernica - Lecturas

2008-07-02T15:35:00.002-03:00

Guernica como Personaje

Picasso Dibujos

Guernica Irak

Pablo Picasso - Guernica

2008-07-02T14:43:00.004-03:00

El Gobierno de la República Española encargó a Picasso un cuadro que decorara el Pabellón Español durante la Exposición Internacional de 1937 en París.

El contexto histórico del encargo es la guerra civil española, y la participación en la Exposición da la oportunidad de mostrar al mundo esa guerra.

Sin embargo, Picasso no tiene claro el cuadro, el tema…. Pero se producirá un hecho que se convertirá en el detonante de esta obra maestra:

El 27 de abril de 1937 se informó de que la ciudad de Guernica había sido arrasada por diversas bombas de hasta media tonelada y que la gente había muerto por las ametralladoras de los cazas.

“ La aviación alemana – la legión Cóndor – colaborando con el ejército de los nacionales bombardea a las tres de la tarde, en un día de mercado, la ciudad vasca de Guernica. Es el primer experimento de constatar los efectos de la guerra entre la población civil….”

Picasso, al enterarse, decide tomarlo como tema de un cuadro, empezó el 1 de mayo de 1937, el 8 de mayo se introdujo la madre y el caballo y el 11 de mayo empezó en el lienzo definitivo hasta el 4 de junio.

En poco más de un mes, realizando cientos de bocetos, dibujos etc., lleva a cabo esta obra al óleo de casi 8 metros por 3,5 m ( 3,57 x 7,82).

Ha pasado a ser una obra fundamental.

Breve Analisis

La austeridad cromática conviene al tema del cuadro. La primera imagen que Picasso recibió del bombardeo fue a través de los periódicos franceses, lo que propicia la teoría de que interiorizó el horror que ello supuso, reflejándolo con tonos negros y blancos.

Con un estilo personal, sus figuras, símbolos de la tradición colectiva española, deformadas y reinterpretadas por Picasso se convierten en símbolos del dolor, la fuerza, el sufrimiento, el pánico.

Al ver el cuadro lo primero que nos impresiona es su tamaño, es inmenso y ante esa amalgama de figuras, la falta de color, el protagonismo del negro nos sentimos un poco perdidos y buscamos la única referencia que tenemos del cuadro, “ Guernica”, pero por más que buscamos no hay nada, ningún elemento identificativo que haga referencia a ese pueblo concreto, al árbol de Guernica, a la guerra civil, a España…. Puede ser cualquier pueblo o ciudad de cualquier parte del mundo.

Pero en ese andar de nuestra mirada por el lienzo hemos ido descubriendo un orden en la composición, esta concebido como un gran tríptico: a la derecha la mujer que grita entre las llamas, en el centro el caballo, a la izquierda la maternidad doliente, además en la parte central hay un a estructura triangular marcada a la izquierda, por los perfiles de las figuras y a la derecha, por la luz que viene desde esa especie de fachada puerta que hay debajo del tejado.

La compartimentación, las deformaciones en piernas, pies, manos, cuellos, rostros… no hacen mas que acentuar la expresión de terror y caos

Imagenes en 3D

Una Mirada

Iniciando la lectura del cuadro por la derecha:
La mujer que levanta los brazos y se estira intentando escapar de las llamas que la consumen, del incendio provocado por el bombardeo, su rostro se convierte en un grito de espanto, de pánico, por debajo de ella, la pierna deforme de otra mujer que se arrastra y torsiona su cuerpo hacia otra mujer, una figura fantasmal que se está incorporando a la escena desde fuera, a través de esa ventana estrecha que le aprisiona los pechos, ya en la parte central, el candil compite con la bombilla - ojo, la luz que ilumina los acontecimientos, pero en este caso es una luz que no ilumina la escena, sino que queda encerrada en una elipse que esta rematada por cuchillos finamente afilados, la bombilla es una “bomb….”

En línea con la bombilla el toro, enérgico y monumental, torsionado hacia delante, puede ser símbolo de muchas cosas: la piel de toro símbolo de España y del pueblo español, o de la agresividad y del fascismo, independientemente de su significado el toro mira al espectador, puede ser el elemento acusador, nosotros espectadores formamos parte de ese género humano racional que ha provocado este caos y destrucción.

Por debajo del toro, la maternidad doliente, sus pechos caen fláccidos, ya no tienen razón de ser, su cara se ha convertido en un grito, sus ojos en dos lágrimas, su lengua en un punzón acerado, no es sólo una mujer de Guernica que ha perdido a su hijo sino que se convierte en símbolo de todas las madres que pierden a sus hijos en las guerras, puede ser una madre Palestina, hebrea, iraquí, madre de los vencidos y también de los vencedores muertos.

Detrás, sobre una mesa una paloma, también herida de muerte, que pía.
Por debajo de la maternidad, el guerrero, que sirve de nexo con la parte central y de base de todo el lienzo, despedazado, con el brazo seccionado, pero, a pesar de ello su mano sigue agarrando firmemente la espada, un arma de otra época, que también está rota.

Y encima el caballo que destripado, lanza un relincho brutal y sus ojos se convierten en dos tachuelas, es como si nos quisiese mostrar que ni siquiera los seres irracionales pueden comprender lo que ocurre a su alrededor

En medio de todo el caos, junto a la espada rota aparece una flor, ¿ todavía queda la esperanza? De la muerte surge la vida, la flor es pequeña, pero nace casi de la espada, es como si nos dijese que esas armas rotas deberían convertirse en arados.

Hay otro elemento que despierta la esperanza: la luz del candil de aceite, el mundo tradicional traído por una mujer que rompe el ámbito tenebroso del cuadro, es la luz tradicional frente a la luz industrial, la otra mujer ha visto la luz y se dirige hacia ella con un gesto concentrado y expectante.

El Guernica no es sólo un testimonio del bombardeo, ni de la guerra civil española, es algo más, es un alegato contra la barbarie, contra cualquier guerra. La ausencia de color, el negro subraya la muerte y la destrucción de los seres vivos, incluso de la civilización.

Fue voluntad del autor que esta obra suya estuviera en el Museo del Prado, pero nunca se llevó a cabo tal petición. Actualmente se encuentra en exposición permanente en el Museo Reina Sofía en Madrid, España.

Bateria 2

2008-05-22T15:42:00.002-03:00

Virgil Donati

Mike Portnoy - Métricas Irregulares

Mike Portnoy - Métricas Irregulares 2

Bateria

2008-04-03T14:24:00.002-03:00

La batería nace a principios del siglo XX originalmente con el nacimiento del Jazz, pese a que algunos de sus componentes ya existían por separado con anterioridad, ya sea en el uso de orquestas o en desfiles militares.

A lo que denominamos batería, dio a luz por primera vez en Estados Unidos, lo curioso de esto es que ningún componente es originario de este país.
La caja y el bombo nacieron en Europa, los platillos de Turquía y China y los toms de África.

El primer bombo de pie fue comercializado por Ludwig en 1910. En sus comienzos los parches eran de piel de animal.

En 1920 aparecen los primeros tones afinables.
Entre 1930 y 1950 aparece el pie de hit hat que hace variar el rumbo de la interpretación del instrumento.

En 1960 se le agrega un tom mas y el doble pedal de bombo fue inventado.
En la actualidad existen diversos tipos de platillos, diferentes medidas de bombo, toms, etc.

Despues de esta breve introduccion de historia,debo confesar que mis favoritos son los bateristas de jazz y rock progresivo(cosas de la edad).

Dave Weckl, Vinnie Colaiuta, Steve Gadd

King Crimson con Bill Bruford - Waiting Man

Version de Squonk de Genesis

Version de Something Got Me Started de Simply Red

La Ultima Cena

2008-03-20T18:50:00.001-03:00

Felices Pascuas

Delikatessen 8 , David Bowie - "Hearts Filthy Lesson"

2008-03-09T18:44:00.000-02:00

"Hearts Filthy Lesson" es una canción de David Bowie, del album “Outside” de 1995. La falta de un apóstrofe en el título es deliberada.
Bowie utiliza un sonido industrial y un bajo machacante que marca el carácter tragico del tema.

La canción también tiene el propósito de enfrentarnos con la propia percepción que se tiene de la creación y la degradación del arte: a raíz de este tema, el video muestra a un montaje de estilo art-mutilaciones sangrientas y objetos de arte .

Curiosamente, el vídeo parece acentuar un cierto tópico sobre el Sida
La letra de la canción puede interpretarse que la "sucia lección " "en la sangre" "recae sobre oídos sordos", tomando nota de la progresión de la enfermedad a través del tiempo ( "Estoy ya cinco años mayor / Estoy Ya en mi tumba ") en la debilidad (" ¿Van a llevarme ? "), Y lamentando que" he perdido mi camino "en un" abismo de muerte, "la pérdida de la vida (" si sólo hay algún tipo de futuro "), E instando a los oyentes a" contarles a los demás ", en espera de aumento de la sensibilización.

El vídeo muestra imágenes: un hombre empujando agujas hipodérmicas a través de la piel de la frente, en referencia a los usuarios de drogas que comparten agujas; una mujer derramar la leche , pintura, (o algún otro líquido blanco) en sus labios y cara, simulando un facial

En vivo 1995

Se convirtió en tema de culto al aparecer en los titulos de cierre de la película Seven de David Fincher

Delikatessen 7,Genesis - Firth Of Fifth

2008-03-09T17:57:00.001-02:00

Firth Of Fifth (en castellano "Quinto Fiordo") es una canción épica grabada en 1973 del grupo inglés Genesis, en el album Selling England By The Pound. .

Su título es un juego de palabras acerca del estuario en el río Forth en Escocia, comunmente llamado Firth Of Forth (en castellano el "Fiordo de Forth").

Genesis 1977

Aunque "Firth of Fifth" se le acredita a toda la banda, Tony Banks afirmaría posteriormente que la mayor parte de la música fue desarrollada a partir de sus propias ideas (la flauta y el solo de guitarra son interpretaciones de una melodía que Banks escribió en el piano).

Las primeras líneas de la canción dicen "El sendero está despejado, aunque ningún ojo pueda ver", lo que parece encarnar el contenido de la totalidad de las letras de la canción.

Se convirtió en favorita, principalmente por el solo de guitarra de Steve Hackett en la sección instrumental, posiblemente uno de los mejores que haya realizado utilizando el pedal de volumen. Este solo, acompañado por una batería potente, un bajo enérgico y el melotrón, le dieron a la canción su alma y constituyeron el climax emocional en muchos conciertos de Genesis.

Ese solo.....

Hackett también ha interpretado la misma sección en medleys a lo largo de su carrera como solista y grabo una versión en su álbum "Genesis Revisited", desplazando el climax musical al insertarle un interludio de guitarra clásica y un puente orquestal.

Peter Gabriel solía contar, en el escenario, una historia antes de la interpretación de la canción.

La historia hablaba de un grupo de viajeros quienes se están muriendo de sed y se encuentran con un grupo de cadáveres. Debido a que el cuerpo humano está compuesto del 75% de agua, comienzan a saltar sobre los cadáveres para tratar de extraerles el agua por la boca. Sin embargo, pronto se dan cuenta que gastaban más energía al intentar extraer el agua de los cuerpos de la que podrían recibir.

Un escoces que se encontraba en el grupo es el que se da cuenta de esto al dejar de saltar sobre el quinto cuerpo, y debido a que era escocés, llamaba "Fiordo" a la boca.

Entonces se trataba de "el Fiordo del Quinto cuerpo", aunque esta historia no parece tener relación con las letras de la canción.

Un hecho que puede resultar desconcertante es que la letra hace referencia a personajes mitológicos del agua, tales como Neptuno u Ondina.

Los integrantes del grupo que estudiaron en el colegio Charterhouse, tuvieron la mejor educación que se pueda tener en Inglaterra acerca de historia y mitología, y esto lo utilizaron ampliamente en sus canciones. A diferencia de otros grupos de rock progresivo de la época (como Yes o King Crimson) que basaban sus letras principalmente en el misticismo, Genesis las basaba en historia o mitología, creando las letras más complejas jamás escritas para una canción.

Esto, junto con las referencias mitológicas que posee hacen que se trate de una canción muy intrigante.

La última línea al final de las letras dicen "el río de constante cambio". Este es uno de los muchos acertijos mitológicos de Genesis, este en particular parece encajar muy bien en el álbum "Selling England By The pound".

Se refiere a Heráclito, quien pensaba que no puedes pararte en el mismo río dos veces. Su esposa dijo que por supuesto que puedes, suponiendo que corras a la misma velocidad de la corriente. Él intentó esto y se ahogó.

J.L.Borges,Anécdotas

2008-01-07T19:30:00.000-02:00

Durante la dictadura militar alguien le comenta a Borges que el general Galtieri, presidente de la República en ese momento, ha confesado que una de sus mayores ambiciones es seguir el camino de Perón y parecerse a él. "¡Caramba! -interrumpe Borges- es imposible imaginarse una aspiración más modesta".

Borges firma ejemplares en una librería del Centro. Un joven se acerca con Ficciones y le dice: "Maestro, usted es inmortal".
Borges le contesta: "Vamos, hombre. No hay por qué ser tan pesimista".

Roma, 1981. Conferencia de prensa en un hotel de la Via Veneto.
Además de periodistas, están presentes Bernardo Bertolucci y
Franco María Ricci. Borges, inspirado, destila ingenio. Llega la última pregunta. "¿A qué atribuye que todavía no le hayan otorgado el Premio Nobel de Literatura?"
- "A la sabiduría sueca".

En una entrevista, en Roma, un periodista trataba de poner en aprietos a Jorge Luis Borges. Como no lo lograba, finalmente probó con algo que le pareció más provocativo: "¿En su país todavía hay caníbales?"
- "Ya no - contestó aquél -, nos los comimos a todos."

En plena Guerra de las Malvinas, opinó que "la Argentina e Inglaterra parecen dos pelados peleándose por un peine" y que "las islas habría que regalárselas a Bolivia para que tenga salida al mar".

Sobre la situación de la literatura argentina, Córdoba Iturburu, que la presidía, inquirió a los gritos: "¿Y qué vamos a hacer por nuestros jóvenes poetas?" Desde el fondo llegó otro grito, éste de Borges: "¡Disuadirlos!"

En la pausa de un acto cultural, el novelista Oscar Hermes
Villordo acompañó a Borges al baño, situado en un primer piso al que se llegaba por una empinada escalera de madera. Cuando volvían, Villordo notó que Borges descendía los escalones demasiado rápido y, temiendo lo peor, le preguntó:"¿No deberíamos ir más despacio?" "Pero no soy yo - aclaró Borges -, es Newton."

Borges charla con Antonio Carrizo, en un bar. Por la radio del local se anuncia un tango con letra de León Benarós, amigo de Borges. El locutor propone escucharlo y el escritor acepta.
Cuando el tango termina, Carrizo le pregunta qué le pareció. Borges
mueve la cabeza y dictamina, muy preocupado: "Esto le pasa a Benarós por juntarse con peronistas".

El poeta Eduardo González Lanuza, uno de los introductores del ultraísmo en la Argentina y gran amigo de Borges, descubre a éste en Florida y Corrientes, solo, con su bastón, esperando para poder cruzar. Lo toca y le dice: "Borges, soy González Lanuza".
El vuelve la cabeza y, después de unos segundos, contesta: "Es probable".

En Maipú y Tucumán, un grupo de adictos a Isabel Perón descubre a Borges y lo sigue unos metros, insultándolo. Al ingresar en su casa, un periodista le pregunta cómo se siente. "Medio desorientado - manifiesta -. Se me acercó una mujer vociferando:
¡Inculto! ¡Ignorante! "

Un joven poeta se acerca a Borges en la calle. Deja en manos
del escritor su primer libro.Borges agradece y le pregunta cuál es el título. "Con la patria adentro", responde el joven. -"Pero qué incomodidad, amigo, qué incomodidad".

El escritor argentino Héctor Bianciotti recuerda una de las
tantas salidas elegantes de Borges, cuando le incomodaban los halagos de la gente: Ocurre en París, en un estudio de televisión.
-"¿Usted se da cuenta de que es uno de los grandes escritores del siglo?", lo interrogan.
-"Es que este", evalúa Borges, "ha sido un siglo muy mediocre".

Una mañana de octubre de 1967, Borges está al frente de su
clase de literatura inglesa. Un estudiante entra y lo interrumpe para anunciar la muerte del Che Guevara y la inmediata suspensión de las clases para rendirle un homenaje . Borges contesta que el
homenaje seguramente puede esperar. Clima tenso. El estudiante insiste: "Tiene que ser ahora y usted se va". Borges no se resigna ygrita: "No me voy nada. Y si usted es tan guapo, venga a sacarme del escritorio". El estudiante amenaza con cortar la luz. "He tomado la precaución", retruca Borges, "de ser ciego esperando este momento".

A principios de la década de los setenta, el escritor y
psicoanalista Germán García invita a la Argentina a Daniel Sibony,matemático y psicoanalista francés. Sibony quiere conocer a Borges.
Al encontrarse, el francés le pregunta en qué idioma desea hablar.
"Hablemos en francés", propone Borges, y justifica: "Dicen que la lengua francesa es tan perfecta que no necesita escritores.
A la inversa, dicen que el castellano es una lengua que se desespera de su propia debilidad y necesita producir cada tanto un Góngora, un Quevedo, un Cervantes".

Una revista de actualidad reúne a Borges con el director técnico César Luis Menotti. "Qué raro, ¿no? Un hombre inteligente y se empeña en hablar de fútbol todo el tiempo", comenta Borges más tarde.

En 1983, un periodista de La Nación pide a Borges su opinión
sobre la Guerra de Malvinas. "Absurda", define Borges. "Estoy triste, muy triste. Mandaron a esos pobres muchachos de veinte años a morir al sur. Tener veinte años y pelear contra soldados veteranos es algo atroz, inconcebible. Solamente en el crucero General Belgrano murieron cientos. Claro que los militares dirán que al lado de los desaparecidos esa cifra no es nada, pero no creo que
les convenga ese argumento. No, no les va a convenir..."

El 10 de marzo de 1978, en la Feria del Libro, Borges se cruza con un escritor al que quiere y respeta: Manuel Mujica Lainez.
Se abrazan e inician una conversación que es interrumpida una y otra vez por los cazadores compulsivos de firmas. "A veces", se queja Borges, "pienso que cuando me muera mis libros más cotizados serán aquellos que no lleven mi autógrafo."

En 1975, a los 99 años, muere Leonor Acevedo de Borges, madre del escritor. En el velorio, una mujer da el pésame a Borges y comenta: "Peeero... pobre Leonorcita, morirse tan poquito antes de cumplir los 100 años. Si hubiera esperado un poquito más...".
Borges le dice: "Veo, señora, que es usted devota del sistema decimal".

Borges y un escritor joven debatiendo sobre literatura y otros temas. El escritor joven le dice: "Y bueno, en política no vamos a estar de acuerdo, maestro, porque yo soy peronista". Borges contestò: "Còmo que no? Yo tambièn soy ciego".

Breve Historia de Estados Unidos de America

2007-12-21T14:37:00.000-03:00

Theremin

2007-12-09T02:34:00.000-03:00

Lev Sergeievitch Termen el inventor del Theremin , nació en Leningrado (actual San Petersburgo) en 1896.

La mayor parte de los theremines consisten en un gabinete del cual salen dos antenas, una hacia arriba y una hacia la izquierda (desde el punto de vista del ejecutante).

La música se produce cuando el intérprete mueve las manos en las proximidades de las antenas, pero sin tocarlas. Una de las antenas controla el tono del sonido, mientras que la otra maneja el volumen.

El funcionamiento del theremin es tan simple que parece una broma.
Termen lo describe de la siguiente manera: "Se obtienen fácilmente sonidos de tono variable utilizando una corriente alterna de frecuencia también variable.

Se coloca una pequeña varilla vertical a modo de antena, lo que genera ondas electromagnéticas de muy débil intensidad alrededor de la misma. Estas ondas tienen una longitud y una frecuencia definidas: la aproximación de una mano, que es un conductor eléctrico, altera la configuración del campo electromagnético que rodea a la antena, cambia su capacitancia y, por lo tanto, afecta la frecuencia de la corriente alterna generada en el instrumento.

De esta manera, se produce una suerte de ´toque invisible´ en el espacio que circunda la antena, y, de la misma manera en que en un cello la presión de un dedo sobre la cuerda produce un sonido tanto más agudo cuanto más se acerca el dedo al puente, en el theremin el tono se incrementa cuanto más se acerca la mano a la antena.

Del mismo modo, la intensidad del tono cambia al aproximar una mano a la otra antena, de forma circular, alrededor de la cual se forman ondas electromagnéticas siguiendo el mismo principio. La aproximación de una mano produce un cambio en la intensidad de la corriente alterna que produce el tono.

Así, levantando la mano por encima de la antena horizontal en forma de anillo la nota crece en volumen, mientras que bajando la mano por debajo de ella se hace más débil, hasta morir en el medio del más suave pianissimo".

El theremin fue mostrado al público en general en la Feria Industrial de Moscú de 1920 y, poco más tarde, se fabricaron 600 instrumentos por orden de Lenin, que, para esa época, ya estaba tomando clases de theremin con el propio Termen.

El theremin es el primer instrumento musical electrónico del mundo, décadas antes de que a Moog se lo ocurriera fabricar un sintetizador.

Bandas que usan y han usado theremines en sus discos: Gary Numan, Radiohead, Alice Cooper, Rolling Stones, Beach Boys, Kitaro , Blur, Marillion (en "Cannibal surf babe"), Elvis Costello, King, Talking Heads, el mismísimo Led Zeppelin (en su tema "Whole lotta love"), Marilyn Manson, Nine Inch Nails, Pink Floyd (en su disco "Meddle"), Jean-Michel Jarre y Babasónicos.

Jean Michel Jarre - Oxygene 10 en Moscú

ReacTable

2007-12-09T01:48:00.000-03:00

Las nuevas tecnologías nos traen nuevos instrumentos para crear música.

Es este el caso de Reactable, un nuevo instrumento musical electrónico, diseñado por un grupo de investigadores de la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona.

Básicamente Reactable es una mesa que funciona como una pantalla touchscreen multipunto, en la cual interactúan varias fichas (movidas por uno o varios operadores locales o remotos, de ahí lo “colaborativo”) las cuales simulan los distintos módulos de un sintetizador.

Sobre la mesa se proyectan la estructura y características básicas del sonido, de un modo intuitivo, lo que permite que este instrumento sea facilmente aprendible, incluso por niños.
El software sobre el cúal trabaja Reactable, es open source.

Una de las primeras artistas que han tenido acceso a la Reactable, ha sido la islandesa Björk, la cual ha incluido este nuevo aparato dentro de sus presentaciones del disco Volta.

ReacTable
Demostración

Bjork
Hyperballad,Glastonbury,2007

Des Femmes Fatales - Carla Bruni

2007-12-08T17:15:00.000-03:00

Carla Bruni, (Turín, 23 de diciembre de 1968),a los 5 años fue por primera vez a París y se crió en Francia y Suiza.
Comenzó a estudiar arquitectura, pero lo dejó a los 19 años para convertirse en modelo, a pesar de que no le hacía falta por ser la heredera de una gran fortuna.
Desfiló para las firmas más importantes de Alta costura y puso fin a su carrera de modelo en 1997.

Su primer disco Quelqu'un m'a dit fue editado, en 2002, sin campaña de promoción.
Cuatro años después del gran éxito de Quelqu'un m'a dit, que vendió dos millones de ejemplares en todo el mundo, Bruni regresa con No Promises, una colección de canciones en inglés cuyas letras son poemas de poetas del Siglo XX como William Butler Yeats, Wystan Hugh Auden, Emily Dickinson, Christina Rossetti, Walter de la Mare y Dorothy Parker.
"Nunca tuve la intención de adaptar poesía pero cuando leí esas obras me dije ¡tengo que cantarlos!".

¿Por qué una italiana que creció en Francia saca un disco en inglés? Ella explicó que no quería que se la encasillara en la "chanson francesa".

"Estoy influenciada por las canciones tradicionales francesas pero también por el pop anglosajón . Pasé mucho tiempo de mi vida escuchando tanto a Brassens como a The Beatles. En mi adolescencia estaba totalmente hipnotizada por Bob Dylan y Leonard Cohen. Entonces cuando me siento a componer mis influencias están mezcladas, hay francés, inglés e italiano".

Carla Bruni - Quelqu'un m'a dit

Des Femmes Fatales - Charlotte Gainsbourg "5:55"

2007-12-08T16:58:00.000-03:00

Charlotte Gainsbourg, (Londres, 21 de julio de 1971), actriz y cantante francesa, hija de Serge Gainsbourg y Jane Birkin.

Su primera interpretación aparece en el disco de Serge Gainsbourg, Love on the beat, en 1983, donde cantan el dueto Lemon incest.

En 1986, saca el álbum Charlotte for Ever en el que asumiendo una adolescencia difícil , canta canciones para provocar.
No vuelve a cantar en 8 años hasta que se embarca en la aventura de Enfoirés, cantores de les Restos du Cœur.

Vuelve en 2001 con les Restos du Cœur en 2001 : L'odyssée des Enfoirés, y en 1996, participa en la banda sonora de Love, etc.
En 2000, aparece en Music de Madonna al principio de What it feels like for a girl, que contienen parte de lo que dijo en la película The Cement Garden.
Hizo un dúo en If con Étienne Daho, en su álbum Réévolution (2003).

En 2005, participó en la banda sonora de L'un reste, l'autre part, con una canción con el mismo título.
En 2006 sale "5:55" en colaboración con el grupo Air, Jarvis Cocker, Nigel Godrich, Tony Allen, David Campbell y Neil Hannon de The Divine Comedy.

Aviones,Mentiras y Video.

2007-11-30T00:21:00.000-03:00

Desde los trágicos sucesos del 11S de 2001, Internet ha sido un hervidero de noticias, reportajes, leyendas urbanas o artículos de opinión que ponían en duda la versión oficial de los ataques a Washington y Nueva York.

En cualquier caso, cuestionar el modus operandi y la propia autoría de un hecho que prácticamente todo el mundo vio por televisión más o menos en directo parece arriesgado.
Los medios son cada día más incapaces del análisis profundo de los hechos y se han convertido en meras correas de transmisión de los gabinetes de prensa de las administraciones o las grandes corporaciones.

Así las cosas todos vimos con nuestros propios ojos lo que sucedió y casi simultáneamente oimos miles de declaraciones oficiales de condena, repulsa y “explicación” de los hechos que nos han hecho asociar en nuestra mente ambos aspectos de un mismo hecho noticiable que, a priori, pueden o no estar directamente relacionados.

Como explicitaba Fromm en su ensayo “El miedo a la libertad”, luchar contra la opinión imperante, interiorizada cual dogma de fe es, cuando menos,dificil.

Exige grandes dosis de esfuerzo y tiempo para recopilar, seleccionar, leer y analizar información que pueda ayudar a formarnos una sólida opinión.

Pero sobre todo, exige una actitud mental que, usando la duda continuamente como método de trabajo, modifique nuestro acercamiento a la realidad de una manera abierta, liberándonos de los prejuicios y ataduras del modelo de propaganda imperante en los media.

Sabemos que dos aviones chocaron contra las Torres Gemelas del WTC.
También sabemos que, presumiblemente, otro avión impactó contra un ala del Pentágono y que otro cayó en Pensilvania en extrañas y contradictorias circunstancias.

Parece igualmente demostrado que una serie de ciudadanos árabes tomaron clases de vuelo y dejaron una serie de ineludibles pruebas de su fiiación e intenciones.

Sólo la red Al-Qaeda de Bin Laden tenía suficiente infraestructura para perpetrar unos atentados de esta naturaleza, por lo que las sospechas se dirigieron desde las primeras horas contra esta organización y Afganistán.

El desenlace final es de sobra conocido. Este país es destruido por enésima vez, las víctimas civiles de esta desigual guerra sobrepasan con creces las del World Trade Center… pero el Mullah Omar y Osama Bin Laden siguen vivos y dirigiendo sus odios hacia el occidente cristiano.

Norteamérica vive aterrada por la posibilidad de réplicas del 11S.
Cuando el miedo decae, las autoridades se encargan de recordar la amenaza o la inminencia de nuevos ataques a edificios de viviendas, a centros financieros, etc.

Los estadounidenses aceptan gustosos recortes a sus derechos civiles a cambio de seguridad.

Pero detrás de tanta evidencia subyacen multitud de preguntas, dudas y cuestiones insatisfechas.
Este video tal vez sea la respuesta que estábamos esperando.

Delikatessen 6,Mozart

2007-11-22T09:45:00.000-03:00

Mitsuko Uchida
Mozart,Piano Concerto #20- Romanza

Erika Miklosa
Como La Reina de la Noche,"Der Hölle Rache",La Flauta Magica

Mozart " Eine kleine Nachtmusik" Allegro

Flaneur

2007-11-22T09:13:00.000-03:00

Walter Benjamin, define la figura del flaneur: el viajero contemplador y reflexivo que disfruta a su manera del paisaje, el sujeto que erra lentamente por las calles, que se entrega ociosa, imaginativamente, sin un plan prefijado, a lo que le ofrece el destino.

Tengo para mí que es una buena forma de viajar esta vida , lanzarse azarosamente a la promesa de ese destino sin las tiranías de los horarios, las rutinas, abandonarse a la posibilidad de una revelación —espiritual, sensorial, educativa— que quizás aparezca o quizás no, pero siempre con la consigna de dejarse llevar por lo que los sueños le han dicho a ese viajero.

Existe otra forma de viajar la vida que tiene lo suyo y no es desdeñable: son los que odian la imprevisión, la falta de un orden, el viaje caótico; algunos de ellos se convierten en esos aficionados a los mapas cuya alegría consiste, muchas veces, en dedicar más atención a las páginas de las guías que a los paisajes por donde pasan.

Entre esos dos modelos extremos se viaja. Para unos —el flaneur—, la curiosidad aparece como una mujer a la que hay que satisfacer a cómo dé lugar y siempre tienen la ilusión de un principio.

Son los buscadores de lugares secretos, los que persiguen cosas que están más en su cerebro que en el lugar que pisan.

Para otros, esa caminata al azar sin ningún plan es casi un pecado que no lleva a ningún lado o, en el peor de lo casos, a sitios riesgosos de los cuales no es tan fácil salir.

O sea, están los aventureros lanzados a un paseo impredecible, al placer de la incertidumbre, la posibilidad de no verlo todo y, por lo tanto, poder volar con la imaginación hasta aquello que no se ve; el flaneur sabe que ese andar puede convertir al viaje en algo diferente.

Y existen los que exigen saber dónde están en cada momento como si hubiera una suerte de seguridad en ello, aquellos que eligen una rutina a la que volverían una y mil veces, como se vuelve a los lugares de la infancia.

El Corazón de la Tinieblas

2007-11-15T01:05:00.000-03:00

El corazón de la tinieblas, escrito entre 1898 y 1899, de Joseph Conrad.
Es, un relato de marinero,una historia que recupera además la experiencia personal de un viaje al Congo que no iba a olvidar fácilmente,«antes del Congo yo no era más que un simple animal».

En la desembocadura del Támesis,Marlow cuenta a unos compañeros su viaje a África, en busca de Kurtz, agente comercial que está enviando a su compañía ingentes cantidades de marfil.

El viaje de Marlow es una odisea: el barco en el que navegan es viejo, el río peligroso, acechado de nativos que atacan en los recodos, el calor insoportable... Marlow avanza obsesionado por Kurtz, del cual se va formando una imagen contradictoria y mitificada.

Otros empleados le van describiendo los rasgos y atributos del agente: voz profunda y potentísima, elevada estatura, ojos fulminantes, mente lúcida y voluntad indomable que le permite recolectar más marfil que todos los demas agentes juntos...

Por fin lo encontrará enfermo, en una choza cercada de cabezas humanas empaladas, adorado por tribus indígenas a las que subyuga con el terror.

El extraordinario personaje que ha ido modelando la imaginación de Marlow se erige ahora en símbolo de la corrupción y la entrega a la barbarie ancestral, impulsado por un ansia ilimitada de poder y riqueza, enfrentado consigo mismo en la soledad y vencido por la influencia de lo salvaje:

«La selva había logrado poseerlo pronto y se había vengado en él de la fantástica invasión de que había sido objeto. Me imagino que le había susurrado cosas sobre él mismo que él no conocía, cosas de las que no tenía idea. Al quedarse solo en la selva había mirado a su interior y había enloquecido. El denso y mudo hechizo de la selva parecía atraerle hacia su seno despiadado despertando en él olvidados y brutales instintos, recuerdos de pasiones monstruosas».

Kurtz ha rendido su humanidad y se ha convertido en un depredador que somete a castigos brutales a los nativos rebeldes («no había poder sobre la tierra que pudiera impedirle matar a quien se le antojara») y cuyo mundo solo conoce ya «el horror» (palabras finales que pronunciará en su agonía).

El universo que rodea a Kurtz es igualmente terrible y absurdo:

«Veía la estación y aquellos hombres que caminaban sin objeto por el patio bajo los rayos del sol. Caminaban de un lado para otro con sus absurdos palos en la mano, como peregrinos embrujados en el interior de una cerca podrida. La palabra marfil permanecía en el aire, en los murmullos, en los supiros. Un tinte de imbécil rapacidad coloreaba todo aquello, como si fuera la emanación de un cadáver».

La novela puede leerse como alegato contra la colonización del Congo, pero su reflexión moral va más allá.

Kurtz llega a África iluminado de ideales de progreso. Redacta una guía para orientar el recto diseño del comercio y la tarea civilizadora:

«Cada estación de la compañía debería ser como un faro en medio del camino, que iluminara la senda hacia cosas mejores».

Sin embargo la luz sucumbe ante las tinieblas: el hombre «civilizado» oculta bajo una frágil superficie bestiales instintos que salen a flote en contacto con ese mundo fuera del tiempo, sumergido en la penumbra de la floresta primitiva.

El viaje de Kurtz (que Marlow reproduce) es un viaje a los infiernos, un descenso por el río del olvido:

«Remontar aquel río era como volver a los inicios de la creación cuando la vegetación estalló sobre la faz de la tierra. Una corriente vacía, un gran silencio, una selva impenetrable. El aire era caliente, denso, embriagador. No había ninguna alegría en el resplandor del sol. Aquel camino de agua corría desierto en la penumbra de las grandes extensiones. Uno llegaba a tener la sensación de estar embrujado, lejos de todas las cosas una vez conocidas. Penetramos más y más espesamente en el corazón de las tinieblas. A veces, por la noche, un redoble de tambores, detrás de la cortina vegetal, corría por el río. Tuve la sensación de haber puesto el pie en algún tenebroso círculo del infierno».

Marlow,consigue salir entero de este infierno, pero no sucede lo mismo con Kurtz. Pero la tiniebla no está solo en la selva hostil.
La fuente última de la oscuridad es otra, es «el mal escondido en las profundas tinieblas del corazón humano».

Kurtz no ha sido capaz conservar su conciencia moral, su entidad humana, y en su búsqueda de la luz ha llegado a un territorio en el que late sin cesar,el verdadero corazón de las tinieblas, el oscuro corazón del hombre.

Delikatessen 5,King Crimson

2007-11-14T02:11:00.000-03:00

King Crimson
Elephant Talk

King Crimson
Three of a Perfect Pair

King Crimson
Matte Kudasai

Dadaísmo

2007-11-14T01:56:00.000-03:00

El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte.

Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.

Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.

Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda de medios de expresión irónico-satíricos. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano.

El origen del término Dadaísmo es confuso. La versión más aceptada dice que al abrir un diccionario al azar apareció la palabra dada, que significa caballito de juguete, y fue adoptada por el grupo.

El movimiento dada nació en un café cantante de Zurich en 1916, donde se recitaban poemas. Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que querían escapar de la guerra. Allí se reunieron representantes de diversas escuelas como el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el cubismo francés. Esto da al dadaísmo la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra una escuela anterior, sino que cuestiona el concepto del arte antes de la Primera Guerra Mundial.

Hugo Ball, director de teatro y su mujer, concibieron el proyecto de crear un café literario que acogiera a todos estos artistas exiliados, el Cabaret Voltaire, que abrió sus puertas el 1 de Febrero de 1916. Allí se congregaron Tristan Tzara (poeta, líder y fundador del movimiento), Jean Arp, Marcel Janko, Hans Richter y Richard Huelsenbeck entre otros.

La difusión del dadaísmo se debió a la publicación de la revista Dada, que gracias a ella, sus ideas se extendieron por Berlín, Colonia, París y Nueva York.

Jean Arp
Realizó relieves,collages y bordados donde combina las técnicas del automatismo y las imágenes oníricas, desarrollando una iconografía muy personal de formas orgánicas que él mismo llamó escultura biomórfica.

Un día, al mirar un dibujo que había roto en muchos pedacitos y tirado al suelo porque no le gustaba, se dio cuenta de que la disposición que les había dado la caída reflejaba mucho mejor la novedad plástica que trataba de obtener. Reunió los fragmentos y los pegó, yuxtaponiéndolos en la forma que dictaba la casualidad

Raul Hausmann
Su aportación más importante es el fotomontaje, que consiste, en el montaje, sin plan definido, de recortes de fotografía, periódicos y dibujos, con la intención de obtener una obra plásticamente nueva que asumiera un mensaje político, moral o poético.

En El crítico de arte ofrece la visión de un experto de arte y lo representa desdentado y con un zapato en la cabeza para denunciar la vaciedad y la inutilidad de sus pensamientos.

Kurt Schwitter
Creó ensamblajes de cartón, madera, alambre y objetos rotos, así como collages con diversos objetos, billetes de autobús, envolturas de quesos, suelas desgastadas, colillas, etc.

En su casa elaboró una obra a la que llamó Merz-Säule. Se trataba de una escultura hecha de bultos y concavidades con hallazgos cotidianos o con objetos tomados a sus visitantes como mechones de cabello o uñas cortadas, y que tenía la propiedad de crecer como si fuera un organismo vivo. Cada día le agregaba algo y llegó a crecer tanto que ocupó dos pisos.

Max Ernst
Max Ernst, junto con Baargeld, organizaron una exposición que obligaba al publico a pasar entre unos urinarios, mientras una niña vestida para primera comunión recitaba poemas obscenos.

En medio de la sala se levantaba un gran bloque de madera que sostenía una hacha enganchada por una cadena y se invitaba al público a que destruyera aquel objeto a hachazos. En las paredes colgaban collages de diversos artistas cuyo contenido provocaban malestar entre los espectadores. La exposición fue prohibida.

La Primera Guerra Mundial también llevó a Nueva York a grupos de artistas refugiados como Duchamp o Picabia, que junto con los americanos como Man Ray dan vida al dada neoyorquino.

Marcel Duchamp
Su principal aportación es el ready-made, que consiste en sacar un objeto de su contexto para situarlo en el ámbito de lo artístico. Solo con el hecho de titularlos y firmarlos confería a los objetos la categoría de obra de arte.

En 1913 concibió una obra a partir de una rueda de bicicleta colocada sobre un taburete de cocina. En 1915 presentó un urinario de loza puesto al revés y lo tituló Fontaine.

Man Ray
Realizó un conjunto de obras que llamó "objetos de mi afecto". Entre ellas está Cadeau, que consiste en una plancha de cuya base salen algunos clavos, o la obra llamada La puericultura II, que es una base cilíndrica de bronce en cuya parte superior sobresale una mano color verde.

Delikatessen 4.Franz Marc

2007-11-13T13:23:00.000-03:00

Franz Marc.Pinturas

1910 - Horse In The Country...
1911 - The Bull...
1911 - Blue Horse I...
1911 - The Yellow Cow...
1911 - The Large Blue Horses...
1912 - The Small Yellow Horses...
1911 - Blue-Black Fox...
1912 - Red Deer II...
1912 - Three Animals (Dog, Fox and Cat)...
1912 - Deer In The Woods II...
1912 - The Little Monkey...
1912 - The Dream...
1912 - Two Cats, Blue and Yellow...
1912 - Tiger...
1913 - Foxes...
1913 - Three Cats...
1913 - The Three Horses...
1912 - Playing Dogs...
1913 - Long Yellow Horse...
1913 - The Wolves...
1913 - Dreaming Horse...
1914 - Animals In Landscape
1913 - The Fate Of The Animals...

La Cancion "Mercy" ,Alanis Morissette y Salif Keita

Franz Marc

2007-11-13T13:16:00.000-03:00

FRANZ MARC (1880-1916)

El pintor alemán que quiso captar el alma animal

Si por algo es famoso Franz Marc (1880-1916), un pintor expresionista alemán, es por sus cuadros de animales. Aunque Marc no se conformaba con retratarlos sin más, ya que a cada uno le daba un significado; por ejemplo, las vacas representaban la alegría de vivir. Franz quiso pintar el mundo tal como un caballo o un venado podrían verlo. Y es que adoraba a los animales.

Franz Marc nació en 1880 en Múnich, Alemania. Vivió una infancia y adolescencia normales y, cuando tenía 17 años, no sabía muy bien qué hacer con su vida, si estudiar Teología, Filosofía o dedicarse a la pintura.

Al final Franz se matriculó en Filosofía, pero antes decidió hacer la milicia. Trascendental paso porque en el cuartel vio que lo que deseaba, por encima de todo, era ser pintor. Así que se matriculó en la Academia muniquesa.

Los primeros cuadros de Marc son naturalistas, hasta que viaja a París y queda deslumbrado por la pintura impresionista, especialmente por Van Gogh.

A partir de 1907, Marc centró su trabajo en los animales, y, después de 1914, probó a pintar cuadros abstractos porque los animales ya no le servían para representar sus sentimientos.

Marc ya no pretende imitar lo que ve, sino indagar en la naturaleza oculta del mundo, en el fondo de las cosas. Y para lograrlo no dudó en utilizar esos colores intensos que tanto le gustaban.

Marc y la pintura abstracta

Franz fundó, junto con el pintor Kandinsky, el grupo expresionista El jinete azul. Fue en septiembre de 1911 cuando estos dos pintores lograron reunir un montón de cuadros de artistas europeos de diversas tendencias para ver por dónde iban los tiros de la nueva pintura. Más tarde comprobaron, en futuras exposiciones, cómo la pintura internacional iba evolucionando hacia la composición abstracta.

Marc creía en la nueva pintura y la defendió con vehemencia. Poco a poco fue pintando de forma más abstracta hasta que la Primera Guerra Mundial se interpuso en su vida. A principios de 1916, mientras Marc patrullaba una zona de guerra, una granada lo alcanzó y murió.

Marc y los colores

Franz Marc decía que “el azul es el principio masculino, áspero y espiritual. El amarillo es el principio femenino, suave, alegre y sensual. El rojo, la materia, bruta y pesada, el color que siempre deben combatir y superar los otros”.

Marc se casó con Marie Schnür para que ésta pudiera quedarse con su hijo ilegítimo. Divorciado poco después, rehace su vida junto a la pintora Maria Franck, con la que se casa en 1913. Al año siguiente se presentó voluntario a la I Guerra Mundial, junto con su amigo Macke, y los dos cayeron en el frente.

Franz y el sueño de Animalizar el arte

El “Perro tendido en la nieve”, pintado entre los años 1910 y 1911, es un ejemplo de los muchos cuadros que Franz Marc dedicó al reino animal. “No encuentro ningún medio más feliz para animalizar el arte que el cuadro de animales”, dijo. Como si fuera un chamán, a Marc le gustaría transformarse, al menos cuando pinta, en la mirada animal.

Delikatessen 3,Sylvian

2007-11-09T14:39:00.000-03:00

David Sylvian,Featuring Robert Fripp
Wave

David Sylvian
Orpheus

David Sylvian
Silver Moon

Delikatessen 2,Bjork

2007-11-09T14:11:00.000-03:00

Bjork
Earth Intruders

Bjork
Army Of Me,Glastonbury,2007

Bjork
Isobel,live at the Royal Opera House.

Bjork
Isobel,Telegram Version

Delikatessen 1,Sakamoto

2007-11-08T17:57:00.000-03:00

Ryuichi Sakamoto & David Sylvian Featuring Ingrid Chavez
Heartbeat -Tainai Kaiki

Ryuichi Sakamoto
Neo Geo, Live in New York 1988

Ryuichi Sakamoto
Merry Christmas Mr. Lawrence (Live)

Björk

2007-11-05T14:13:00.000-03:00

Björk Guðmundsdóttir, nacida en Reykjavik (Islandia) el 21 de noviembre de 1965. Publicó su primer disco con tan sólo 11 años, lo que la lanzó a la fama en su pais natal.

Posteriormente formó parte de diferentes bandas punk islandesas de la epóca como Tappi Tikarrass o Kukl, pero fue con los Sugarcubes con quien alcanzó el reconocimiento internacional.

En 1990 editó un disco junto al trio jazzistico gudmundar ingólfssonar, donde versiona temas clásicos islandeses y otros internacionales y finalmente en 1993 edita el que es su primer disco en solitario (si obviamos su primera aparición como estrella infantil) al que bautizó como Debut.
El disco mezclaba muchos estilos diferentes, instrumentos de diferentes partes del mundo y colaboraciones de artistas multiculturales.

La continuación de éste debut vendría en la forma de un cd de remezclas de título: the best mixes from the album debut for all the people who don´t buy white-labels.

En 1995 aparece Post, su siguiente disco. Más electronico, industrial, fantasioso y con nuevos exitos como Hyperballad, Isobel o la versión de clásico It´s Oh so quiet.

Éste cd tampoco se quedaría sin sus correspondientes remezclas, un cd llamado Telegram que contaba con colaboraciones de todo tipo(gente como LFO, Outcast,Evelyn Glennie o el Brodsky Quartet).

En 1997 llega el turno de Homogenic, disco grabado una reclusión temporal en Málaga (España) junto a Mark Bell.
El resultado fue su disco más personal y orgánico hasta el momento.

Un compendio de temas que tenían en comun la mezcla de instrumentos de cuerda y la electronica. De aquí surgieron temas como Jóga, Bachelorette, Hunter o All is full of love.

En el año 2000 llegaría su salto a la gran pantalla. Björk se convierte en la protagonista del musical Dancer in the dark (bailar en la oscuridad) de Lars Von Trier.
A su cargo queda tambien la composición de la banda sonora que aparecería editada bajo el título: Selmasongs. De ésta experiencia cabe destacar su colaboración con Thom Yorke titulada I've seen it all.

Un año despues vio la luz Vespertine, el lado opuesto de Homogenic.
Un disco minimalista, de susurros y fragiles sonidos.
En él participaban como colaboradores Matmos y la arpista Zeena Parkins, quienes acompañaron a Björk en una gira mundial por todos los grandes teatros del globo junto a una orquesta completa que tuvo su punto algido en el directo del royal opera house de londres (posteriormente editado en dvd).

Tras Vespertine, la artista editaría en 2002 un grandes exitos (cuyos cortes fueron elegidos por los fans) que incluía como tema inedito It´s in our hands.

Poco despues llegó una caja recopilatiria de 4 minicds y un cd que reunian temas en vivo, versiones y un nuevo recopilatorio con temas elegidos esta vez por la propia Björk.

El siguiente paso fue una edición de una nueva caja de 4 cds (que posteriormente saldrian editados por separado) y que se correspondían a 4 discos en vivo diferentes (uno por disco editado hasta la fecha).

Por fin en el 2004 reaparecio con material inedito; Medúlla. Un disco donde nuevamente se reinventaba, en esta ocasión prescindiendo de la instrumentación y dando todo el protagonismo a la voz. De él surgió Oceania, tema que inauguró los Juegos Olimpicos de Atenas 2004.

En el 2005 Björk lanzó Drawing Restraint 9, banda sonora de la película experimental de Matthew Barney (su actual pareja) donde la artista se basa en sonidos de la música tradicional japonesa para crear los temas.

En el 2007 aparece Volta albúm que contrasta con sus dos anteriores trabajos, Medulla y Vespertine, puesto que ya desde la portada el nuevo material tiene un aspecto mucho más colorido, reflejo de lo que encontraremos en el cd: una obra menos conceptual y más eclectica, con ritmos variados que pasan desde sonidos minimalistas a pinceladas de techno rabioso o influencias tribales; incluso podremos escuchar un par de temas donde la artista realiza duos con Antony Hegarty.

Hasta la fecha Björk ha participado tambien en numerosas colaboraciones al margen de sus propios discos; asi la hemos visto junto a PJ Harvey, Tricky, Meredith Monk, Joanna Newsom o Tony Ferrino.

Bromas Sobre Músicos.

2007-10-31T15:27:00.000-03:00

Los músicos cuentan chistes sobre sí mismos (y sobre sus colegas de otras filas de la orquesta) desde tiempos inmemoriales.

Los directores, las sopranos y los violistas son las víctimas preferidas.
Algunos llegan al extremo de lo macabro y otros son ingenuamente infantiles.
He aquí algunos.

–¿Cuál es la diferencia entre una soprano y un terrorista?
–Con un terrorista se puede negociar.

–La fila de violas de una orquesta se encuentra enterrada hasta el cuello en un desierto de arena. ¿Cuál es la conclusión?
–Que en ese desierto falta arena.

–¿Cuál es la diferencia entre el primer y el último violista de la fila?
–Medio tono y un compás.

–¿Cuál es la diferencia entre Dios y un director?
–Dios sabe que Él no es un director.

–¿Por qué a la fila de cornos de la orquesta _________ (colocar en este espacio la que el lector desee) la llaman “Los Beatles”?
–Porque desde 1969 no tocan juntos.

El órgano es un instrumento de culto porque cuando comienza a sonar, sentimos el Poder de Dios y cuando termina conocemos la Gracia de Dios.

–¿Cómo se logra que dos oboes suenen al unísono?
–Echando a uno.

–Estás en una habitación con Bin Laden, Adolf Hitler y Kenny G. Tenés un arma, pero sólo dos balas. ¿Qué hacés?
–Disparar a Kenny G dos veces… para estar seguro.

–¿Por qué los gorilas no pueden tocar la trompeta?
–Porque son muy sensibles.

–¿Cuál es la diferencia entre un trombón y una motosierra?
–Es más fácil improvisar con una motosierra.

–¿Cuál es la diferencia entre un director de coro universitario y un chimpancé?
–Está científicamente probado que los chimpancés son capaces de comunicarse con los humanos.

–¿Cómo conseguir que a una soprano le brillen los ojos?
–Metiendo una linterna en su oreja.

–¿Cuál es la diferencia entre una soprano y una cobra?
–Una es mortalmente venenosa, la otra es un reptil.

–¿Cuántas sopranos hacen falta para cambiar una bombita?
–Cuatro. Una para cambiar la bombita y tres para quitarle la silla de abajo.

Un cuarteto de cuerdas se compone de las siguientes cuatro personas: un buen violinista, un mal violinista, un ex-violinista, ¡y uno al que ni siquiera le gusta el violín!

–¿Cuál es el secreto para que un guitarrista deje de tocar?
–Ponerle una partitura.

–¿Y para que un pianista deje de tocar?
–Quitársela.

Un músico llama a la oficina de la ópera para hablar con el director. “Lo siento, ha muerto” le responden.
El músico vuelve a llamar 25 veces, obteniendo siempre la misma respuesta de la recepcionista.
Al final ella le pregunta por qué sigue llamando. “Es que me gusta oirlo”.

Un músico ve a un violista dándole con el arco en la cabeza a un niño.
–¡Eh! ¿Por qué le estás pegando a ese niño?
–Porque me ha desafinado una cuerda de la viola… y no me quiere decir cuál.

–¿Por qué los gaiteros caminan mientras tocan?
–Para alejarse del ruido.

–¿Qué es lo más difícil de aprender en el estudio de la gaita?
–Saber cuándo has cometido un error.

–¿Que obtienes si tocas New Age al revés?
–New Age.

–¿Por qué son muy codiciados los corazones de directores para los transplantes?
–Porque tienen poco uso.

–¿Cual es la diferencia entre un director de orquesta y una bolsa de estiércol?
–La bolsa.

Música Clásica con Humor

2007-10-31T15:19:00.000-03:00

“La música es el arte de combinar los horarios”.

Detrás de este célebre adagio se esconde una de esas verdades universales en las que raras veces se repara: el humor es un valioso componente de la música.

En rigor, uno podría manejarse en más amplios niveles y sugerir un muy poco inspirado aforismo acerca del humor como componente indispensable de la vida, y cosas por el estilo. Pero en todo caso no sería menos cierta la primera propuesta.

Un poco de historia

Muchas de las canciones polifónicas del Renacimiento refieren historias picarescas y recurren a los más variados efectos vocales para expresar con la música muchas de las cosas que el texto sólo sugiere.
Y si el texto es lo suficientemente explícito, la música se encarga de enfatizar el asunto sin ningún empacho.

Algunos cultores de este género –grandes músicos como Orlando de Lasso– no dudaban en utilizar esas tonadas en composiciones religiosas, recorriendo el camino inverso al de los “picarones” que adulteran la letra de las canciones patrias.

Este tipo de sutilezas permiten trazar una división –vaya a saber con qué propósito– entre dos tipos de ludus musicalis.

El primero de ellos consiste en comedias puestas en música. Se trata por lo general de piezas vocales, no necesariamente representadas, para las que no hace falta haber escuchado antes un solo compás de cualquier otro tipo de música.

Aquí se puede incluir desde el Falstaff de Verdi hasta el lied ”El beso”, op. 128, de Beethoven, pasando por ese maravilloso chiste de cuarto horas y media que es Los Maestros Cantores de Nuremberg.

Pero el humor tiene también otras formas de hacerse presente en la música, con ropajes más sutiles y con una exigencia adicional: a veces la comedia no es puesta en música, sino que se ríe de la propia música.

E incluso las dos vías pueden entrelazarse y generar obras como El maestro de Capilla de Cimarosa, o el genial Il Campanello de Donizetti, en el que un hombre simula ser un tenor hipocondríaco –valga la redundancia– que debe cantar al día siguiente Il Campanello de Donizetti.

Y en este campo, intérpretes y compositores han llegado a extremos de asombrosa complejidad, dispuestos a casi “todo por que rías”, como rezaba el título del último espectáculo de uno de los conjuntos emblemáticos de este tipo de humor.

“Tutto nel mondo è burla…”

La paternidad de este “género” –el que no se ríe con la música, sino de la música– no puede ser atribuida a algún compositor venerable, pero sí puede identificarse uno de sus primeros hitos en las mismísimas Variaciones Goldberg de Johann Sebastian Bach.

El maestro del contrapunto y la técnica insuperable se despacha en el final de una de sus obras más sublimes con un quodlibet en el que la melodía principal se entrecruza con dos tonadas populacheras.
El destino quiso que los oídos actuales no respondieran a ninguno de los dos propósitos del compositor: el público no se ríe y tampoco se queda dormido.

Es sabido que la familia Bach disfrutaba mucho de este tipo de bromas. Uno puede incluso imaginarse a los pequeños Wilhelm Friedemann y Carl Philip Emmanuel correteando por Leipzig, golpeando las puertas de los vecinos para luego escapar sin ser descubiertos, y bautizando a su juego “tocata y fuga”.

Mozart fue otro famoso bromista, autor de burdas chanzas –como escribir coloraturas para soprano sobre palabras obscenas– y complejas humoradas, como su Broma musical o su Galimatías, en el que cada uno puede armar su propio minué con sólo tirar los dados.

Aquí, como en tantas otras cualidades mozartianas, es posible rastrear la influencia de “papá” Haydn, un músico que con total merecimiento es reconocido como el más jovial de los compositores del panteón.

Su broma más famosa fue, para ponerlo en términos actuales, la de convencer a su patrón de dar marcha atrás en un recorte salarial escribiendo una sinfonía en la que los músicos van abandonando uno a uno la orquesta.

Pero su buen humor aparece en muchas otras sinfonías: El oso incluye en el último movimiento una tonada circense, La gallina, tras unos compases introductorios de sobrecogedor patetismo, sorprende con un oboe “cacareando” el tema principal.

Y la Sinfonía nº 93 genera una cálida carcajada con el sencillo e ingenioso recurso de dejar al fagot solo en el final del segundo movimiento.

Este es el tipo de bromas de las que uno dice que “una cosa es decirlo y otra escucharlo”, con la salvedad de que, además, hay que haber escuchado antes aquello de lo que la obra en cuestión se está burlando.

De ahí que este tipo de humor corra el riesgo de transformarse en patrimonio de “iniciados”, que se ríen en voz alta en un concierto cuando el resto del público está callado.

Apología
Como sea, es imposible negar que esos “guiños” constituyen uno de los ingredientes más refrescantes de muchos conciertos.

No es descabellado suponer que el placer que generaban estas pequeñas burlas autorreferenciales de las composiciones “serias” haya finalmente producido obras construidas totalmente sobre este principio.

Así nacen obras maestras como la Cantata Laxatón, o casi toda lo obra del profesor Peter Schickele, un maestro en el arte del quodlibet, y capaz de relatar la Quinta Sinfonía de Beethoven como si fuese un partido de fútbol.

En este sentido, una composición paradigmática –y muy poco difundida– es el cuarteto de Paul Hindemith La obertura del Holandés Errante interpretada por una mala orquesta de aldea a primera vista por la mañana.

Descendiente directo de la Broma Musical de Mozart –acaso fruto de las relaciones pecaminosas entre esa obra y la obertura wagneriana– el cuarteto de Hindemith plantea abiertamente el dilema que este tipo de música genera: ¿Se justifica semejante esfuerzo de composición y ejecución con el solo objetivo de gastar una broma?

En el caso de Hindemith, su cuarteto está cuidadosamente planeado hasta el último detalle y exige un elevadísimo nivel de interpretación.
Pero esta pregunta no pasa de mero ejercicio de retórica, porque la ejecución de una obra se justifica por sus propios méritos y por el deseo que el público tiene de experimentar su propuesta estética. D

e ahí que grandes músicos como Les Luthiers utilicen el virtuosismo como vehículo para el humor, o que Natalie Choquette divierta con una técnica impecable.

Un razonamiento que suponga a la comedia como un género “menor” está poniendo el acento en el lugar equivocado.

La música es principalmente música, y hay grandes comedias que superan en calidad a más de un aburrido opúsculo de pretendida profundidad.

Hasta el viejo y huraño Beethoven componía canciones obscenas en sus últimos días, y no dudaba en desplegar en ellas todo su arte.
Isaac Stern

Ryuichi Sakamoto

2007-10-28T11:58:00.000-03:00

Compositor y cantante japonés .Nació el 17 de enero de 1952 en Tokyo.

Cursó estudios de composición musical en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokyo donde obtuvo la licenciatura y un master, especializándose en música electrónica y world music.

En 1978 fue cofundador de la Yellow Magic Orchestra, que alcanzó reconocimiento internacional con un álbum de platino.
El primer solo de Sakamoto viene en el año 78, pero no se publicara hasta el 82 y sólo en Holanda.
El primer disco con una distribución amplia fue B-2 Unit, hecho cuando él todavía estaba en YMO en el año 80 y que fue realizado con la ayuda de Andy Patridge (XTC) y Dennis Bovell.

Colaboró con Robin Scott en "Left Handed Dream" donde Sakamoto cantaba y en este año también realizó las sesiones "US" donde colaboraba con artistas de la talla de Adrian Belew, Talking Heads, Frank Zappa y David Bowie.

Se inicia en la composición para el cine en 1983 con la banda sonora de "Feliz Navidad, Mr. Lawrence".
En los cuatro años siguientes obtuvo el premio de la Academia, el Grammy, el Globo de Oro y los Premios de los Críticos Cinematográficos de Nueva York, Los Angeles y Británicos a la mejor banda sonora original por su partitura para "El Ultimo Emperador" de Bernardo Bertolucci.

Posteriormente trabajó con Bertolucci dos veces más ("El Cielo Protector" y "Pequeño Buda"), Pedro Almodóvar ("Tacones Lejanos"), Brian de Palma ("Ojos de Serpiente") y Oliver Stone ("Wild Palms), entre otros.

Ha colaborado con Brian Wilson, Iggy Pop, Robbie Robertson, David Bowie, David Byrne, David Sylvian, Caetano Veloso y Youssou Ndour, así como también con los escritores William Burroughs y William Gibson.

En el año 1992 compuso y dirigió la música para la ceremonia de inauguración de las Olimpiadas de Barcelona.

En 1999 estrenó su primera ópera, "Life". Ha colaborado con el artista multimedia Toshio Iwai para crear Music Plays Images x Images Plays Music, improvisado duo de piano e imagen utilizando tecnología de última generación.

Es también conocido por ser contrario a las leyes de copyright, ya que considera que están obsoletas en la era de la información.

Recomendados.

Merry Christmas Mr. Lawrence (1983): la primera banda sonora de Sakamoto. Mucho sintetizador, pero tiene una de las mejores canciones que ha hecho nunca: la mítica "Forbidden colours".

The Last Emperor (1988): con decir que Sakamoto ganó un Óscar con este trabajo ya se dice suficiente.
Neo Geo (1991): canciones varias entre el pop y la tradición japonesa.

Heartbeat (1991): otro cúmulo de canciones a cual más rara, cosa de gustos.

Discord (1998): uno de los experimentos más interesantes de Sakamoto. Una composición dividida en varios tiempos que experimenta el sonido discordante, al tiempo que presenta un CD interactivo.

Clasicos.The Beatles (6)

2007-10-26T23:37:00.000-03:00

Primero estuvieron en un sótano, The Cavern. Después salieron por las ventanas. De ahí, a la terraza, para clausurar un ciclo.

Cuando graban “Let it be” son interrumpidos por una denuncia policial por ruidos. El cuarteto es conminado a guardar silencio. En esa trayectoria se establece un límite de tolerancia que no tiene que ver con los decibeles.

La historia cuenta que las disputas comerciales, los crecientes enconos entre sus dos principales compositores y la presencia de Yoko Ono causaron la disolución de los Beatles.

A estas alturas, la ruptura debería ser pensada como el reconocimiento de una imposibilidad: no se podía continuar un camino ascendente dentro del rock sin negarlo de manera explícita. Agotado el repertorio de la renovación, frustrada la promesa del progreso perpetuo, no quedó otro camino que atomizarse.

Esa impotencia–o alivio– se verifica en el retorno de sus individualidades a un repertorio primal.

“Yo era la morsa, pero ahora soy John”, canta Lennon en el último tema de su disco debut como solista, Plastic Ono Band.

Cuando John no era Lennon sino “la morsa”, compuso “I am the Walrus” bajo la influencia de las relecturas de Lewis Caroll.

La semana en que estaba mezclándola comenzó su asociación con Yoko. Lennon encendió la radio en el estudio y capturó voces al azar.

La señal de la BBC agrega el perfecto toque al final oscuro y triste: la escena segunda del acto IV de Rey Lear. Martin recuerda la canción como una “organización del caos”. Junto al texto de Lear se escuchan gruñidos y bufidos de Lennon y un coro mixto de 16 voces. El trabajo orquestal, las progresiones armónicas y su mixtura modal lo llevan a Everett a definirlo como un trabajo “joyceano”.

Rey Lear me hace pensar en la música isabelina y en algunas canciones: los Beatles como un John Dowland amplificado (“Away with the self-loving lads” podría haber sido compuesta por ellos).

Algunas voces de aquel drama teatral acaso sirvan para confirmarnos lo que Walrus apenas sugiere sobre los Beatles:
“...Albany: -me parece que a veces, buscando lo mejor, perdemos de vista lo bueno.
Cordelia: -el tiempo desenmascarará lo que oculta la astucia...”

Clasicos.The Beatles (5)

2007-10-26T23:30:00.000-03:00

De eso se trataba exactamente “A day in the life”. Otra forma de inmortalidad, ganada en vida. Lennon y McCartney comparten responsabilidades en su estructura.

La decisión de construir un complejo puente sonoro parece reunir dos afluentes: de un lado, la confesa audición de McCartney de a1gunas obras de Luciano Berio.

Del otro, la seducción que provocaba en Paul la figura de Karlheinz Stockhausen, quien aparece en la portada de Sgt Pepper al lado de Edgar Allan Poe (¿No debería haber sido Stoker?).

El final de la canción es enteramente de John. Quiso que se elevara alcanzando “un sonido igual al fin del mundo”.

Cuando concluye “A day...” los Beatles tocan un acorde simultáneo en tres pianos de cola, expandiéndolo en el tiempo con los rústicos medios de entonces.

El efecto sigue siendo estremecedor: 53 segundos de una reverberación que desaparece gradualmente y que, según Mark Hersgaard en The Beatles, a day in the life, remedan “el silencio de la nube atómica dispersándose de manera fantasmal”.

George Martín lo explicó de una manera que complacería a Yoko Ono: ”pintaban cuadros con el sonido”.

La escritura musical no sólo es un sistema de decodificación.

También una manera de perpetuar una memoria y la reserva publicada que permite edificar una teoría del gusto.

La reproducción técnica puso en cuestionamiento el sistema así como una manera de pensar la composición.

El aura que ésta había difuminado, vuelve fugazmente a guarnecerse en la mezcla final del estudio. Nada puede ser igual después del mix-down.

Los Beatles fueron los primeros en comprenderlo.

David Sylvian

2007-10-22T17:26:00.000-03:00

David Sylvian es un músico inglés, nacido en Beckenham, Kent; el 23 de febrero de 1958.

Se dio a conocer por ser vocalista y compositor de la banda Japan.
Posteriormente hizo una carrera como solista donde ha experimentado una variedad de géneros, entre ellos el jazz, ambient, electrónica y rock progresivo.

Lo más fascinante de Sylvian es su evolución musical desde sus trabajos en Japan (temas como "Night porter", "Canton", "Visions of China" ya apartan al conjunto de la etiqueta New Wave), mostrando una faceta "inclasificable" según los estilos definidos por la crítica.

En Japan se intuye un interés por crear nuevos conceptos, un deseo de evolucionar en el mundo de la música.

Junto a Ryuichi Sakamoto ha elaborado piezas fantásticas. Sylvian es una muestra del músico que avanza por una trayectoria en pleno ascenso y absolutamente paralelo al eje comercial que marca la industria musical.

Una hermosa voz, un gran talento y la "suerte" de elaborar proyectos rodeado de muchos de los músicos más originales de la época

Clasicos.The Beatles (4)

2007-10-22T16:59:00.000-03:00

“Strawbery fields forever” es otro momento epifánico.
En sus capas se cristaliza una de las premisas de la modernidad: la ilusión de progreso permanente que los Beatles encarnaron como pocos en cinco años.

No deja de ser curioso que en el film promocional –una suerte de proto video clip–, Paul, John, George y Ringo, caminen hacia atrás. Como si de esa manera pudiera recordarse la existencia de un origen y un horizonte que no deja de correrse.

Recordemos: Lennon se va a España, a Almería. Ahí compone con su guitarra una canción. Una postal de su infancia. ”Nada es real”, escribe.

Entre el primer boceto y el corte final suceden 17 minutos de pruebas.

El 24 de noviembre de 1966 Lennon toca la canción solo. Después se suma el grupo.

El día 29 finaliza la primera parte. McCartney toca la introducción en el mellotron, toca el bajo, batería, percusión y maracas. Lennon la guitarra. Harrison su Stratocaster.

8 de diciembre: Starr batería, McCartney bongos. Harrison timbales, Lennon maracas, Mal Evans tamborín.

Diciembre 15, Martín incluye las trompetas y los cellos. Se completa la voz de Lennon.

La canción tenía dos partes grabadas en tonalidades y tiempos diferentes. George Martín ajustó, por pedido del autor, la velocidad de las cintas.

La primera parte oscila entre La y Si bemol.

La segunda está más cercana al Si bemol. Los tiempos quedaron aproximadamente en negra 96 (o sea 96 pulsos por minuto).

El procedimiento le dio a la voz de Lennon esa sensación de irrealidad. McCartney propuso conservar el largo fade-out experimental. Lennon lo sintió como un sabotaje a la canción.

“Es la mejor grabación que hicimos”, dijo Martín.
No, Martín.

Todavía faltaba “A day in the life”.

Cuando la canción se conoce ocurre algo inédito: la gente, en sus casas, pone los tocadiscos rudimentarios en las ventanas para que en la calle se escuche la bella nueva.

Es curioso: apenas un año antes, Herbert Marcuse piensa en El hombre unidimensional a la ciudad como obra de arte.

Los Beatles, nuevamente sin saberlo, incitaban a lo mismo.

Provocadores de situaciones que también dejan sus ecos en el sur.

En el tercer tomo de sus memorias, después de escuchar Sgt Pepper, Juan Carlos Paz escribe: “han terminado por enfrentarnos a un Apocalipsis domesticado”.

Define el disco como una ”producción atractiva y ambigua, oscilante de continuo entre la boite y la sala de conciertos, el barroco y el laboratorio electrónico. Diversos estilos jazzísticos y experiencias de la música concreta, edificación del pastiche, esoterismo + mixtificación; magnífica mixtificación exactamente”.

El viejo Paz escribe el nombre propio con minúsculas: “beatles”.

Su prosa es ambigua “La etapa más reciente de los beatles –67– exige eso y mucho más, y en consecuencia ubican la experiencia en la práctica directa, como la incursión en la zona de la psicodelia, por ejemplo, y las experiencias últimas de laboratorio del sonido, tan últimas que ya no parecen de este siglo sino del próximo; muestran toda una atractiva, curiosa a la vez que complicada táctica de desquiciamiento sonoro del que emerge como elemento superviviente una de las más extraordinarias mitologías del día”.

Lástima que un día pasa pronto, como también ocurre con los sucesivos estilos de los beatles.

Clasicos.The Beatles (3)

2007-10-16T14:45:00.000-03:00

Leer y quedarse afuera. Hay cierta irreductibilidad de los Beatles a la disección tradicional que viene de los viejos cilindros.

Su mejor obra se construye en el estudio de grabación, en una época de extrema desconfianza a todo lo que vomitara la industria cultural.

La distinción entre arte y publicidad, decía entonces Adorno, quedaba eliminada desde el momento en que los productos eran creados para el intercambio y no para satisfacer necesidad alguna.

El lado oculto del fetichismo de la música era la regresión del auditorio, la incapacidad creciente de concentrarse en nada que no fueran los aspectos más banales de la composición: la temporalidad de un siempre lo mismo, un destino del cual no se puede escapar.

Los Beatles sí lograron trazarse un plan de fuga. En vez de cubrirse los oídos con cera para soportar los aullidos, se refugiaron en el estudio. Fue el paso del público al oyente.

Y el oyente advierte de inmediato los efectos de esa fuga.

“Tomorrow never knows” es la última canción de Revolver y la primera de las obras maestras compuestas por Lennon y tamizadas por lo que podría llamarse un concepto McCartney.

En ella quedan registradas las primeras aproximaciones de Paul con la avant-garde londinense, su afición por las cintas y la música electrónica.

Los cinco loops de su autoría desglosados por Everett en su ensayo muestran ostinatos, timbres y armonías tan ajenas al mundo pop que, casi cuarenta años después siguen provocando –al igual que la idea general de grabación, el ostinato rítmico y el grano de la voz– esa extrañeza e incitación a clonarlos.

Dos años más tarde, Lennon completó ese gesto en “Revolution 9”, donde el material incautado se multiplica por nueve e incluye pasajes deglutidos de los Estudios Sinfónicos de Schumann, pasajes de un motete de Vaughan Williams, y la Sinfonía 7 de Sibelius.

La sangre derramada no era negociada.

Clasicos.The Beatles (2)

2007-10-15T01:42:00.000-03:00

Ellos, sin embargo, no dejan de ser pensados en términos de su recepción social.
De los miles de libros y artículos sobre los fab four, sólo una pequeña proporción intenta con seriedad estudiar la música tal como es.

The Beatles as Musicians. Revolver through the Anthology, de Walter Everett, profesor de Teoría Musical de la Universidad de Michigan, es uno de ellos.

Dice Everett en el prefacio de su ensayo que las melodías, relaciones contrapuntísticas, funciones armónicas, articulaciones rítmicas, diseños formales, colores y texturas, justifican una aproximación analítica al corpus armado por jóvenes que no sabían leer música y que fueron y son seguidos por millones de personas que, en su inmensa mayoría, tampoco leen.

Clásicos.The Beatles (1)

2007-10-14T01:50:00.000-03:00

El 5 de mayo de 1897 sale a luz en Londres un libro amorosamente terrorifico: Drácula, de Bram Stoker.

Debe ser la primera novela en la que se describe una de las grandes invenciones del siglo XIX: el grabador.

La naturaleza técnica se manifestaba en forma de cilindros metálicos cubiertos de cera negra.

“El fonógrafo es un aparato maravilloso, pero cruelmente sincero”, dice Mina Harker.
“Esos cilindros contienen mucho más de lo que usted imagina”, le contesta el profesor Van Helsing.

Setenta años después, en la misma ciudad, los Beatles graban en cuatro pistas Sgt. Pepper Lonely Hearts Club Band y Magical Mistery Tour, discos que contenían más de lo imaginable.

Los hijos de la clase obrera de Liverpool clavaban los colmillos en la yugular de la exhausta modernidad: iban de La Marsellesa, su himno, a la Invención a dos voces en Fa mayor de Bach, el músico absoluto por excelencia; del iluminismo, de los mantras a los clusters orquestales de la última vanguardia.

Un verdadero caso de vampirismo musical que le hizo decir al compositor belga Henri Posseur: “nosotros pensábamos que ellos jugaban para nosotros cuando en realidad era al revés: nosotros jugábamos para ellos”.

Abel Gilbert